Raphael Weinroth-Browne es un violonchelista y compositor canadiense, conocido tanto por su carrera en solitario como por ser el violonchelista en directo de Leprous desde 2016, con quien ha tocado más de 200 conciertos. También ha colaborado en más de 200 álbumes de estudio, incluido el disco de Woods of Ypres ganador de un premio Juno, y sus versiones de temas de Opeth, Katatonia o Steven Wilson se hicieron virales.
"Evocation" es el tercer single de su próximo álbum "Empyrean", que sale el 11 de septiembre. Como en el resto del disco, toda la pieza está construida a partir de capas de violonchelo grabadas en directo con loops, sin ningún otro instrumento. La canción mezcla influencias barrocas (con ecos de Bach) con una atmósfera minimalista y cinematográfica.
El origen de "Empyrean" viene de un encargo que recibió en 2024: componer una banda sonora de 80 minutos inspirada en Bach para la compañía de danza James Wilton Dance. De ese trabajo, titulado "BACH Reimagined", nació buena parte del material que ahora forma este álbum.
El videoclip se rodó en el Carleton Dominion-Chalmers Centre de Ottawa, su ciudad natal, el mismo lugar donde presentará el disco en directo este otoño.
El "Dies Irae" es el segundo movimiento de la Messa da Requiem de Giuseppe Verdi, estrenada en 1874 en Milán en memoria del escritor Alessandro Manzoni, a quien Verdi admiraba profundamente. Es probablemente el fragmento más impactante de toda la obra: un estallido orquestal con golpes de bombo, metales a todo volumen y el coro cantando sobre el Juicio Final.
El texto no es de Verdi, sino una secuencia litúrgica latina del siglo XIII atribuida a Tomás de Celano, usada tradicionalmente en las misas de difuntos católicas. Muchos compositores la han musicado (Mozart, Berlioz, Fauré...), pero la versión de Verdi es la más teatral de todas, tanto que algunos críticos de la época la tildaron con sarcasmo de "la mejor ópera de Verdi", por su carácter tan dramático y poco litúrgico.
Un dato curioso: este "Dies Irae" no aparece solo una vez. Verdi lo reintroduce varias veces a lo largo del Requiem, incluso casi al final, en el "Libera me", como si el terror del Juicio Final volviera a irrumpir justo cuando parecía haber pasado.
El fragmento se ha popularizado muchísimo fuera del ámbito clásico, apareciendo en infinidad de películas y anuncios como sinónimo musical de catástrofe o apocalipsis.
Vídeo (Claudio Abbado dirigiendo a la Filarmónica de Berlín):
También merece la pena la versión dirigida por Riccardo Muti con la Sinfónica de la Radio de Baviera, más intensa y con un coro espectacular:
Y para quien quiera ver hasta dónde puede llegar esta pieza, el productor italiano ASCO la ha versionado en clave techno dentro de su proyecto Symphony of CAOS, fusionando el coro original (Coro Ventidio Basso) con un sonido de club y festival:
"Eclipse" cierra "The Dark Side of the Moon" (1973), uno de los álbumes más influyentes de la historia del rock. Escrita y cantada por Roger Waters, la canción enlaza directamente con "Brain Damage": tanto es así que las radios casi siempre las emiten juntas, y muchos fans las consideran una sola pieza en dos partes.
Lo curioso es que "Eclipse" nació casi por accidente. El disco estaba prácticamente terminado pero le faltaba un final, hasta que Waters llegó un día de ensayo y dijo: "he escrito un cierre". La canción, además, iba a dar título a todo el álbum: al principio la banda quería llamarlo "Dark Side of the Moon", pero al enterarse de que el grupo Medicine Head sacaba un disco con ese mismo nombre en 1972, pensaron en rebautizarlo como "Eclipse". Cuando el álbum de Medicine Head pasó sin pena ni gloria, Pink Floyd recuperó el título original y dejó "Eclipse" como nombre de la canción final.
La frase que cierra el disco, "there is no dark side of the moon really, matter of fact it's all dark", no la dice ningún miembro de la banda: es la voz de Gerry O'Driscoll, el portero de los estudios Abbey Road, grabado por Waters mientras recogía frases espontáneas de la gente que pasaba por allí. Y si afinas el oído en el canal derecho, al final del tema se puede escuchar de fondo un fragmento orquestal de "Ticket to Ride" de The Beatles, que sonaba de casualidad en el estudio durante la grabación.
"Eclipse" también tuvo un momento muy especial en 2012, cuando sonó en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres, acompañada de fuegos artificiales y un montaje de atletas británicos.
Editada en noviembre de 1998 dentro de su álbum debut "Hear My Cry", la canción no despegó de inmediato: alcanzó solo el puesto 24 en el Reino Unido. Todo cambió a principios de 2000, cuando un DJ de una radio de Tampa (Florida) empezó a pincharla y el tema explotó en Estados Unidos, llegando al número 8 del Billboard Hot 100. Ese éxito hizo que Universal la relanzara en el Reino Unido, donde esta vez sí llegó al número 1, se mantuvo 14 semanas en el top 40 y terminó siendo el tercer single más vendido de 2000 en el país.
Antes de ser cantante, Sonique (Sonia Clarke) ya era una DJ reconocida en la escena de clubs británica. Sobre la letra, contó que está inspirada en un amor no correspondido: "Es sobre un chico que me gustaba mucho hace años, pero que no sentía lo mismo por mí. Era muy exitoso y yo no, en aquel momento. Él pensaba que yo estaba enamorada de su éxito. Esta canción es solo una forma de declarar que era a él a quien quería".
Al ser relanzada en 2000 se grabó un segundo videoclip, distinto al original de 1998, en el que Sonique interpreta a una camarera que de noche se convierte en DJ.
En 2024, el tema volvió a sonar fuerte gracias a un remix de Matt Sassari y Hugel con la propia Sonique, que también tuvo mucho éxito en clubs y radiofórmulas.
Vídeo oficial (1998):
Remix de Matt Sassari & Hugel ft. Sonique (2024):
Letra:
You always make me smile
When I'm feeling down
You give me such a vibe
I is still totally bona fide, mm
It's not the way you walk
And it ain't the way you talk
It ain't the job you got
That keeps me satisfied
Your love, it feels so good
And that's what takes me high
Higher than I've been before
And your love, it keeps me alive
Thought I should let you know
That your touch, it means so much
When I'm alone at night
It's you I'm always thinking of
That your touch, it means so much
So much, so much
Your love, it feels so good
So much, so much, so much
Ooh, baby
Won't you understand
How I feel, yeah, deep inside? (That your touch, it means -)
4frases es un proyecto musical español que se mueve en el terreno del rock y el punk con mensaje político y social, con guiños directos a bandas como Extremoduro, La Polla Records, Marea o Platero y Tú. No dan la cara con nombres de integrantes, se presentan simplemente como "producción musical", y suelen sacar canciones muy rápido, casi al ritmo de la actualidad, muchas veces con carga satírica (tienen temas como "El Fachapobre" que generaron bastante ruido en redes).
"La Mataviejos en Madrid" es un single que publicaron el 17 de mayo de 2024. La canción construye un personaje de ficción, una especie de villana urbana con toda su familia metida en líos (un novio ladrón, un hermano estafador...), en clave de humor negro y con un estribillo pegadizo tipo himno punk-rock. Es una canción corta, de apenas tres minutos, pensada para pegar fuerte y rápido, muy en la línea del resto de su catálogo.
"The Wind Forest" es un tema instrumental compuesto por Joe Hisaishi para la banda sonora de "Mi vecino Totoro" (1988), la película de Studio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki. En esta versión, la pieza está interpretada al piano por Nobuyuki Tsujii, dentro de su álbum dedicado a las bandas sonoras de Studio Ghibli.
Joe Hisaishi, cuyo verdadero nombre es Mamoru Fujisawa, adoptó su nombre artístico como un homenaje a Quincy Jones, ya que "Joe Hisaishi" puede escribirse con los mismos kanjis que una lectura japonesa de "Quincy". Empezó su carrera musical en los años 70 componiendo para anime, y en 1984 inició su colaboración con Hayao Miyazaki en "Nausicaä del Valle del Viento", relación que se ha mantenido durante cuatro décadas y que incluye prácticamente toda la filmografía del director, hasta "El chico y la garza" (2023), ganadora del Oscar. En una entrevista con Classic FM, el propio Hisaishi contó que compuso el tema principal de Totoro en apenas veinte minutos. Según explicó, su estilo cambia según el proyecto: para las películas de Takeshi Kitano opta por un enfoque minimalista y contenido, mientras que para las películas de Miyazaki busca un tono mucho más emocional.
Nobuyuki Tsujii, conocido como "Nobu", es un pianista japonés ciego de nacimiento. Empezó a tocar de oído con dos años, en un piano de juguete, tras escuchar a su madre tararear una melodía. En 2009 ganó la medalla de oro del Concurso Internacional de Piano Van Cliburn, uno de los certámenes más prestigiosos del mundo, y desde entonces ha actuado con orquestas como la Filarmónica de Berlín o la Sinfónica NHK. Como no puede leer partituras, aprende todo su repertorio de oído.
Mr. Know It All es el single que Teddy Swims lanzó el 10 de abril de 2026 a través de Warner Records, y que da nombre a su nuevo álbum. La canción habla de esa sensación de saber, desde el principio, cómo va a acabar una relación, y de cómo esa capacidad de anticiparse acaba convirtiéndose en una condena: te proteges de antemano, y esa distancia es precisamente lo que hace que la relación fracase.
El propio Swims lo explicó diciendo que el tema explora cómo el amor puede convertirse en una contradicción que se cumple a sí misma: cuando crees que ya sabes cómo va a terminar, te proteges guardando las distancias, y esa distancia acaba siendo la razón del fracaso.
Musicalmente es una mezcla de rock de aire ochentero con producción de R&B, escrita por el propio Swims junto a Alexander Izquierdo, Ed Drewett, Joshua Coleman, Julian Bunetta y Rosie Danvers, y producida por Ammo, Bunetta y John Ryan.
Teddy Swims, de Georgia, se dio a conocer en YouTube haciendo versiones de todo tipo de géneros con su voz soul característica, antes de convertirse en uno de los nombres más grandes del pop y R&B actual gracias a éxitos como Lose Control.
Vídeo oficial:
También existe una versión de piano de la canción, mucho más desnuda e íntima, que merece la pena escuchar:
Letra:
She like the low, she like the high
I've seen it all too many times
Geronimo, she's dropping by
Fork in the road, this fate of mine
I can't act like I don't keep dressing for the storm, then blame the sky
Oh, I know I'm damned if I do, damned if I don't
Wherever I end up, it's never no surprise
Should've told you I could see this coming
Like I'm looking right into a crystal ball
When I fall in love, it's with misfortune
Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All
Give you everything you say you wanted
See the future like it's written on the wall
You're the only thing that's missing from it
Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All
Mr. Know It All (Mr.)
Pulling dominoes from a coffee can
Set 'em up and watch 'em fall, do it over again
Like a tennis ball through a ceiling fan
Bet you never end up falling back in my hands, oh
Should've told you I could see this coming (see this coming)
Like I'm looking right into a crystal ball
When I fall in love, it's with misfortune
Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All
Give you everything you say you wanted (say you wanted)
See the future like it's written on the wall
You're the only thing that's missing from it (missing from it)
Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All
I don't wanna stay (stay), I don't wanna run
I already know what this'll become
I'm watching you dance and falling in love
I'm getting way too close to the sun
Should've told you I could see this coming (coming)
Like I'm lookin' right into a crystal ball
When I fall in love, it's with misfortune (oh, it's with misfortune)
Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All
Give you everything you say you wanted (you say you wanted)
See the future like it's written on the wall (written on the wall)
You're the only thing that's missing from it (missing from it)
Polyphia son una banda estadounidense de Texas que se ha convertido en referencia del "djent" instrumental y del rock progresivo moderno, mezclando técnica virtuosa con producción muy pulida y toques de trap y R&B. "Ego Death" es una de las canciones de su álbum Remember That You Will Die (2022) y cuenta con la colaboración de nada menos que Steve Vai, uno de los guitarristas más legendarios e influyentes de la historia.
El tema es un choque generacional de dos formas de entender la guitarra: el estilo más clásico y virtuoso de Vai frente al sonido futurista y digital de Tim Henson y Scott LePage. Según contó el propio Vai, tardó bastante en grabar su parte porque quería aportar algo especial y distinto a lo que suele hacer. Cuando escuchó el resultado final se sorprendió, ya que Polyphia había troceado y manipulado bastante su solo original, algo a lo que no estaba acostumbrado. El resultado gustó tanto que los lectores de Guitar World votaron el solo de Vai en esta canción como el mejor solo de guitarra de 2022.
Es una canción instrumental, así que no hay letra que compartir.
Instrumental. Sin voz, sin letra, solo guitarra que fluye como si nada más importara.
La compuso Mason Williams a mediados de los 60, cuando trabajaba como guionista en el show de los Smothers Brothers. En realidad la escribió como pieza de práctica para guitarra clásica, un simple ejercicio al que llamó Classical Gasoline. Un copista musical acortó el título al pasarlo a partitura y se quedó en Classical Gas.
La versión que todos conocemos, con orquesta y esos arreglos que se te meten en la cabeza, se la debe al productor Mike Post. La anécdota curiosa: la primera vez que Post escuchó la pieza le dijo a Williams que era "lo más sobrecargado de arreglos que había escuchado en su vida". Williams lo echó del estudio. Al día siguiente Post se disculpó y acabó componiendo el puente central del tema, el que le da ese giro tan reconocible.
Técnicamente es una pieza endiablada: cambia entre cuatro compases distintos (3/4, 4/4, 5/4 y 6/4) en apenas tres minutos, y se toca con uñeta de pulgar y dedos a la vez.
Se estrenó en el show de los Smothers Brothers acompañada de un vídeo con miles de imágenes de arte pasando a toda velocidad, titulado 3000 Years of Art, de ahí también parte de la explicación del nombre. Entró en el Hot 100 de Billboard en junio de 1968 y llegó al número 2, solo por detrás de "Hello, I Love You" de The Doors. Ganó dos Grammy.
Hay una versión posterior, de 1987, grabada junto a Mannheim Steamroller, con un aire más new age y orquestal, que también merece la pena.
Y otra muy distinta: la del trío California Guitar Trio, formado por tres guitarristas surgidos de los cursos de Robert Fripp, que la incluyeron en su álbum Pathways de 1998 y la convirtieron en un despliegue de virtuosismo a tres guitarras.
Hoy toca un clásico del rock de los 70: "Crazy on You", de Heart.
La canción abre el álbum debut de la banda, "Dreamboat Annie" (1975), y es una de las composiciones más icónicas de las hermanas Ann y Nancy Wilson. Nancy escribió esa introducción acústica, bautizada como "Silver Wheels", inspirándose en el tema "Question" de The Moody Blues. La grabó con una guitarra Guild Jumbo con la acción tan alta que, según ella misma, era "un infierno" tocarla, y usó una técnica híbrida (púa y dedos a la vez) que la convirtió en una de las intros más complicadas de reproducir del rock clásico.
La letra la escribió Ann mientras estaba enferma con fiebre, inspirada por el caos del mundo de la época (Guerra de Vietnam, crisis del petróleo) y por su relación con Michael Fisher, hermano del guitarrista de la banda, Roger Fisher. La idea era esa sensación de refugiarse en el amor mientras todo alrededor se desmorona.
El tema no fue un éxito arrollador en su momento (llegó al puesto 35 del Billboard Hot 100), pero con los años se convirtió en un himno y en una de las canciones más queridas del catálogo de Heart.
Vídeo (actuación en el programa holandés TopPop, mediados de los 70):
Letra:
If we still have time, we might still get by
Every time I think about it, I wanna cry
With bombs and the Devil, and the kids keep comin'
No way to breathe easy, no time to be young
But I tell myself that I was doin' all right
There's nothin' left to do at night
But go crazy on you
Crazy on you
Let me go crazy, crazy on you, oh
My love is the evenin' breeze touchin' your skin
The gentle, sweet singin' of leaves in the wind
The whisper that calls after you in the night
And kisses your ear in the early moonlight
And you don't need to wonder, you're doing fine
My love, the pleasure's mine
Let me go crazy on you
Crazy on you
Let me go crazy, crazy on you, oh
Wild man's world is cryin' in pain
What you gonna do when everybody's insane?
So afraid of one who's so afraid of you
What you gonna do?
Ooh, crazy on you
Crazy on you
Let me go crazy, crazy on you
I was a willow last night in a dream
I bent down over a clear running stream
Sang you the song that I heard up above
And you kept me alive with your sweet flowing love
Uno de los momentos más íntimos de Violator (1990), el álbum que catapultó a Depeche Mode al estrellato mundial. "Waiting for the Night" es el quinto corte del disco, escrito por Martin Gore, y contrasta con la energía de "Personal Jesus" o "Enjoy the Silence" con una atmósfera lenta, casi hipnótica.
La canción nace de la fascinación de Gore y el productor Flood por Tangerine Dream: quisieron crear una secuencia similar usando un ARP y su secuenciador. El resultado es un tema construido sobre capas de sintetizadores y una cantidad brutal de delays. De hecho, cuando en 2006 remasterizaron el álbum, el ingeniero Kevin Paul reconoció que fue de las canciones más complicadas de reconstruir: contaba con unos 15 delays distintos repartidos entre voces y batería.
Curiosamente, muchos fans la conocen erróneamente como "Waiting for the Night to Fall", pero ese nunca fue el título real. Gore explicó en una entrevista de 1990 que la letra habla de esperar la noche como una especie de "alto perfecto y natural", un refugio frente al día.
El videoclip oficial, dirigido por Anton Corbijn (colaborador habitual de la banda), acompaña esa quietud con imágenes en blanco y negro muy en la línea estética que Corbijn definió para Depeche Mode en esta época.
Versión destacada: la banda sueca Ghost (entonces Ghost B.C.) grabó una versión para la edición japonesa de su álbum If You Have Ghost (2013), con Papa Emeritus II al frente. Es una relectura oscura y teatral, muy fiel al espíritu original pero con ese aire satánico tan suyo.
Vídeo oficial:
Versión de Ghost:
Letra:
I'm waiting for the night to fall
I know that it will save us all
When everything's dark
Keeps us from the stark reality
I'm waiting for the night to fall
When everything is bearable
And there in the still
All that you feel is tranquillity
There is a star in the sky
Guiding my way with its light
And in the glow of the moon
Know my deliverance will come soon
I'm waiting for the night to fall
I know that it will save us all
When everything's dark
Keeps us from the stark reality
I'm waiting for the night to fall
When everything is bearable
And there in the still
All that you feel is tranquillity
And there is a sound in the calm
Someone is coming to harm
I press my hands to my ears
It's easier here just to forget fear
And when I squinted, the world seemed rose-tinted
And angels appeared to descend
To my surprise, with half-closed eyes
Things looked even better than when they were opened
Been waiting for the night to fall (night to fall)
I knew that it would save us all (save us all)
Now everything's dark
Keeps us from the stark reality
Been waiting for the night to fall (night to fall)
Ayer te vi es el nuevo tema de Fux Beat, un productor y DJ puertorriqueño de Aguadilla, nominado al Grammy y ganador del Latin Grammy, que se mueve entre el reggaetón, el house, el indie rock y el ska. Aquí se junta con dos voces muy potentes de la música afrolatina: Cimafunk, el artista cubano que fusiona funk con ritmos afrocubanos y que empezó estudiando medicina antes de dedicarse a la música, y Tostao, miembro del grupo colombiano ChocQuibTown, con quien Fux Beat ya había colaborado antes en el tema "No Me Dejó".
La canción es un lanzamiento muy reciente, del 30 de julio de 2026, bajo el sello Sony Music, y reúne en un mismo tema tres países distintos: Puerto Rico, Cuba y Colombia, todos con raíces en la música negra del Caribe y Latinoamérica.
Dan Byrne es un rockero británico que en 2026 lanzó su primer álbum, This Is Where the Show Begins, a través de Frontiers Music. "She's the Devil" es uno de los singles de adelanto, y el propio Byrne lo describe como el tema más desatado del disco: rock puro, con un toque blues-rock elevado al máximo y un puente que guiña el ojo a Whitesnake.
La canción habla de atracción y peligro: saber que alguien (o algo) es mala idea, y caer de todos modos. Byrne juega con la imagen del diablo tomando forma de mujer, de amante o incluso de una idea, algo que según él conecta con un hilo recurrente en el álbum: usar imaginería religiosa como herramienta literaria para explorar el conflicto humano y el deseo. El tema está producido de nuevo por David Radahd-Jones, colaborador habitual de Byrne, y él mismo ha dicho que es una de las pocas canciones del disco donde pudo soltarse del todo y mostrar el rango completo de su voz.
Letra:
You've got blood on your teeth
And I can not breathe no more
So show me how to rock
And I'll show you how to roll
Cause she's the devil, she's my disease
With her long blonde hair and her little red dress
She can bring me to my knees
A kiss of fire, her serpent teeth
She's Like a fine red wine but I wont give her no time to breathe
She can do what she wants, with her little red horns
And I'll never look back again, 'cause she's the devil
You ain't scared of no priest
But you sure ain't got no soul
And you've got your taste of me
Before you drag me down below
Cause She's the devil, she's hard to please
With her long blonde hair and her little red dress
She can bring me to my knees
A kiss of fire, her serpent teeth
She's Like a fine red wine but I wont give her no time to breathe
She can do what she wants, with her little red horns
And I'll never look back again, 'cause she's the devil
So come and tell me something, while you're on my mind
Oh, I know your trouble, but I can't tell why
You can drag me down, you can make me bleed
Oh, I like a warning, so come and dance with me
With her long blonde hair and her little red dress
She can bring me to my knees
A kiss of fire, her serpent teeth
She's Like a fine red wine but I wont give her no time to breathe
(No time to breathe)
A kiss of fire she's hard to please
But if we're going all night, then she can give a little time to me
"Nightcall" es probablemente el tema más conocido del synthwave moderno, y todo gracias a una película. Kavinsky (Vincent Belorgey) lo publicó como single en 2010, pero su fama internacional llegó en 2011 al abrir los créditos de Drive, la película de Nicolas Winding Refn con Ryan Gosling. Ese arranque nocturno con Los Ángeles iluminado bajo los sintetizadores marcó a toda una generación de aficionados a la estética ochentera.
La canción tardó unos cuatro años en gestarse y nació de una idea de Guy-Manuel de Homem-Christo, de Daft Punk, quien coprodujo el tema. Las voces las pone Lovefoxxx, cantante de la banda brasileña CSS. El propio Kavinsky explicó una vez que la letra habla de un hombre convertido en zombi que vuelve a casa de su ex para decirle que ya no es el mismo, aunque ella ha rehecho su vida y lo rechaza: "tiene remordimientos e intenta ser un buen hombre, pero no puede porque está muerto".
Curiosidad triste: Kavinsky falleció el pasado 28 de julio de 2026, a los 50 años, encontrado sin vida en su casa de París. Se investigan las causas, aunque algunos medios franceses apuntan a un posible ictus.
Vídeo:
Versión: en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de París 2024, "Nightcall" se interpretó en directo con Kavinsky, la banda Phoenix y la cantante belga Angèle asumiendo la voz principal. La actuación disparó las búsquedas del tema en Shazam hasta niveles récord.
Vídeo versión:
Letra:
I'm giving you a night call to tell you how I feel (we'll go all, all, all night long)
I wanna drive you through the night, down the hills (we'll go all, all, all night long)
I'm gonna tell you something you don't want to hear (we'll go all, all, all night long)
I'm gonna show you where it's dark, but have no fear (we'll go all, all, all night long)
There's something inside you
It's hard to explain
They're talking about you, boy
But you're still the same
There's something inside you
It's hard to explain
They're talking about you, boy
But you're still the same
I'm giving you a night call to tell you how I feel (we'll go all, all, all night long)
I wanna drive you through the night, down the hills (we'll go all, all, all night long)
I'm gonna tell you something you don't want to hear (we'll go all, all, all night long)
I'm gonna show you where it's dark, but have no fear (we'll go all, all, all night long)
Segunda entrega del debut de Kate Bush, "The Kick Inside" (1978), aunque en realidad la escribió con solo 13 años y la grabó a los 16. Ahí es nada. El single llegó al número 6 en el Reino Unido y se llevó el Ivor Novello Award a "Mejor Letra Británica" en 1979.
Lo curioso del tema es que todo el mundo se ha preguntado siempre quién es "el hombre con el niño en los ojos". Durante años se especuló que se refería a Steve Blacknell, su primer novio, que en 2010 llegó a poner a la venta las letras manuscritas originales asegurando que era él el protagonista. Sin embargo, la propia Kate lo desmintió en varias entrevistas explicando que la canción hablaba de los hombres en general: esa capacidad que tienen algunos de conservar dentro un niño, esa magia que muchas mujeres pierden al hacerse "demasiado responsables".
Se grabó en los AIR Studios de Londres en 1975 bajo la producción de David Gilmour (sí, el de Pink Floyd), que fue quien ayudó a costear la sesión. Bush ha reconocido que grabar con una orquesta completa a esa edad la aterrorizaba.
El videoclip es de una sencillez absoluta: ella sentada en el suelo, con las piernas cruzadas, cantando casi para sí misma. Según contó la propia Kate, fue idea de su hermano Jay, que la vio ensayando así y le dijo que lo dejara tal cual.
Tony Iommi, el guitarrista fundador de Black Sabbath, ha vuelto a la carga con su primer single en solitario en 21 años. "World Alone" es el adelanto de su nuevo álbum, "From The Dark", que saldrá el 23 de octubre vía BMG y será su tercer disco en solitario tras "Iommi" (2000) y "Fused" (2005).
En esta ocasión Iommi comparte protagonismo con el cantante noruego Jørn Lande (conocido por Masterplan, Avantasia y por sustituir a Ronnie James Dio en la gira de Heaven & Hell en 2010), que pone voz a las ocho canciones del disco y firma también parte de la composición. Completan la banda Becky Baldwin (Mercyful Fate) al bajo y Karl Brazil (Robbie Williams) a la batería.
La canción se presentó en un evento especial en Birmingham, la ciudad natal de Iommi, muy cerca del famoso puente dedicado a Black Sabbath. El videoclip, de ambientación distópica, sigue a un personaje llamado "The Believer" atrapado en un videojuego retrofuturista del que debe escapar para salvar su vida.
El single saldrá también en formato 7 pulgadas el 4 de septiembre, con una versión instrumental en la cara B.
Letra:
Hey, stranger, you run into the wall
Black shadow rises, looming over your life
But you hold on to save the light that shines your hall
Your prison cell, it's just a spell to make you fall
In the waters that you helm, the siren of the heart
Tyrants of the dawning can steal your sun
From the shatter of the quake, inner blackness you unfurl
To burn it with your fire, screaming, you restore your world alone
Above danger, losing ground as time reloads
Man and machine with the soul between, it flies with the heavy load
The liar will shout and drag you straight to hell
Wedlocked in a game that kills, fighting one-man wars
On the waters of your realm, dancing serpents in the dark
Diving without warning, aiming for the heart
As you're laying out your bait, you pull the trigger as they swirl
You know you never needed no one to face the world alone
Devil spawn to your deathblow
Evil will burn
In the waters of your well, life is on the rise
Children to the morning where no one feels
Running wired from the wait, revolution giving birth
They never needed anyone to change the world alone
Permyon es una banda de metal progresivo de Barcelona formada en 2025, aunque sus integrantes vienen de un proyecto anterior llamado Fiction Kills. El quinteto está formado por Sergi Molina (voz), Lean Martín (bajo), Jonathan Sainzman (teclados), Tzak Taylor (guitarras) y Rubén Sánchez (batería).
"Black Ocean" es el quinto corte de su álbum debut homónimo, "Permyon", publicado el 7 de enero de 2026. Curiosamente, el disco llegó siete años después de que la banda publicara su primera demo en 2018, así que este debut es el resultado de una gestación bastante larga.
A diferencia de otros temas del disco, más cercanos al metal progresivo puro, "Black Ocean" se decanta por un lado más de rock progresivo, con texturas sinfónicas y dinámicas más suaves. La canción cuenta además con la colaboración de Laia Esquinas en coros. La segunda mitad del tema destaca especialmente por sus solos de guitarra técnicos y sus arreglos elaborados.
"Bigmouth Strikes Again" abre "The Queen Is Dead" (1986), el disco que muchos consideran la cima de The Smiths. Morrissey escribió la letra como una especie de autoparodia: se compara con Juana de Arco, arrepintiéndose de su propia lengua afilada después de haber hecho daño con sus palabras. Él mismo reconoció después que la canción nació de sentirse culpable tras una entrevista en la que se pasó de la raya criticando a otro artista.
Musicalmente destaca el trabajo de Johnny Marr, que grabó varias capas de guitarra entrelazadas, y los coros agudos que suenan casi como un eco fantasmal: son de Ann Coates, acelerados electrónicamente para que parecieran casi inhumanos, un efecto muy comentado en su momento.
La canción no tuvo un videoclip narrativo clásico (algo habitual en la banda, que apenas hizo vídeos convencionales).
Letra:
Sweetness
Sweetness, I was only joking when I said
I'd like to smash every tooth in your head
Oh sweetness
Sweetness, I was only joking when I said
By rights you should be bludgeoned in your bed
And now I know how Joan of Arc felt
Now I know how Joan of Arc felt
As the flames rose to her Roman nose
And her Walkman started to melt
Bigmouth
Bigmouth
Bigmouth strikes again
And I've got no right to take my place with the human race
Bigmouth
Bigmouth
Bigmouth strikes again
And I've got no right to take my place with the human race
And now I know how Joan of Arc felt
Now I know how Joan of Arc felt
As the flames rose to her Roman nose
And her hearing aid started to melt
Bigmouth
Bigmouth
Bigmouth strikes again
And I've got no right to take my place with the human race
Bigmouth
Bigmouth
Bigmouth strikes again
And I've got no right to take my place with the human race
Bigmouth
Bigmouth
Bigmouth strikes again
And I've got no right to take my place with the human race
Bigmouth
Bigmouth
Bigmouth strikes again
And I've got no right to take my place with the human race
Hoy toca una pieza de música de cine, no una canción al uso. Pertenece a la banda sonora de The Professor and the Madman (2019), el drama histórico con Mel Gibson y Sean Penn sobre la creación del Oxford English Dictionary, con música de Bear McCreary.
La historia detrás de esta pieza es curiosa: McCreary no la compuso originalmente para el cine. En 2015 se topó con el poema "Song" de la poeta victoriana Christina Rossetti, que empieza con el verso "When I am dead, my dearest", y quedó tan fascinado que decidió ponerle música por puro placer personal, sin ningún encargo detrás. La grabó con la mezzosoprano Melanie Henley Heyn, con quien había trabajado desde sus años de universidad, junto al Calder Quartet y un viola da gamba a cargo de Malachai Bandy.
Años después, al componer la banda sonora de The Professor and the Madman (ambientada en la Inglaterra del siglo XIX), se dio cuenta de que aquella pieza "de cajón" encajaba perfectamente con el tono de la película, así que la reinterpretó y adaptó como Film Version para una escena dramática concreta. De hecho, el disco incluye las dos versiones: esta Film Version (6:44) y la pieza de concierto original de 2015 (5:22).
Vídeo (Film Version):
Versión de concierto original (2015), con Melanie Henley Heyn:
Letra (poema original de Christina Rossetti, "Song"):
Flamingods son un cuarteto psicodélico de Londres liderado por Kamal Rasool, conocidos por mezclar sonidos de Oriente Medio, Asia del Sur, África Occidental y pop británico. "Dreams (On The Strip)" fue su regreso en 2023, el primer tema nuevo tras el álbum "Levitation" de 2019.
Lo grabaron en Atlanta con el productor Ben H. Allen (que ha trabajado con Animal Collective, Deerhunter o M.I.A), y el estribillo cuenta con las voces de Poppy Hankin (de Girl Ray) y su pareja Joanie Eaton. Según el cantante Kamal Rasool, el poder de los sueños le tuvo enganchado tras perder a su padre por covid, empezando a tener sueños lúcidos con él en escenarios surrealistas que sentía a la vez poéticos y sin sentido, como si su padre intentara darle un consejo o simplemente estar más cerca de él.
El videoclip, rodado entre Londres y Los Ángeles, está lleno de simbolismo: la imagen de las granadas hace referencia al nombre del pueblo de Baréin donde nació su padre, Ras Rumman (رأس الرمان), donde antiguamente se cultivaban granadas.
VMBRA es una banda de metal progresivo de Manchester, formada en 2022 por Jack Hogg y Ai Sanchez, que ya se conocían de su etapa universitaria en un proyecto de alt-rock anterior. "Wyrm" es el segundo tema de su álbum debut, "POLYLITH", publicado en 2026.
La banda se define por una mezcla de coros potentes, armonías vocales muy trabajadas y cambios de dinámica constantes, con influencias que van de Porcupine Tree y Haken a Leprous. Una curiosidad: ganaron el concurso Metal 2 The Masses en Manchester tras haberlo intentado sin éxito años antes, lo que les abrió las puertas del festival Bloodstock.
Publicada en enero de 1967 y editada como single, "Happy Together" es la canción más famosa de The Turtles y el único número 1 que consiguieron en el Billboard Hot 100, puesto al que llegó desbancando nada menos que a "Penny Lane" de The Beatles.
La compusieron Garry Bonner y Alan Gordon, entonces miembros de otro grupo, The Magicians. Lo curioso es que antes de llegar a The Turtles, la canción fue rechazada por una docena de artistas: nadie quería grabarla porque sonaba demasiado como una parodia. The Turtles la aceptaron precisamente porque buscaban cambiar su imagen de banda "seria" tras un par de discos de versiones de Dylan. El demo que circulaba estaba tan desgastado de tanto pasar de mano en mano que apenas se oía bien.
El arreglo final, con esa sección de metales y el toque de mellotrón, corrió a cargo de Chip Douglas, el bajista recién llegado al grupo. El resultado fue un himno instantáneo del pop de los 60 que con el tiempo se ha colado en infinidad de películas, series (Los Simpson, That '70s Show, ER...) y anuncios, y que ha sido versionado por artistas como Frank Zappa, Petula Clark o Weezer.
Letra:
Imagine me and you, I do
I think about you day and night, it's only right
To think about the girl you love and hold her tight
Aviso: esta canción cuenta con la colaboración de Imael Angel, un artista generado con inteligencia artificial creado por un productor de deep house húngaro. No es una persona real, sino una voz/proyecto virtual. HUGEL y Ultra Naté sí son artistas reales. En los créditos de composición figuran HUGEL, Loris Cimino, Maximilian Riehl e Imael Angel, así que la IA participa aquí como "autor" acreditado, no solo como intérprete.
"Movin' to the Sun" es el nuevo single de HUGEL, productor francés de house y tech house, junto a Ultra Naté, veterana cantante de Baltimore. El tema forma parte del álbum Twenty One y su título dio nombre a la gira del verano de 2026 organizada como parte de la campaña promocional del disco.
La canción supuso un punto de inflexión en la carrera de Hugel, alejándose de las estructuras tradicionales de la música electrónica de baile hacia un sonido más orgánico y atmosférico. Es un tema house con influencias de tech house y marca la segunda colaboración entre Hugel y Naté, ya que el francés había remezclado antes el tema de Naté de 1997 "Free".
La producción se ha descrito como atrevida y experimental para Hugel, con una estética minimalista y voces sincopadas que se apartan de las estructuras habituales de canción.
El tema se lanzó el 22 de mayo de 2026 bajo el sello Make The Girls Dance Records y ya acumula varios remixes de DJs (Alexis Dante & PAGA, Chris Bessy, DJ Kantik...).
Aunque suene a himno genuinamente Rainbow, la canción no nació con ellos. La escribió Russ Ballard, exmiembro de Argent, y la grabó por primera vez él mismo en su álbum de 1976 "Winning". Antes de que Rainbow la tocara ya habían existido otras versiones, incluida la de la banda estadounidense Head East en 1978.
La versión definitiva llegó en 1979, en el álbum "Down To Earth", con Graham Bonnet en la voz y Ritchie Blackmore a la guitarra, producida por Roger Glover, de Deep Purple. Fue el primer single del disco y se convirtió en uno de los temas más populares de Rainbow, llegando al número 6 en el Reino Unido.
Una curiosidad: el original de Ballard era más suave; Blackmore trasladó el riff de teclado a la guitarra, y Bonnet cambió la línea de armonía "Do do do do" por un contundente "Woah", dándole ese carácter rockero que todos recordamos.
Dato curioso: Bonnet solo cantó en un único álbum de Rainbow, precisamente Down To Earth, antes de dejar paso a Joe Lynn Turner.
Y otra anécdota más reciente: el tema apareció en la banda sonora de Guardians of the Galaxy Vol. 3, presentándose a toda una nueva generación de oyentes.
Vídeo (videoclip original, 1979):
Versión original de Russ Ballard (1976):
Otra versión destacada: en 2024, el propio Graham Bonnet revisitó el tema junto al guitarrista Marty Friedman, dándole un aire renovado 45 años después.
Letra:
I get the same old dreams same time every night
Fall to the ground and I wake up
So I get out of bed, put on my shoes and in my head
Thoughts fly back to the breakup
These four wall are closing in
Look at the fix you put me in
Since you been gone
Since you been gone
I'm out of my head can't take it
Could I be wrong
But since you been gone
You cast your spell so break it
Oh oh, oh oh, oh oh
Since you been gone
So in the night I stand beneath the backstreet light
El grupo británico de rock progresivo Asia vuelve con "The Traveller (Into The Light)", el primer adelanto de su nuevo álbum "Indigo", que se publica el 6 de noviembre de 2026. Es su primer disco de estudio en 12 años, desde "Gravitas" (2014).
Esta nueva etapa está liderada por el teclista y cofundador Geoff Downes, junto a John Mitchell (guitarra, también en It Bites y Lonely Robot), Virgil Donati (batería, Planet X) y Harry Whitley, el nuevo vocalista y bajista cuyo timbre de voz recuerda mucho al del añorado John Wetton, fallecido en 2017.
Curiosidad: "Indigo" incluye dos composiciones inéditas escritas por el propio Wetton ("Tattoo Indigo, Parts 2 & 3" y "Chesapeake Bay") y cuenta con colaboraciones de lujo, como el histórico guitarrista Steve Howe (Yes) y el baterista Mike Portnoy (Dream Theater). Downes ha explicado que "The Traveller" es una canción optimista, sobre mirar hacia el futuro y "viajar hacia la luz".
