Cassandra Wilson / Neil Young - Harvest Moon

Cassandra Wilson falleció el pasado 2 de septiembre en Jackson, Mississippi, a los 70 años. Su manager confirmó que se fue en paz, rodeada de familia y amigos cercanos. Dos veces ganadora de un Grammy y nombrada NEA Jazz Master en 2022, fue una de las voces más singulares y personales del jazz de las últimas décadas.

Wilson tenía una habilidad única para apropiarse de canciones ajenas y convertirlas en algo completamente suyo. Buena muestra de ello es la versión de "Harvest Moon" que incluyó en 1995 en su álbum New Moon Daughter, uno de los discos que la consagraron tras su etapa como cofundadora del colectivo M-Base junto a Steve Coleman y su posterior giro hacia un sonido más acústico con Blue Note Records.

El original es de Neil Young, publicado en 1992 como tema principal del álbum homónimo, escrito como declaración de amor a su entonces esposa Pegi, con Linda Ronstadt en los coros. Wilson hace justo lo contrario que Young: despoja la canción de su tono luminoso y festivo y la convierte en algo lento, oscuro y casi susurrado, con guitarra acústica, resonador y percusión envolviendo esa voz grave y ahumada que la hizo inconfundible.

La letra habla de un amor duradero: el narrador le pide a su pareja que baile con él bajo la luna de la cosecha, como celebración de los años compartidos y de un cariño que sigue vivo pese al paso del tiempo. En la voz de Wilson, esa celebración suena casi a despedida, a algo frágil que se aferra al presente. Escuchada hoy, con esta noticia tan reciente, resulta inevitable sentir esa capa extra de melancolía.

Vídeo (versión de Cassandra Wilson): 

Como siempre, merece la pena volver también al original de Neil Young, mucho más cálido y acústico: 

Letra: 

Come a little bit closer

Hear what I have to say

Just like children sleeping

We could dream this night away

But there's a full moon rising

Let's go dancing in the light

We know where the music's playing

Let's go out and feel the night

Because I'm still in love with you

I want to see you dance again

Because I'm still in love with you

On this harvest moon

When we were strangers

I watched you from afar

When we were lovers

I loved you with all my heart

But now it's getting late

And the moon is climbing high

I want to celebrate

See it shining in your eye

Because I'm still in love with you

I want to see you dance again

Because I'm still in love with you

On this harvest moon

Because I'm still in love with you

I want to see you dance again

Because I'm still in love with you

On this harvest moon

Juan Arenosa - Cordelia

Juan Arenosa es un joven pianista y compositor nacido en Santander hace apenas 20 años. Empezó a estudiar piano clásico con su madre y su abuela con solo 5 años, y compuso su primera pieza a los 8. Tras formarse en el conservatorio, en 2021 comenzó a subir vídeos de piano a TikTok, donde hoy suma más de 1,3 millones de seguidores, lo que lo ha convertido en uno de los pianistas jóvenes más populares de las redes.

Cordelia es una de sus composiciones para piano, publicada en 2024 dentro del single del mismo nombre. Se enmarca en un estilo neoclásico y cinematográfico, con melodías líricas que recuerdan al piano contemporáneo de artistas como Ludovico Einaudi. El título hace referencia a Cordelia, la hija menor y más leal del rey en la tragedia El rey Lear de Shakespeare, un nombre que Arenosa suele usar para sus piezas de inspiración literaria (también tiene composiciones llamadas Ofelia o Lancelot).

Al ser una pieza instrumental, no tiene letra, así que la "historia" que cuenta queda abierta a la interpretación de quien la escuche.

Vídeo oficial: 

También existe una versión en cover de piano bastante bonita, interpretada por otro pianista, que podéis escuchar aquí: 

House of Protection - Pulling Teeth

House of Protection es un dúo de Los Ángeles formado en 2024 por Stephen Harrison (exguitarrista de The Chariot) y Aric Improta (batería de Night Verses), que se conocieron siendo compañeros en Fever 333. Tras dejar esa banda juntos en 2022, decidieron reinventarse fichando por Red Bull Records y, por primera vez en sus carreras, asumiendo el papel de vocalistas. El nombre del proyecto está inspirado en "Protection", canción de Massive Attack, uno de los grupos que Aric estaba escuchando (y leyendo su biografía) cuando arrancaron esta aventura.

"Pulling Teeth" forma parte de su EP debut, GALORE (2024), producido con la colaboración de Jordan Fish (Bring Me The Horizon). El tema mezcla hardcore, punk y electrónica, con esos estribillos coreables tan característicos del dúo, que suenan enormes en directo pese a ser solo dos personas sobre el escenario.

En cuanto a la letra, "Pulling Teeth" (literalmente "sacar muelas", una expresión que en inglés se usa para algo extremadamente doloroso o tedioso) habla sobre la mentira y la dificultad de enfrentarse a las propias verdades. El narrador describe un patrón de autoengaño y culpar a los demás, mientras reconoce que intentar arrancar esas mentiras de raíz —como quien se saca los dientes— no borra el daño ya hecho. La frase "damages have gone beyond all correction" resume la idea central: hay heridas que ya no tienen solución, por mucho que uno intente arreglarlas a la fuerza. Incluso el propio nombre de la banda, House of Protection, se usa de forma irónica en la letra: ni ese refugio puede protegerte de las consecuencias de tus propios actos.

Letra: 

Scream a lie loud enough

And someone will believe

It may seem fairly obvious

But I don't think you'd agree

Please refrain from thinking

It's what got us in this deep

Yea there a pattern from the past

But it lives and dies with me

Spinning all your rounds till you slip off track

Blaming someone else as you build you stack

Running the parade to the ground and back

Just to campaign that you feel attacked

Dream a lie long enough

And everyone will see

The absence of conviction

Starts to rot out all your teeth

Shame there's not a muzzle

Built to filter out deceit

Let's fix that pattern from the past

As it lives and dies with me

Into The Static

Fade Away

Fade Away

Into The Static

Into The Static

Fade Away

Fade Away

Into The Static

Pulling teeth to cure the pain

At a pace I can't sustain

Losing sleep, out of frame

Stuck beneath the waves again again again again

Venom brings a scar

You can't heal fast

Pulling all your teeth

Won't change your past

Venom brings a scar

You can't heal fast

Pulling all your teeth

Won't change your past

Damages have gone beyond

All correction

Nothing you can do

To hide your connection

Damages have gone

Beyond all correction

Nothing you can fix in the

House of Protection

Pulling teeth to cure the pain

At a pace I can't sustain

Losing sleep, out of frame

Stuck beneath the waves again again again again again again again

Into The Static

Fade Away

Fade Away

Into The Static

Into The Static

Fade Away

Fade Away

Into The Static

Into The Static

Fade Away

Fade Away

Fade Away

Into The Static

Fade Away

Fade Away

Fade Away

Lady Gaga - Abracadabra

"Abracadabra" es el segundo single de "Mayhem" (2025), séptimo álbum de estudio de Lady Gaga. La presentó por sorpresa en los Premios Grammy 2025, el 2 de febrero, con un videoclip que se estrenó apenas unos minutos después en YouTube. El disco llegó completo el 7 de marzo.

La canción está escrita y producida por Gaga junto a Andrew Watt y Cirkut, aunque figuran también como compositores los miembros de Siouxsie and the Banshees, ya que el tema incorpora elementos de su single de 1981 "Spellbound". Musicalmente mezcla dance-pop, electropop, synth-pop y acid techno, con guiños muy claros al sonido de "Born This Way" o "The Fame Monster".

El videoclip, dirigido por la propia Gaga junto a Parris Goebel y Bethany Vargas, muestra una coreografía muy elaborada con 40 bailarines, representando una batalla de baile entre dos versiones de ella misma: una luminosa y otra oscura, encarnada en "la dama de rojo".

Sobre el significado, Gaga explicó en una entrevista con Elle que la canción habla de resiliencia y de enfrentar los propios miedos y dudas. La "dama de rojo" simboliza ese monólogo interno que nos pone a prueba constantemente ("¿puedes hacerlo?, ¿eres lo suficientemente bueno?"). A diferencia de "Disease", su single anterior, centrado en la tortura interior, "Abracadabra" quiere hablar de superación: no solo sobrevivir, sino prosperar. El propio título juega con el doble sentido del hechizo mágico y con el juego de palabras "abracadabra" / "amor" / "morta" (muerte), planteando esa dicotomía entre el amor y la muerte que recorre la letra.

Letra:

Abra-ca-dabra

Abracadabra

Abra-ca-dabra

Abracadabra

Pay the toll to the angels

Drawing circles in the clouds

Keep your mind on the distance

When the devil turns around

Hold me in your heart tonight

In the magic of the dark moonlight

Save me from this empty fight

In the game of life

Like a poem said by a lady in red

You hear the last few words of your life

With a haunting dance, now you're both in a trance

It's time to cast your spell on the night

Abracadabra

Amor oo na na

Abra ca da bra

Morta oo gaga

Abracadabra

Abra oo na na

In her tongue she said

Death or love tonight

Abra-ca-dabra

Abracadabra

Abra-ca-dabra

Abracadabra

Feel the beat under your feet

The floor's on fire

Abra-ca-dabra

Abracadabra

Choose the road

On the west side

As the dust flies

Watch it burn

Don't waste time on a feeling

Use your passion

No return

Hold me in your heart tonight

In the magic of the dark moonlight

Save me from this empty fight

In the game of life

Like a poem said by a lady in red

You hear the last few words of your life

With a haunting dance, now you're both in a trance

It's time to cast your spell on the night

Abracadabra

Amor oo na na

Abra ca da bra

Morta oo gaga

Abracadabra

Abra oo na na

In her tongue she said

Death or love tonight

Abra-ca-dabra

Abracadabra

Abra-ca-dabra

Abracadabra

Feel the beat under your feet

The floor's on fire

Abra-ca-dabra

Abracadabra

Phantom of the dance floor

Come to me

Sing for me a sinful melody

Ah ah ah ah ah

Ah ah ah ah

Abracadabra

Amor oo na na

Abra ca da bra

Morta oo gaga

Abracadabra

Abra oo na na

In her tongue she said

Death or love tonight

Grandad - Elephant

Grandad es una banda holandesa de rock de vanguardia (avant-garde rock) de la zona de Arnhem/Nijmegen. El grupo lo forman Silver Lovely, Julian Noomen, Jop Fränzel y Flor Peters. Empezaron a tocar juntos en 2019, aunque bajo otro nombre y con otra formación; en 2024 se incorporaron Fränzel a la guitarra y Peters al saxofón, lo que terminó de definir su sonido actual: una mezcla caótica de grunge, punk y toques de jazz, con el saxofón colándose constantemente entre las distorsiones.

En 2025 ganaron el premio De Roos van Nijmegen tras un concierto con entradas agotadas en la sala Doornroosje, y han pasado por festivales como Code Oranje, Valkhof Festival o Kabaal am Gemaal. Su EP debut, Porcelain, salió ese mismo año y más tarde se editó en vinilo junto al sello Waaghals.

Elephant es uno de sus sencillos, publicado a comienzos de 2026, dentro de una etapa muy prolífica que incluye también temas como Chemicals o Dirty Hands, y el EP Canine. Ellos mismos se describen medio en broma como "una psicosis de sonido capaz de tumbar a tu abuelo", lo que resume bien esa mezcla de orden y caos que buscan en sus canciones.

No he encontrado información publicada sobre el significado concreto de la letra de Elephant, así que si os interesa profundizar, lo mejor es escucharla y sacar vuestras propias conclusiones.

Pat Benatar - Heartbreaker

"Heartbreaker" apareció en 1979 dentro del álbum debut de Pat Benatar, *In the Heat of the Night*. Fue el tercer single del disco y el que finalmente le dio el empujón: llegó al puesto 23 en Billboard tras convertirse en un "sleeper hit" gracias al apoyo de las radios de rock.

Curiosidad: la canción no nació pensada para ella. La escribieron los británicos Geoff Gill y Cliff Wade, y la grabó por primera vez la cantante inglesa Jenny Darren en 1978, en una versión bastante más lenta. Cuando llegó a manos de Benatar, la letra original estaba llena de expresiones británicas ("A to Zed", "moonraker"...) que no tenían ningún sentido para el público estadounidense, así que fue la propia Pat quien reescribió buena parte del texto para adaptarlo.

En esta grabación debutaba también Neil "Spyder" Giraldo a la guitarra, quien se convertiría en su compañero musical (y después marido) de toda la vida. El productor Mike Chapman no tenía previsto encargarse de este tema, pero acabó siendo clave en el resultado final.

En cuanto al significado, la letra habla de un amante peligroso e irresistible, alguien de quien la protagonista no puede escapar aunque sepa que le hará daño: el amor como una fuerza que arrastra, tan intensa como destructiva. Encaja con esa imagen de mujer fuerte y desafiante que Benatar fue construyendo en el rock, un terreno entonces dominado por hombres.

Vídeo: 

Como curiosidad extra, en 2023 Dolly Parton grabó su propia versión del tema junto a la propia Pat Benatar y Neil Giraldo para su álbum *Rockstar*: 

Letra: 

Your love is like a tidal wave, spinning over my head

Drownin' me in your promises, better left unsaid

You're the right kind of sinner to release my inner fantasy

The invincible winner and you know that you were born to be

You're a heartbreaker, dream maker, love taker

Don't you mess around with me

You're a heartbreaker, dream maker, love taker

Don't you mess around, no, no, no

Your love has set my soul on fire, burnin' out of control

You taught me the ways of desire, now it's takin' its toll

You're the right kind of sinner to release my inner fantasy

The invincible winner and you know that you were born to be

You're a heartbreaker, dream maker, love taker

Don't you mess around with me

You're a heartbreaker, dream maker, love taker

Don't you mess around, no, no, no

You're the right kind of sinner to release my inner fantasy

The invincible winner and you know that you were born to be

You're a heartbreaker, dream maker, love taker

Don't you mess around with me

You're a heartbreaker, dream maker, love taker

Don't you mess around with me

You're a heartbreaker, dream maker, love taker

Don't you mess around with me

You're a heartbreaker, dream maker, love taker

Heartbreaker

Clutch - The Drifter Returns

Clutch acaban de sacar single nuevo, y es una noticia importante para los que seguimos a esta banda de Maryland desde hace años. "The Drifter Returns" es el primer adelanto de lo que será su decimocuarto álbum de estudio, el sucesor de Sunrise on Slaughter Beach (2022). La canción llegó acompañada de un lyric video oficial, no hay de momento videoclip como tal.

Clutch llevan más de tres décadas en esto. Neil Fallon (voz), Tim Sult (guitarra), Dan Maines (bajo) y Jean-Paul Gaster (batería) se conocieron en el instituto Seneca Valley, en Germantown, Maryland, y salieron de la misma escena hardcore que dio a bandas como Bad Brains o Minor Threat. Con los años derivaron hacia un stoner/hard rock con mucho groove, siempre con las letras excéntricas y verborreicas de Fallon como sello de la casa. Ya habían tocado el tema en directo antes de publicarlo en estudio.

Sobre la letra: la canción arranca con una referencia directa a las Georgia Guidestones, ese monumento de piedra en Georgia (Estados Unidos) rodeado de teorías de la conspiración desde los años 80, que fue volado con una bomba en 2022. A partir de ahí, el protagonista de la canción, "el drifter" (una especie de vagabundo errante que ya había aparecido en canciones anteriores de la banda), narra sentirse perdido tras esa destrucción, e incluye una confesión religiosa que sale mal y termina, según la letra, mandándolo derecho al infierno. Todo con la flow rápido y torrencial de Fallon, típico de él, encima de riffs enérgicos.

Letra: 

Those Georgia guidestones, yeah

They done blowed up

Now I'm never getting home

Where am I supposed to go?

They're in a landfill

I got to dig 'em out

Caterpillar, front end loader

Undercover, dig 'em on out

Solar maximum discharge, man

Don't come near me

One thing you must understand

It's natural, it comes easily

Ontological shock treatment, step on up

No guarantees for tomorrow

Today is all we've got

I speak the truth, why would I lie?

Would I lie?

Why would I lie?

Last time I went to confession

It didn't end well

Walked out the box

Then straight to hell

Have mercy can this boy be saved?

Can the boy be saved?

Please have mercy can this boy be saved?

Can the boy be saved?

Solar maximum discharge, man

Don't come near me

One thing you must understand

It's natural, it comes easily

Ontological shock treatment, step on up

No guarantees for tomorrow

Today is all we've got

I speak the truth, why would I lie?

Would I lie?

Why would I lie?

Today is all we've got

I speak the truth, why would I lie?

Would I lie?

Why would I lie?

No fixed address

No read I.D.

Kindhearted ladies kindly take good care of me

Tell a pitiful story

Try not to curse

And if you love what you do, then you'll never have to work

Yeah, let the boy run free

Let the boy run free

Come on now, yeah

Let the boy run free

Let the boy run free

Ontological shock treatment, step on up

No guarantees for tomorrow

Today is all we've got

I speak the truth, why would I lie?

Would I lie?

Why would I lie?

Today is all we've got

I speak the truth, why would I lie?

Would I lie?

Why would I lie?

Supertramp - Lady

"Lady" es el sexto tema de "Crisis? What Crisis?" (1975), el cuarto álbum de Supertramp, publicado apenas un año después del exitoso "Crime of the Century". El disco se grabó deprisa, presionados por la discográfica, y varias canciones eran sobras de sesiones anteriores. "Lady" salió como primer sencillo del álbum en noviembre de 1975, pero pasó sin pena ni gloria por las listas.

La canción está cantada por Roger Hodgson y firmada, como casi todo el repertorio de la banda en esta época, por Hodgson y Rick Davies conjuntamente, aunque la autoría musical suele atribuirse a Hodgson. Curiosamente, cuando la banda editó su álbum en directo "Paris" (1980), "Lady" quedó fuera del repertorio, sustituida por la cara B de aquel single, "You Started Laughing When I Held You in My Arms".

En cuanto a la letra, es una canción de amor con tono de despedida o de duda: el narrador le habla a una mujer que "viene cruzando el agua" y parece estar a punto de marcharse o de tomar una decisión importante sobre su relación. Él le pide que no se precipite, que espere un poco, mientras le confiesa que la necesita y que está dispuesto a que lo tome "tal como es". Es una mezcla de súplica y resignación, con esa sensación típica de Hodgson de vulnerabilidad emocional envuelta en una melodía pegadiza.

Letra: 

Lady

You're comin' 'cross the water

Well, don't you think you oughta

Be waiting a while

Are you acting

On what your heart has told you?

Is nothing gonna hold you

From flying away? Ah ha

Flying away, ah ha

Flying away

'Cause there's nowhere to go

Though the road is out stretching before you

And the farther you go

I said ain't nothin' gonna get you to heaven

I said ain't nothin' gonna get you to heaven

And you know just who you are

And you know that there's somethin' between us

And you like what you feel

But I can tell that you're not gonna turn back

Well, I can tell that you're not gonna turn back

And don't you know I'm a little bit sad

Oh no

Ooh la la la la

Ooh la la la la

Ooh la la la la

Ooh la la la la

Aah, aah, aah

Mister, you better get a move on

You better get a fix on

You better walk straight

I said, Lady

Oh take me if you want me

Won't you take me as you find me

Oh, I'm needing your love so bad

I'm needing your love so bad

I'm needing your love

And there's nowhere to go

Though the road is out stretching before you

And the farther you go

I said ain't nothin' gonna get you to heaven

I said ain't nothin' gonna get you to heaven

And you know just who you are

And you know that there's somethin' between us

And you like what you feel

But I can tell that you're not gonna turn back

Well, I can tell that you're not gonna turn back

And don't you know I'm a little bit sad

Just a little bit sad

Just a little bit sad

Just a little bit sad

Just a little bit

Just a little bit

Ooh la la la la

Ooh la la la la

Ooh la la la la

Ooh la la la la

Aah, aah, aah

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

She's turnin' about

You're takin' the long way

IDIOTAPE - Melodie

Idiotape es un trío electrónico surcoreano formado en Seúl en 2008, compuesto por Dguru y Zeze (sintetizadores) y DR (batería). Su propuesta mezcla música electrónica con la energía del rock: sintetizadores analógicos sobre una batería tocada en directo, algo poco habitual en el género que les ha dado un sonido muy reconocible.

"Melodie" pertenece a "11111101", su álbum de debut publicado el 11 de noviembre de 2011 (de ahí el título del disco, once unos y ceros). El álbum ganó el premio al Mejor Álbum de Dance y Electrónica en los Korean Music Awards de 2012 y está considerado uno de los discos clave de la escena electrónica coreana.

El tema es instrumental, así que no hay letra que analizar: todo el peso recae en la construcción de capas de sintetizador y en una batería muy física que le da un pulso casi de banda de rock más que de música hecha con máquinas.

Vídeo (audio oficial): 

También existe una versión en directo grabada para la serie "Office Live" que merece la pena ver, porque se aprecia bien cómo trabajan en vivo con su montaje de sintetizadores: 

DEVO / A Perfect Circle / Fu Manchu - Freedom of choice

Devo la escribieron Mark Mothersbaugh y Gerald Casale y es el tema que da título a su álbum de 1980, Freedom of Choice, el que contiene también su gran éxito, Whip It. La idea de la canción nació, según contó Casale, al ver un anuncio de Carl's Jr. que presumía de "libertad de elección" mostrando cuatro hamburguesas prácticamente idénticas.

El grupo, formado en Kent (Ohio) y ligado al concepto de "de-evolución" (de ahí su nombre), venía de una estética punk/new wave con trajes futuristas y sombreros rojos escalonados, y aquí lo llevan a un sonido más synth-pop sin perder su ironía habitual.

Sobre el significado: la letra habla de cómo la gente tira por la borda su libertad de elección para quedarse con opciones vacías (Pepsi o Coca-Cola, zapatos de un color u otro), puro consumismo sin sentido. Casale lo resumía así: "la gente prefiere que le digan qué hacer antes que ser libre". El estribillo remata la idea con un giro sarcástico: "la libertad de elección es lo que tienes, la libertad de la elección es lo que quieres". La parte del perro con dos huesos que "da vueltas hasta caer muerto" es una referencia a la paradoja del asno de Buridán (aquí con un perro), sobre alguien incapaz de decidir entre dos opciones iguales.

Vídeo (oficial): 

Versiones destacadas:

A Perfect Circle la versionaron en 2004 en eMOTIVe, un disco formado casi por completo por versiones de temas antibelicistas, publicado a propósito para coincidir con las elecciones presidenciales de EEUU de ese año. Su versión es mucho más pesada y densa que el original.

Fu Manchu, banda de stoner rock, la incluyeron en su disco King of the Road (2000), convirtiéndola en un tema mucho más rocoso y "fuzz", muy alejado del synth-pop original.

Letra: 

A victim of collision on the open sea

Nobody ever said that life was free

Sank, swam, go down with the ship

But use your freedom of choice

I'll say it again in the land of the free

Use your freedom of choice

Your freedom of choice

In ancient Rome

There was a poem

About a dog

Who found two bones

He picked at one

He licked the other

He went in circles

He dropped dead

Freedom of choice

Is what you got

Freedom of choice!

Is what you want!

Then if you got it you don't want it

Seems to be the rule of thumb

Don't be tricked by what you see

You got two ways to go

I'll say it again in the land of the free

Use your freedom of choice

Freedom of choice

Freedom of choice

Is what you got

Freedom of choice!

In ancient Rome

There was a poem

About a dog

Who found two bones

He picked at one

He licked the other

He went in circles

He dropped dead

Freedom of choice

Is what you got

Freedom from choice

Is what you want

[repeat]

Dolly Parton - 9 to 5

Dolly Parton escribió esta canción en 1980 para la película "9 to 5" (Cómo eliminar a su jefe), en la que también actuaba junto a Jane Fonda y Lily Tomlin. Mientras rodaba la película, Parton descubrió que podía usar sus largas uñas postizas para imitar el sonido de una máquina de escribir, y así compuso el ritmo de la canción directamente en el set, chasqueando las uñas entre sí.

El tema fue todo un éxito: llegó al número uno de las listas Billboard Hot 100 y también de country durante dos semanas, y fue disco de platino. Además recibió una nominación a los Grammy por la banda sonora, y en 2004 quedó en el puesto 78 de la lista de las 100 mejores canciones del cine según el American Film Institute. Con el tiempo se convirtió en una especie de himno para los trabajadores de oficina en Estados Unidos. [Wikipedia](https://en.wikipedia.org/wiki/9_to_5_(Dolly_Parton_song))

La letra habla de la rutina agotadora del trabajo de oficina: madrugar, ganar poco, no recibir reconocimiento y sentir que se trabaja duro solo para que otro se lleve el mérito. Es una crítica directa a la explotación laboral y, en el contexto de la película, también a la discriminación que sufrían las mujeres en el trabajo en esa época.

Vídeo oficial: 

Versión: en 2022 Dolly grabó una nueva versión junto a Kelly Clarkson para el documental "Still Working 9 to 5": 

Letra: 

Tumble out of bed and I stumble to the kitchen

Pour myself a cup of ambition

And yawn and stretch and try to come to life

Jump in the shower and the blood starts pumpin'

Out on the street, the traffic starts jumpin'

With folks like me on the job from 9 to 5

Workin' 9 to 5, what a way to make a livin'

Barely gettin' by, it's all takin' and no givin'

They just use your mind and they never give you credit

It's enough to drive you crazy if you let it

9 to 5, for service and devotion

You would think that I would deserve a fair promotion

Want to move ahead but the boss won't seem to let me

I swear sometimes that man is out to get me

Mmmmm...

They let you dream just to watch 'em shatter

You're just a step on the boss man's ladder

But you've got dreams he'll never take away

In the same boat with a lot of your friends

Waitin' for the day your ship'll come in

And the tide's gonna turn an' it's all gonna roll your way

Working 9 to 5, what a way to make a livin'

Barely gettin' by, it's all takin' and no givin'

They just use your mind and you never get the credit

It's enough to drive you crazy if you let it

9 to 5, yeah, they got you where they want you

There's a better life and you think about it don't you

It's a rich man's game no matter what they call it

And you spend your life puttin' money in his wallet

9 to 5, what a way to make a livin'

Barely gettin' by, it's all takin' and no givin'

They just use your mind and they never give you credit

It's enough to drive you crazy if you let it

9 to 5, yeah, they got you where they want you

There's a better life and you think about it don't you

It's a rich man's game no matter what they call it

And you spend your life puttin' money in his wallet

Iron Maiden - Seventh Son of a Seventh Son

Tema que da título al séptimo álbum de estudio de Iron Maiden, publicado en 1988. Con casi diez minutos de duración, es la canción más larga y ambiciosa del disco, escrita por Steve Harris, y mezcla el heavy metal con toques de rock progresivo.

El disco entero es un álbum conceptual inspirado en la novela "Seventh Son" (Alvin Maker) de Orson Scott Card, sobre un niño que nace con poderes extraordinarios por ser, literalmente, el séptimo hijo de un séptimo hijo, una creencia muy arraigada en el folclore británico e irlandés. Curiosamente, casualidad o no, este también fue el séptimo álbum de estudio de la banda. Steve Harris contó que, para que la historia encajara bien entre canción y canción, prepararon primero un guion básico del argumento antes de componer.

En cuanto al significado, la letra narra el nacimiento del "séptimo hijo": una criatura marcada por el destino desde antes de nacer, disputada entre el bien y el mal, que llega al mundo con dones de clarividencia y sanación que ni él mismo entiende todavía. Es la pieza central de la historia del disco, el punto de partida de todo lo que se cuenta después en temas como "The Prophecy" o "The Clairvoyant".

Letra:

Here they stand, brothers them all

All the sons, divided they'd fall

Here await the birth of the son

The seventh, the heavenly, the chosen one

Oh-oh...

Here the birth from an unbroken line

Born the healer, the seventh, his time

Unknowingly blessed and as his life unfolds

Slowly unveiling the power he holds

Oh-oh...

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Oh-oh-oh-oh-oh

Oh-oh-oh-oh-oh

Oh-oh-oh-oh-oh

Oh-oh-oh-oh-oh

Then they watch the progress he makes

The Good and the Evil, which path will he take?

Both of them trying to manipulate

The use of his powers, before it's too late

Oh-oh...

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Seventh son of a seventh son

Oh-oh-oh-oh-oh

Oh-oh-oh-oh-oh

Oh-oh-oh-oh-oh

Oh-oh-oh-oh-oh...

Today is born the seventh one

Born of woman, the seventh son

And he in turn of a seventh son

He has the power to heal

He has the gift of the second sight

He is the chosen one

So, it shall be written

So, it shall be done

Paco Pil - Viva la fiesta

Viva la fiesta es un clásico del makina y la bakalao valenciana, ese sonido noventero que definió las noches de discoteca en la Comunidad Valenciana. Paco Pil la compuso en 1993, y según cuenta él mismo, la escribió en la oficina de un after hours de Barcelona llamado G&G, pocas horas antes de que abriera. Se ha convertido con los años en un himno de la electrónica española de aquella época.

La canción tuvo tanto tirón que veinte años después, en 2014, se relanzó con una versión actualizada, Viva la Fiesta 2k14, que también tuvo su propio recorrido en pistas de baile.

En cuanto a la letra, no hay mucho misterio: es una oda directa al éxtasis de la fiesta y del baile, con imágenes de naves espaciales, viajes alucinantes y "planetas ricos en technocombustible" que representan ese subidón de energía y evasión que se buscaba en las sesiones de after. También aparece un toque melancólico al final, cuando lamenta que "ya es domingo" y que hay que esperar hasta el fin de semana siguiente para volver a vivir esa misma euforia.

Videoclip (versión original 1993 remasterizada): 

Versión 2k14 (vídeo oficial):

Letra:

¡Sensibles!

¡A volar!

¡Adelante!

Entra en trance, paranoias adelante

Surcaremos el sonido hasta que tu cuerpo aguante

A volar 3, 2, 1, adelante

Bienvenidos pasajeros a este viaje alucinante

Sensible, techno fiesta, increíble

Bienvenidos al planeta rico en techno combustible

Más potencia, pide pista, que despego

Ponte en órbita en las fiestas, fiestas, fiestas, fiestas locas como esta

Viva la fiesta

Viva la fiesta

Sensible, este ritmo es increíble

Un planeta de movida, rico en techno combustible

Siéntelo, porque nada es como antes

Es momento de la fiesta con sonido de mutantes

No me pares, vamos vamos, a volar

Que los graves son el viento cuando tú entras en trance

Más potencia, pide pista, que despego

Ponte en órbita en las fiestas, fiestas, fiestas, fiestas, locas como esta

Viva la fiesta

Viva la fiesta

Maldición, ya es domingo y esto cierra

Todo el mundo a la nave, nos volvemos a la tierra

4 días nos separan de otra fiesta

Son del lunes hasta el jueves los días que mas apestan

Volveremos por la fiesta, te lo juro

Lo prometo por los surcos de los plásticos más duros

Más potencia, pide pista, que despego

Ponte en órbita en las fiestas, fiestas, fiestas, fiestas, locas como esta

Sensibles

¡A volar!

Vi-vi-viva, viva, vi-vi-viva la fiesta

Vi-vi-viva, viva, vi-vi-viva la fiesta

Vi-vi-viva, viva, vi-vi-viva la fiesta

Vi-vi-viva, viva, vi-vi-viva la fiesta

(Vi-vi-viva, viva, vi-vi-) viva la fiesta

(Vi-vi-viva, viva, vi-vi-) viva la fiesta

(Vi-vi-viva, viva, vi-vi-) viva la fiesta

¡Adelante!

Entra en trance, paranoias adelante

Surcaremos el sonido hasta que tu cuerpo aguante

A volar 3, 2, 1, adelante

Bienvenidos pasajeros a este viaje alucinante

Sensible, techno fiesta, increíble

Bienvenidos al planeta rico en techno combustible

Más potencia, pide pista, que despego

Ponte en órbita en las fiestas, fiestas, fiestas, fiestas locas como esta

Sensibles

¡A volar!

Vi-vi-viva, viva, vi-vi-viva la fiesta

Vi-vi-viva, viva, vi-vi-viva la fiesta

Vi-vi-viva, viva, vi-vi-viva la fiesta

Vi-vi-viva, viva, vi-vi-viva la fiesta

(Vi-vi-viva, viva, vi-vi-) viva la fiesta

(Vi-vi-viva, viva, vi-vi-) viva la fiesta

(Vi-vi-viva, viva, vi-vi-) viva la fiesta

¡Adelante!

Lalu - Fhloston Paradise

"Fhloston Paradise" es uno de los cortes del álbum "A Mythmaker's Demise" (2026), con el que el proyecto de rock progresivo francés liderado por el teclista Vivien Lalu celebra sus veinte años de trayectoria, desde su debut con "Oniric Metal" en 2005.

El nombre de la canción hace un guiño directo a "El Quinto Elemento", la película de ciencia ficción de 1997: Fhloston Paradise es el resort espacial de lujo donde transcurre buena parte de la trama. Tomando esa imagen como punto de partida, la letra juega con la idea de un paraíso artificial, un refugio de placer y evasión al que uno querría escapar de la rutina, aunque la música contradiga ese escapismo con un tono mucho más rocoso y urgente de lo que el título sugiere. Musicalmente es de los temas más directos del disco, con un estribillo potente y una base rítmica muy marcada por el batería Simon Phillips (ex Toto), que además fue el primer músico en grabar con Lalu allá por sus inicios. Varios críticos han señalado que el cantante Martin LeMar recuerda en los agudos a Bruce Dickinson (Iron Maiden), especialmente en el estribillo.

Para esta edición aniversario, Vivien Lalu recuperó a LeMar, la voz original del proyecto, junto al guitarrista y bajista Joop Wolters, su colaborador habitual desde hace años. El título del álbum, según ha explicado la banda, es una reflexión sobre la pérdida de la imaginación humana en la era de la inteligencia artificial.

Dream Theater - Overture 1928 / Strange Déjà Vu (Live à Paris)

"Overture 1928 / Strange Déjà Vu" es en realidad la unión de dos temas que forman la "Scene Two" del álbum conceptual "Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory" (1999), de Dream Theater. "Overture 1928" es puramente instrumental y sirve de obertura, recuperando y adelantando temáticamente melodías de otras canciones del disco (como "Metropolis", "The Dance of Eternity" o "One Last Time"). Enlaza directamente, sin pausa, con "Strange Déjà Vu", que ya tiene letra y narra el momento en que Nicholas, el protagonista de la historia, empieza a conectar su vida presente con la de Victoria Page, una mujer asesinada en 1928 cuya historia está reviviendo a través de regresiones hipnóticas.

La versión que traigo hoy es en directo, incluida en "Quarantième: Live à Paris", el álbum grabado durante la gira del 40º aniversario de la banda. Dream Theater lleva años tocando esta pieza en vivo como uno de los momentos más celebrados de sus conciertos, tanto por su complejidad técnica como por el arco emocional de la historia de Victoria.

Como curiosidad, el coro de "Strange Déjà Vu" reaparece más adelante en el disco, en la canción "One Last Time", cerrando el círculo narrativo del álbum.

Letra:

Subconscious, strange sensation

Unconscious relaxation

What a pleasant nightmare

And I can't wait to get there again

Every time I close my eyes

There's another vivid surprise

Another whole life waiting

Chapters unfinished, fading (c'mon)

Closer now

Is slowly coming into view

I've arrived

Blinding sunshine beaming through

There's a house I'm drawn to

Familiar settings, nothing new

And there's a pathway leading there

With a haunting chill in the air

There's room at the top of the stairs

Every night I'm drawn up there

There's a girl in the mirror

Her face is getting clearer

Young child, won't you tell me why I'm here?

In her eyes

I sense a story never told

Behind the disguise

There's something tearin' at her soul

Tonight I've been searching for it

A feeling that's deep inside me

Tonight I've been searching for

The one that nobody knows

Trying to break free (sing along)

I just can't help myself

I'm feeling like I'm going out of my head

Tears my heart into two

I'm not the one the sleeper thought he knew

Back on my feet again, eyes open to the real world

Metropolis surrounds me, the mirror's shattered the girl

Why is this other life haunting me every day?

I'd break through to the other side if only I'd find the way

Something's awfully familiar

The feeling's so hard to shake

Could I have lived in that other world?

It's a link that I'm destined to make

Still searching, but I don't know what for

The missing key to unlock my mind's door

Today I am searching for it

A feeling that won't go away

Today I am searching for

The one that I only know

Trying to break free (c'mon)

I just can't help myself

I'm feeling like I'm going out of my head

Tears my soul into two

I'm not the one I thought I always knew

I just can't help myself

I'm feeling like I'm going out of my head

Uncanny, strange déjà vu

But I don't mind

I hope to find the truth

Villagers of Ioannina City - Venceremos

Villagers of Ioannina City es una banda griega de Ioánina, formada en 2007, que mezcla el rock stoner y psicodélico con la música folk tradicional de la región del Épiro, con instrumentos como el clarinete, el kaval o la gaita griega. Son uno de los nombres fuertes del post-stoner y el heavy prog con raíces helénicas.

"Venceremos" es el tema que da título a su nuevo álbum, previsto para el 18 de septiembre de 2026 vía Napalm Records. Es una canción muy directa dentro de su discografía: combina riffs pesados con gaitas y percusiones rituales, y habla de resistencia, exilio y la búsqueda de libertad frente a un futuro distópico marcado por el control y el miedo. La banda la ha definido como una promesa de que, incluso en los momentos más oscuros, la esperanza resiste.

El tema fue grabado y producido por Alex Karametis en Magnanimous X Studio (Grecia), y mezclado y masterizado por Jacob Hansen, productor habitual de bandas de metal escandinavas.

Letra: 

Wait for the Sun,

hold till that day.

Our time will come around,

Light finds a way.

That day will come 

and we'll dance on the green fields of freedom again.

That day will come,

keep your face to the sun.

That day will come

and we'll stand on the top of the mountains again.

Freedom will come,

it will come in the end.

I know that life seems only hopeless now,

injustice and fear spread all around.

The barest light can kill all the darkness though,

their biggest illusions will be burned to the ground.

That day will come 

and we'll dance on the green fields of freedom again.

That day will come,

keep your face to the sun.

That day will come

and we'll stand on the top of the mountains again.

Freedom will come,

it will come in the end.

Now I remember again,

how it started then,

and where it will end.

Life is nothing but a game,

you lose or you play,

a choice that you make.

Don’t be afraid of the end,

what matters that day

is how you stood until then.

Tonight, sing along with your friends,

for freedom again

here’s to our dead.

(We can recall this feeling, it felt like we were dreaming)

I remember now, remember now again

That day will come 

and we'll dance on the green fields of freedom again.

That day will come,

keep your face to the sun.

That day will come

and we'll stand on the top of the mountains again.

Freedom will come,

it will come in the end.

Rushex - Zakhelo

Toca un tema de la escena phonk, ese subgénero electrónico nacido del funk brasileño que arrasa en TikTok y YouTube.

Detrás de Rushex está un productor turco especializado en phonk y phonk brasileño, que estudió composición clásica en el Conservatorio Estatal de la Universidad Mimar Sinan antes de pasarse a la producción electrónica. Trabaja bajo el sello independiente Project Viral, aunque "Zakhelo" salió a través de Tribal Trap el 13 de marzo de 2026, dentro de un EP homónimo de cuatro temas.

Como suele pasar en el phonk, la canción se construye más a base de samples, bases percutivas y voces cortadas que de una letra al uso, pensada para sonar fuerte en el coche o en un mix de DJ. Del tema circulan varias versiones alternativas (Slowed, Ultra Slowed, Sped Up), muy típicas de esta escena y pensadas para playlists de ambiente.

Letra: 

braka toriven shaa

Echoes of old wars remain

kloro ven ta ri

Conflict comes once again

draviko sen lo bra

Memories awaken inside us

tiro ka ven shii

The cycle begins again

Zakhelo  Zakhelo

No More No More

brivata no sen

Let go of all violence

toraka velio trin

Time holds the fallen souls

ska re voon te la

The world bends under pain

brin brin torava

Hearts beat in fear together

kelio sha dron

Voices rise against war

va ti  va ti  kro

We reach the breaking point

senari vokta li

A moment of awakening

tro venaka shii

We choose the path of peace!

Leah - Do Not Stand at My Grave and Weep

Esta canción es la versión musical del célebre poema de Mary Elizabeth Frye, escrito en 1932, que se ha convertido en uno de los textos más leídos en funerales de todo el mundo anglosajón. La cantante escocesa Leah (Leah Frances McHenry), conocida por su estilo celta y su voz etérea, le puso música y la incluyó en su álbum Songs of Middle Earth, aunque el tema ha circulado también de forma independiente.

Una curiosidad: durante décadas se disputó la autoría del poema, ya que Frye nunca lo publicó ni lo registró en vida, y llegó a atribuirse erróneamente a autores anónimos nativos americanos. No fue hasta los años 90 que se confirmó documentalmente que la autora era esta ama de casa de Baltimore, que jamás había escrito poesía antes.

Letra: 

Do not stand at my grave and weep

I am not there. I do not sleep.

I am a thousand winds that blow.

I am the diamond glints on snow.

I am the sunlight on ripened grain.

I am the gentle autumn rain.

When you awaken in the morning's hush

I am the swift uplifting rush

Of quiet birds in circled flight.

I am the soft stars that shine at night.

Do not stand at my grave and cry;

I am not there. I did not die.

XTC - Making Plans for Nigel

Publicada en septiembre de 1979 como avance de su álbum "Drums and Wires", esta canción supuso el gran despegue comercial de XTC, llegando al puesto 17 de las listas británicas.

Lo curioso es que, a diferencia de la mayoría de temas de la banda (normalmente escritos por Andy Partridge), este lo compuso el bajista Colin Moulding, y también es él quien canta. Partridge llegó a reconocer que le sentó mal que su banda dedicara tanto tiempo a pulir esta canción mientras las suyas quedaban de lado.

La letra habla de unos padres controladores que deciden el futuro de su hijo Nigel, incluido un trabajo asegurado en la empresa British Steel. Moulding explicó que la canción es parcialmente autobiográfica: su propio padre lo presionaba para que fuera a la universidad y se cortara el pelo, hasta el punto de intentar arrastrarlo literalmente a la barbería.

El single se publicó con una edición especial en formato de juego de mesa tipo "oca", protagonizado por Nigel y sus padres, aunque nunca llegaron a incluirse las reglas del juego.

La canción ha sido versionada por artistas como Primus, The Rembrandts y Robbie Williams.

Vídeo oficial: 

Letra: 

We're only making plans for Nigel

We only want what's best for him

We're only making plans for Nigel

Nigel just needs that helping hand

And if young Nigel says he's happy

He must be happy

He must be happy

He must be happy in his world

We're only making plans for Nigel

He has his future in a British steel

We're only making plans for Nigel

Nigel's whole future is as good as sealed, yeah

And if young Nigel says he's happy

He must be happy

He must be happy

He must be happy in his world

Nigel is not outspoken but he likes to speak

And loves to be spoken to (in his world)

Nigel is happy in his world (in his world)

Nigel is happy in his world (in his world)

We're only making plans for Nigel

We only want what's best for him

We're only making plans for Nigel

Nigel just needs this helping hand

And if young Nigel says he's happy

He must be happy

He must be happy

He must be happy in his world

We're only making plans for Nigel

We only want what's best for him

We're only making plans for Nigel

Nigel just needs this helping hand

We're only making plans for Nigel

He has his future in a British steel

Steel, steel, steel, steel, steel, yeah

We're only making plans for Nigel

Nigel, Nigel, Nigel, Nigel

Nigel, Nigel, Nigel, Nigel

Nigel, Nigel, Nigel, Nigel

Nigel, Nigel, Nigel, Nigel

Bill Bruford's Earthworks - Footloose and Fancy Free

Bill Bruford es uno de los bateristas más respetados del rock progresivo, conocido por su paso por Yes y King Crimson. A mediados de los 80 decidió virar hacia el jazz y formó Earthworks, un grupo con el que exploró la fusión y el jazz contemporáneo durante más de veinte años.

Footloose and Fancy Free es una pieza instrumental compuesta para Earthworks, publicada originalmente en el álbum A Part, and yet Apart (1999). El tema se convirtió en un habitual de sus directos, hasta el punto de dar nombre a Footloose and Fancy Free (2002), un doble disco en vivo grabado en el Pizza Express Jazz Club de Londres que recoge lo mejor del repertorio de la banda en esa época.

Una curiosidad: en 2005, la formación ampliada Earthworks Underground Orchestra (un little big band de nueve músicos liderado por el saxofonista Tim Garland) recuperó el tema para un arreglo mucho más orquestal, dentro de su serie de actuaciones "Solo Spotlight".

Vídeo (versión de estudio, A Part, and yet Apart, 1999):

Versión en directo con Earthworks Underground Orchestra (2005), interesante por el arreglo ampliado a formación de big band:

Rocco DeLuca - Just a Little Further

Rocco DeLuca es un músico californiano nacido en Long Beach en 1974, conocido por su voz cálida y por tocar el Dobro, esa guitarra resonadora metálica típica del blues del Delta. 

Se dio a conocer como líder de Rocco DeLuca and the Burden a mediados de los 2000, banda fichada por el sello Ironworks, propiedad del actor Kiefer Sutherland y del cantante Jude Cole. Desde 2009 sigue su carrera en solitario, y ha colaborado con nombres como Daniel Lanois, Leonard Cohen o Slash, además de componer para el videojuego Red Dead Redemption 2 y para la banda sonora de Killers of the Flower Moon junto a Robbie Robertson.

Just a Little Further pertenece al disco Rocco DeLuca & His Brothers, grabado en directo en una sola noche en Los Ángeles por el ingeniero Marc Urselli, ganador de varios Grammy. 

El álbum busca despojar la música de DeLuca hasta su esencia más elemental, dejando protagonismo a su voz y a su pedal steel Sho-Bud de 12 cuerdas. En este tema en concreto, que dura ocho minutos, DeLuca se estira y respira con calma, como si el título fuera también una declaración de intenciones: seguir un poco más allá.

Unheilig - Geboren um zu leben

"Geboren um zu leben" (algo así como "Nacidos para vivir") es el primer sencillo del álbum Grosse Freiheit (2010), de la banda alemana Unheilig, y se convirtió en su canción más exitosa: llegó al número 2 de las listas alemanas y vendió más de 450.000 copias, certificándose triple oro.

Detrás de la canción hay una historia muy personal. Der Graf, líder y voz de la banda, la escribió tras la muerte de un amigo muy cercano, que sufrió un infarto y un derrame cerebral del que no llegó a recuperarse; Der Graf estuvo con él en el momento de su muerte. El tema es un homenaje a esa persona y a la idea de que, aunque ya no esté, le enseñó a valorar la vida.

Unheilig, cuyo nombre significa literalmente "no sagrado" o "profano", nació en la escena gótica alemana, aunque con el paso de los años (y sobre todo con este single) su sonido se acercó mucho más al pop rock y al schlager, alejándose de sus raíces más oscuras. Precisamente por eso la canción generó cierta polémica entre los fans más antiguos, que la vieron como un giro demasiado comercial.

Vídeo oficial: 

Merece la pena mencionar también la versión que grabaron en el MTV Unplugged junto a la cantante Cassandra Steen, mucho más íntima y con arreglos de piano y cuerdas: 

Letra: 

Es fällt mir schwer

Ohne dich zu leben

Jeden Tag zu jeder Zeit

Einfach alles zu geben

Ich denk so oft

Zurück an das was war

An jedem so geliebten

Vergangenen Tag

Ich stell mir vor

Dass du zu mir stehst

Und jeden meiner Wege

An meiner Seite gehst

Ich denke an so vieles seitdem du nicht mehr bist

Denn du hast mir gezeigt

Wie wertvoll das Leben ist

Wir waren geboren um zu leben

Mit den Wundern jener Zeit

Sich niemals zu vergessen

Bis in alle Ewigkeit

Wir waren geboren um zu leben

Für den einen Augenblick

Bei dem jeder von uns spürte

Wie wertvoll Leben ist

Es tut noch weh

Wieder neuen Platz zu schaffen

Mit gutem Gefühl

Etwas Neues zuzulassen

In diesem Augenblick

Bist du mir wieder nah

Wie an jedem so geliebten

Vergangenen Tag

Es ist mein Wunsch

Wieder Träume zu erlauben

Ohne Reue nach vorn

In eine Zukunft zu schauen

Ich sehe einen Sinn seitdem du nicht mehr bist

Denn du hast mir gezeigt

Wie wertvoll mein Leben ist

Wir waren geboren um zu leben

Mit den Wundern jener Zeit

Sich niemals zu vergessen

Bis in alle Ewigkeit

Wir waren geboren um zu Leben

Für den einen Augenblick

Bei dem jeder von uns spürte

Wie wertvoll Leben ist

Wie wertvoll Leben ist

Wir waren geboren um zu leben

Mit den Wundern jener Zeit

Geboren um zu leben

Wir waren geboren um zu leben

Mit den Wundern jener Zeit

Sich niemals zu vergessen

Bis in aller Ewigkeit

Wir waren geboren um zu leben

Für den einen Augenblick

Bei dem jeder von uns spürte

Wie wertvoll Leben ist

Wir waren geboren um zu leben

Mit den Wundern jener Zeit

Sich niemals zu vergessen

Bis in alle Ewigkeit

Wir waren geboren um zu leben

Für den einen Augenblick

Bei dem jeder von uns spürte

Wie wertvoll Leben ist

Wir waren geboren um zu leben