Gong nació en París en 1967 de la mano de Daevid Allen, uno de los fundadores de Soft Machine. Tras décadas de psicodelia espacial, jazz y rock progresivo, Allen falleció en marzo de 2015, pero antes dejó encargado al guitarrista y cantante Kavus Torabi de continuar con la banda.
My Sawtooth Wake pertenece al álbum The Universe Also Collapses (2019), su primera entrega para el sello Kscope. Un épico de casi 13 minutos que captura a la banda en plena forma, con un vídeo que hace juego con la locura sonora.
Kavus Torabi describe el disco como el intento de hacer "el álbum de rock psicodélico definitivo", queriendo poner a Gong de vuelta en el corazón de la psicodelia más pura.
Curiosidad: en los créditos del álbum, Kavus da las gracias expresamente a Dan Chudley "por la cola de sirena que se escucha chapoteando en las aguas tranquilas cerca del final de My Sawtooth Wake". Ese detalle dice mucho del universo sonoro de Gong.
Torabi considera The Universe Also Collapses el punto de partida de la trilogía donde esta versión de Gong "realmente encontró su sonido".
Y la versión en directo, del álbum Pulsing Signals (2022), grabada en la gira de 2019 — la última antes de que la pandemia lo detuviera todo:
Granada, 1996. Todo empezó de una manera tan simple como explosiva: los hermanos Antonio y Jesús Arias, líderes de Lagartija Nick, le muestran a Morente el poema "La niña ahogada en un pozo" de Lorca musicalizado sobre "Helter Skelter" de The Beatles. Morente vio la luz. A partir de ahí, la idea se mezcló con un proyecto que el cantaor ya tenía en marcha: un homenaje a Leonard Cohen. El resultado fue "Omega", publicado por El Europeo Música, un álbum que funde poemas de "Poeta en Nueva York" de Federico García Lorca con canciones del cantautor canadiense, con la participación de artistas como Vicente Amigo, Tomatito, Estrella Morente o Cañizares.
La canción que abre y da título al disco es esta: casi once minutos de flamenco y rock distorsionado construidos sobre el "Poema para los muertos" de Lorca. Guitarra flamenca de Miguel Ángel Cortés, palmas y coros, y Lagartija Nick desplegando una toxicidad thrash que crece junto a la voz de Morente. Ponerla al principio fue un acto de valentía o de inconsciencia —o de las dos cosas a la vez.
La presentación del disco, en marzo de 1996 en el Teatro Albéniz de Madrid, fue histórica: sala llena para ver al maestro cantaor, y de repente aparece con una banda de rock. La que se montó fue considerable.
La grabación fue tan visceral que terminó quemando a todos: Lagartija Nick se disgregaron días antes de comenzar la gira. Aun así, el disco sobrevivió a sus creadores. Rockdelux lo eligió el mejor álbum nacional de la temporada 1997.
Como la noche es interminable
cuando se apoya en los enfermos.
Y hay barcos que buscan ser mirados
para poder hundirse tranquilos.
Si cada aldea tuviera una sirena
mi corazón tendría la forma de un zapato.
No solloces. Silencio, que no nos sientan.
Espera. ¡Las hierbas!
Se cayeron las estatuas
al abrirse la gran puerta.
¡¡Las hierbaaas!!
(Poema original: Federico García Lorca)
Directo del FIB 2008, donde Morente y Lagartija Nick resucitaron el disco doce años después:
Diablo Blvd nació en 2005 en Amberes (Bélgica), fundada por el guitarrista Dave Hubrechts y por Alex Agnew, conocido humorista de stand-up y el primer belga en ganar el prestigioso Festival de Cabaret de Leiden (Países Bajos) en 2003. Sí, el cantante de una banda de metal era la mayor estrella de la comedia del Benelux.
El nombre del grupo viene de una canción de Corrosion of Conformity.
Sing From The Gallows es uno de los dos singles adelanto de su cuarto y último álbum, Zero Hour (2017, Nuclear Blast). Ese disco fue su declaración política más contundente, inspirada en el clima de división global del momento. Guerra fría emocional, muros que vuelven a levantarse, políticos con la marca de Caín... el tema suena tan vigente hoy como entonces.
El videoclip forma parte de un concepto visual junto al otro single, Animal: en ambos aparece Alex Agnew caracterizado como una especie de presidente o canciller.
La banda se disolvió en 2018 tras 13 años de carrera. Un último concierto en el AB de Bruselas y telón.
Mongolia, 2018. Cuatro músicos formados en el Conservatorio Estatal de Música y Danza de Ulán Bator publican su primer vídeo en YouTube y el mundo se para un momento. El sonido es imposible de clasificar: canto difónico mongol, morin khuur (violín de cabeza de caballo), tovshuur y guitarras eléctricas. Ellos lo llaman "Hunnu Rock".
"Yuve Yuve Yu" significa literalmente "¿Qué extraño, qué extraño?" y la letra es una denuncia: la generación actual vive de espaldas a los valores y la herencia de sus ancestros mongoles. Hay referencias directas a Gengis Khan y un grito final —"¡Traidor, arrodíllate!"— que no deja indiferente a nadie.
Algunos datos curiosos:
- El nombre "The HU" viene de la raíz mongola de "ser humano". De ahí también la palabra "huno".
- La banda fue el primer grupo mongol en entrar en el "Billboard Hard Rock Digital Song Sales".
- En 2019 fueron recibidos por el "presidente de Mongolia" y recibieron la Orden de Gengis Khan por promover la cultura del país.
Versión con Danny Case (From Ashes to New):
En 2019, con motivo de la gira norteamericana, publicaron una versión con voz añadida en inglés. Curiosamente, la parte vocal en inglés encaja perfectamente con los cánticos mongoles, lo que dice mucho de la universalidad de la canción.
SIXSTRINGS es una banda de hard rock de la zona de Barcelona, proyecto personal de Jose Salvador, guitarrista y vocalista que lo empezó todo en solitario grabando, componiendo y produciendo él mismo su primer disco, "Cries of the Soul" (2019). Con el tiempo la banda tomó forma con David Sáez a la batería y Ricard Fernández al bajo, y en 2022 publicaron "No Future", un álbum que recibió un 9/10 en Mariskal Rock y elogios en medios como La Heavy. Sus influencias van de Van Halen y Mötley Crüe a Airbourne, con ese sabor a hard rock clásico de toda la vida.
Hoy publican "Ride on Steel", nuevo single y adelanto de su próximo trabajo "World is on Fire", previsto para el 22 de mayo de 2026. Una curiosidad: Jose Salvador tiene en su haber haber grabado un solo de guitarra invitado en el álbum "Hands Without Shadows II: Voices" de Michael Angelo Batio, una de las leyendas de la guitarra shred. No está nada mal para un proyecto que empezó como algo completamente casero.
Hoy toca una canción que tiene una referencia directa a la festividad: The Tipu House tiene una línea que habla de "el día de los libros y las rosas cerrado firmamente a la puerta" — una imagen amarga y perfecta para el día en que precisamente celebramos exactamente eso.
The Tipu House es el segundo single del álbum Curious Ruminant (2025), el 24.º disco de estudio de Jethro Tull, publicado a través de InsideOut Music.
Ian Anderson la describe como "una canción de aspiración en la adversidad". La idea nace de sus paseos por la ciudad de Barcelona, cámara en mano, observando las diferencias entre viviendas humildes y mansiones, y preguntándose qué vidas y sueños se esconden dentro.
Su reflexión: que nuestras sociedades están llenas de personas que han ascendido desde la pobreza relativa hasta posiciones de grandeza, y que sus éxitos son un faro de esperanza para los demás.
Con apenas tres minutos y medio, la canción recupera las raíces folk-rock del grupo, incluido un solo de flauta. El álbum también incorpora acordeón, mandolina, guitarras acústicas y tenor, un recordatorio sutil de la herencia de Tull de los años 70.
El vídeo oficial está dirigido por Costin Chioreanu, que ya trabajó en los singles anteriores del grupo.
Que nadie os cierre la puerta de los libros y las rosas. 🌹📚
In the tipu house live all kinds of people
Old ladies up the back stairs, young lives dreamt away
Their useless husbands drink through the long hot evening:
Maybe I could be one, with some practice and a prayer
All God's children play in that toxic city garden
Stealing from their brethren a saucy view or more
Of domestic incidents and guilty copulation
The day of books and roses shown firmly to the door
In the tipu house you feel for your neighbour
Trade rice and greasy vegetables, shoulders on which to cry
You don’t feel so good about them quite all of the time
And someone has to fix the plumbing, or at least give it a try
All God's children play in that toxic city garden
Stealing from their brethren a saucy view or more
Of domestic incidents and guilty copulation
The day of books and roses shown firmly to the door
In the tipu house there’s a quiet insistent babble
Marital possibilities, grow fecund in the air
Secret forbidden dowries for joining better families
Whispered promises in the hubbub of the market square
All God's children play in that toxic city garden
Stealing from their brethren a saucy view or more
Of domestic incidents and guilty copulation
The day of books and roses shown firmly to the door
In the tipu house there are forever changes
Young gladiators, nourished by the football terrace beat
Aspire to vie in the moneylenders' temples of Madrid
Dream hungry dreams in smooth Brioni, turning up the heat
Dos músicos, una idea radical: fundir el prog-fusion con la música de cámara y orquestal. Eso es *Chemical Reactions* (2020), el álbum que abre precisamente con *Transmutation Circle*.
En este tema, batería y bajo eléctrico dialogan con un cuarteto de cuerda, mientras Harrison añade partes ocasionales de marimba. El resultado es tenso, preciso y completamente hipnótico.
Gavin Harrison es conocido mundialmente por su trabajo con Porcupine Tree, King Crimson y The Pineapple Thief. Antoine Fafard, bajista de origen canadiense afincado en el Reino Unido, lleva más de 20 años colaborando con algunos de los bateristas más respetados del mundo: Vinnie Colaiuta, Gary Husband, Simon Phillips, Todd Sucherman y Dave Weckl.
En 2024 publicaron un segundo álbum juntos, *Perpetual Mutations*, con la intención declarada de no repetir las mismas texturas sonoras del primero e incorporar nuevos instrumentos como guitarra clásica y piano.
*Transmutation Circle* es música instrumental, así que no hay letra. Solo escucha.
1981 Foreigner acaba de reducirse de seis a cuatro miembros, y esa nueva amplitud en el sonido abre la puerta a algo que nunca habían hecho: una balada de verdad. El productor Mutt Lange llega al proyecto con una visión muy enfocada en la radio, y cambia por completo la dirección del álbum 4.
La canción la escriben Mick Jones y Lou Gramm. Jones diría años después que la compuso casi en trance, sin saber muy bien de dónde venía.
El sintetizador del intro, esa marca inconfundible, no lo toca ningún miembro de la banda: lo interpreta un jovencísimo Thomas Dolby, entonces prácticamente desconocido, al que Mutt Lange había llamado después de escuchar su maqueta.
Durante la grabación de la voz, Lou Gramm cuenta en su autobiografía que apareció una mujer misteriosa en la sala de control que le inspiró para dar la mejor interpretación de su vida. Nunca supo quién era.
Curiosidad: Llegó al #2 del Billboard Hot 100 y se quedó ahí 10 semanas seguidas. No llegó al #1 porque Olivia Newton-John con "Physical" y luego Hall & Oates con "I Can't Go for That" se lo impidieron. Es la canción que más tiempo ha estado en el #2 sin llegar al #1 en la historia del Billboard Hot 100
Lo que la hace especial:
1. El sonido: Fue un cambio para Foreigner. Venían de un hard rock más duro y aquí apostaron por algo más suave, con teclados envolventes y la voz de Lou Gramm en plan melódico total
2. La letra: Habla de ese sentimiento de haber buscado mucho tiempo y por fin encontrar a "la persona". Muy directo, muy romántico, sin metáforas raras. _“I’ve been waiting for a girl like you to come into my life”_
3. El intro: Ese sintetizador que va subiendo es instantáneamente reconocible. Si suena en la radio, sabes qué canción es en 2 segundos.
So long, I've been looking too hard
I've been waiting too long
Sometimes I don't know what I will find
I only know it's a matter of time
When you love someone
When you love someone
It feels so right, so warm and true
I need to know if you feel it too
Maybe I'm wrong
Won't you tell me if I'm coming on too strong?
This heart of mine has been hurt before
This time I want to be sure
I've been waiting for a girl like you to come into my life
I've been waiting for a girl like you, you're a love that will survive
I've been waiting for someone new to make me feel alive
Yeah, waiting for a girl like you to come into my life
You're so good
When we make love it's understood
It's more than a touch or a word we'd say
Only in dreams could it be this way
When you love someone
Yeah, I really love someone
Now, I know it's right
From the moment I wake up 'til deep in the night
There's nowhere on earth that I'd rather be than holding you tenderly
I've been waiting for a girl like you to come into my life
I've been waiting for a girl like you, you're a love that will survive
I've been waiting for someone new to make me feel alive
Yeah, waiting for a girl like you to come into my life
I've been waiting, waiting for you, ooh
Ooh, I've been waiting
(Waiting) I've been waiting, yeah
(I've been waiting for a girl like you, I've been waiting)
Canadá, 2003. Tres chicos de Norwood, Ontario, llevan años trabajando un demo sin conseguir que ningún sello les haga caso. El productor Gavin Brown escucha el material, selecciona lo mejor y les pide más. Con Brown en producción, la banda crea "I Hate Everything About You", que despierta el interés de varias discográficas y les consigue el fichaje con Jive Records. La canción que les abre las puertas es también, veinte años después, su legado más duradero.
Adam Gontier siempre fue directo sobre su significado: para él era sobre reconocer algo en tu vida en lo que estás perdiendo el tiempo, ya sea una persona, una relación o cualquier otra cosa. Aunque muchos la leyeron como una canción de amor tóxico, otros la interpretaron como una metáfora de la adicción a las drogas —y ambas lecturas tienen su lógica, porque Gontier desarrolló una dependencia al OxyContin por aquella época.
La canción estuvo 46 semanas en el chart Mainstream Rock y 45 en el Modern Rock, convirtiéndose en la más longeva de la banda en ambas listas. En junio de 2025 superó los mil millones de streams en Spotify.
Versión
Vitamin String Quartet es un proyecto de Los Ángeles especializado en versionar rock y pop con cuarteto de cuerda, aplicando —según sus propias palabras— actitud rock and roll a técnica clásica. Su versión de esta canción forma parte del álbum *VSQ Performs Three Days Grace*, publicado en 2006. El resultado es inquietante y elegante a partes iguales: la rabia del original se convierte en algo más oscuro y contenido, casi cinematográfico.
Every time we lie awake
After every hit we take
Every feeling that I get
But I haven't missed you yet
Every roommate kept awake
By every sigh and scream we make
All the feelings that I get
But I still don't miss you yet
Only when I stop to think about it
I hate everything about you
Why do I love you?
I hate everything about you
Why do I love you?
Every time we lie awake
After every hit we take
Every feeling that I get
But I haven't missed you yet
Only when I stop to think about it
I hate everything about you
Why do I love you?
I hate everything about you
Why do I love you?
Only when I stop to think about you, I know
Only when you stop to think about me, do you know?
Jan Hammer nació el 17 de abril de 1948 en Praga. Llegó a la fama como teclista de la Mahavishnu Orchestra a principios de los 70, antes de convertirse en el compositor de la banda sonora de Miami Vice.
Cuando la invasión del Pacto de Varsovia interrumpió sus estudios en Praga en 1968, emigró a Estados Unidos gracias a una beca en el Berklee College of Music.
Crockett's Theme es un instrumental compuesto para la serie de la NBC. La primera versión apareció en el episodio "Calderone's Return: Part 1 – The Hit List", emitido el 19 de octubre de 1984, y distintos arreglos se fueron usando a lo largo de la serie. La primera edición comercial llegó en el álbum Miami Vice II a finales de 1986, y el single con una mezcla ligeramente diferente se publicó en 1987.
El tema fue número uno en Bélgica y los Países Bajos, y llegó al número dos en Irlanda y el Reino Unido.
Al menos ocho versiones oficiales han sido publicadas a lo largo de los años. En 1991 fue relanzado en el Reino Unido tras aparecer en una serie de anuncios del banco NatWest.
The Gems es una banda sueca de rock formada por tres ex miembros de Thundermother: Guernica Mancini (voz), Emlee Johansson (batería) y Mona Lindgren (bajo).
Tras una salida polémica de su anterior grupo, decidieron unir fuerzas y empezar de cero.
"Like A Phoenix" fue su primer single, lanzado el 15 de junio de 2023 a través de Napalm Records. Una declaración de intenciones desde el primer acorde.
¿De qué trata?
Las propias integrantes lo explican sin rodeos: "Esta canción trata sobre levantarte cuando te han derribado, de no dejar que las palabras negativas de otros te definan. El vídeo habla del 'renacimiento' de nosotras como banda y de cómo, a través del fuego, nos hemos vuelto más fuertes y sin miedo."
Curiosidad: El videoclip oficial fue editado por la propia Emlee Johansson, baterista del grupo. Un trabajo hecho completamente desde adentro.
Hey, you think I don't feel the pain
You fear that I run the game
You say I'm the one to blame
You think you're one-of-a-kind
You fear I will speak my mind
You say that I'm out of time
I've had enough, let's light it up
I fly away through open doors
Higher than before, oh
I leave the ashes on the ground
Wingspan open wide, oh
Like a phoenix
Hey, I can see clearly now
It's time that you take a bow
I won't stop until I hit the sun
Burn up when the morning comes
Rise again, rise again, rise again
I've had enough, let's light it up
I fly away through open doors
Higher than before, oh
I leave the ashes on the ground
Wingspan open wide, oh
Like a phoenix
I fly away through open doors
Higher than before, oh
I leave the ashes on the ground
Wingspan open wide, oh
Like a phoenix
Tres mujeres, una historia de superación y mucho rock. Bienvenidas, The Gems.
Si no conoces a SLIFT, ya tardas. Son un trío de Toulouse: los hermanos Jean y Rémi Fossat más su amigo del instituto Canek Flores a la batería. Hacen psych rock pesado y espacial que suena a tres veces más personas de las que son.
*A Storm of Wings* es el primer single de su cuarto álbum, ***Fantasia*** (Sub Pop, 5 de junio 2026). Suena a Clutch en modo brutal, con referencias a John Coltrane, Charlie Parker y el escritor soviético Bulgakov. Sí, todo eso en una sola canción.
La grabaron en una sola toma en los estudios Daft (Bélgica), y se nota: tiene esa energía cruda de algo que no se puede repetir.
Inner Vitriol son un cuarteto de dark progressive metal de Bologna, Italia.
"Waterfall" es el tercer corte de su álbum *Semper Tacui* (2026) y uno de sus momentos más intensos: siete minutos donde la voz de Gabriele Gozzi recorre toda la gama entre el fraseo suave y melancólico y el canto apasionado y ronco.
Una curiosidad que me parece fascinante: el nombre de la banda viene del acrónimo del lema de la alquimia renacentista *V.I.T.R.I.O.L.* — *Visita Interiora Terrae Rectificando Invenies Occultum Lapidem* (Entra en las entrañas de la Tierra y, a través de tu purificación, encontrarás la piedra oculta). No es una banda que se llame así por casualidad.
Y otra: *Semper Tacui* tardó catorce años en llegar. Catorce. Eso sí es tomarse las cosas con calma.
Bruce Soord es el fundador, compositor y alma de The Pineapple Thief, una de las bandas más relevantes del prog rock británico contemporáneo. Su nuevo álbum en solitario, *Ghosts In The Park*, se publica el 15 de mayo de 2026 y es su trabajo más personal y sin filtros hasta la fecha: un disco moldeado por la pérdida, la memoria y los espacios silenciosos que se revelan cuando la vida sigue moviéndose mientras todo lo demás parece detenerse.
Escrito durante dos años de gira intensiva con The Pineapple Thief, el álbum surgió en habitaciones de hotel, ciudades desconocidas y momentos de soledad forzada. Durante ese tiempo, Soord atravesó el largo declive y la muerte de su padre, así como el avance del Alzheimer de su madre.
"Pillars" es el single que abre el camino. Soord lo describe así: "La introspección excesiva y dañina es el tema de la canción. Recuerdo el día en que me liberé de mi introspección llena de temor religioso. Solo entonces pude ver el daño que me había hecho y que seguía haciéndoles a las personas que me rodeaban. La canción trata sobre eso: el daño que he presenciado."
El título tiene además una referencia juguetona a San Simeón Estilita, un asceta cristiano del siglo V que, según la leyenda, vivió encaramado sobre una columna durante 37 años entregado a la oración, el ayuno y la penitencia. Soord lo encontró muy apropiado.
Haken es una de las bandas más relevantes del prog rock actual. Formados en Londres en 2007, llevan quince años construyendo un sonido que bebe del prog sinfónico clásico, el metal progresivo y el jazz fusion, sin sonar a pastiche de ninguno de ellos.
"Nightingale" fue la primera canción que el teclista Pete Jones presentó a la banda tras su regreso, después de haber sido miembro fundador y de haberse alejado durante más de una década.
Siete minutos que van de momentos delicados a riffs monumentales, con la producción de Jens Bogren dándole una claridad y una energía difíciles de igualar en el género hoy en día.
La canción está inspirada en el cuento *El Ruiseñor* de H.C. Andersen, y su conexión con el ruiseñor — pájaro nacional de Ucrania — adquirió una dimensión especial cuando estalló la guerra en febrero de 2022, pocas semanas antes de su lanzamiento.
La banda lo describe así: "Líricamente, la canción reflexiona sobre el proceso creativo en sí mismo, con un mensaje de que aunque las cosas sean difíciles, debemos recordar ser agradecidos por los aspectos positivos de la vida, sean grandes o pequeños."
Para Remain in Light (1980), Talking Heads decidió adoptar un método de grabación completamente nuevo: en lugar de llegar al estudio con demos ya escritas, los cuatro miembros construyeron partes individuales que podían editarse y ajustarse en la mezcla. El productor Brian Eno descartaba cualquier fragmento que empezara a sonar demasiado a un hit de rock convencional.
El grupo desarrolló la canción a partir de jams extensas, inspiradas en el afrobeat de Fela Kuti, que Eno había introducido a la banda. Byrne describió el proceso como el de "samplers humanos": escuchaban las cintas, aislaban los mejores fragmentos y aprendían a tocarlos repetidamente. De hecho, casi abandonaron la canción. Lo que la salvó fue el riff de bajo de dos compases de Tina Weymouth, que Chris Frantz oyó en su cabeza y le gritó durante la jam.
Para las letras, Byrne se sentó a escuchar sermones de televangelistas, extrayendo frases y construyendo los textos a partir de ellas. El resultado es una meditación sobre la inconsciencia con la que vivimos: la casa, el coche, la mujer, el trabajo... y de repente la pregunta: ¿cómo llegué aquí?
Sobre el vídeo: codirigido por Byrne y la coreógrafa Toni Basil, estudiaron archivos de rituales de tribus africanas, sectas japonesas, personas en trance y evangelistas cristianos. Basil puso a Byrne delante de una cámara y lo dejó solo con esas ideas. El resultado es uno de los vídeos más memorables de los 80, rodado con un presupuesto mínimo. Cuando MTV arrancó seis meses después del lanzamiento, entró en rotación masiva y la canción se convirtió en un icono.
And you may find yourself living in a shotgun shack
And you may find yourself in another part of the world
And you may find yourself behind the wheel of a large automobile
And you may find yourself in a beautiful house, with a beautiful wife
And you may ask yourself, "Well, how did I get here?"
Letting the days go by, let the water hold me down
Letting the days go by, water flowing underground
Into the blue again, after the money's gone
Once in a lifetime, water flowing underground
And you may ask yourself, "How do I work this?"
And you may ask yourself, "Where is that large automobile?"
And you may tell yourself, "This is not my beautiful house"
And you may tell yourself, "This is not my beautiful wife"
Letting the days go by, let the water hold me down
Letting the days go by, water flowing underground
Into the blue again, after the money's gone
Once in a lifetime, water flowing underground
Same as it ever was, same as it ever was
Same as it ever was, same as it ever was
Same as it ever was, same as it ever was
Same as it ever was, same as it ever was
Water dissolving and water removing
There is water at the bottom of the ocean
Under the water, carry the water
Remove the water from the bottom of the ocean
Water dissolving and water removing
Letting the days go by, let the water hold me down
Letting the days go by, water flowing underground
Into the blue again, into the silent water
Under the rocks and stones, there is water underground
Letting the days go by, let the water hold me down
Letting the days go by, water flowing underground
Into the blue again, after the money's gone
Once in a lifetime, water flowing underground
You may ask yourself, "What is that beautiful house?"
You may ask yourself, "Where does that highway go to?"
And you may ask yourself, "Am I right, am I wrong?"
And you may say to yourself, "My God, what have I done?"
Letting the days go by, let the water hold me down
Letting the days go by, water flowing underground
Into the blue again, into the silent water
Under the rocks and stones, there is water underground
Letting the days go by, let the water hold me down
Letting the days go by, water flowing underground
Into the blue again, after the money's gone
Once in a lifetime, water flowing underground
Same as it ever was, same as it ever was
Same as it ever was, look where my hand was
Time isn't holding up, time isn't after us
Same as it ever was, same as it ever was
Same as it ever was, same as it ever was
Same as it ever was, same as it ever was (I couldn't get no rest)
Same as it ever was, hey let's all twist our thumbs
Here comes the twister
Letting the days go by (same as it ever was, same as it ever was)
Letting the days go by (same as it ever was, same as it ever was)
San Francisco, 1982. Patrick Cowley es uno de los grandes arquitectos del Hi-NRG, el sonido electrónico que definía los clubs de la escena gay de la ciudad. Pero en noviembre de 1981 Cowley cayó gravemente enfermo. Moriría un año después, con 32 años, cuando la palabra "SIDA" apenas tenía cuatro meses de existencia oficial. En sus últimos meses terminó la canción sosteniéndose con almohadas en el estudio.
El resultado fue esta pieza: el falsete estratosférico de Sylvester sobre una producción de sintetizadores y caja de ritmos que anticipaba la música de baile de toda una década. La canción llegó al top 10 en Bélgica, Finlandia y Noruega, y aparece en Trading Places (1983), en el documental oscarizado The Times of Harvey Milk (1984), y en la serie It's a Sin (2021), donde suena en una escena de club mientras el protagonista debate sobre los orígenes del VIH.
Una canción grabada al borde del abismo que suena a pura vida.
Suecia, 1992. El underground está dominado por el death metal, el black metal y la música electrónica. Seis músicos deciden hacer exactamente lo contrario: rock progresivo sinfónico de inspiración setentera, con flauta y Mellotron. El resultado es Hybris, uno de los álbumes más silenciosamente influyentes de la década.
"Jordrök" — Humo de tierra — abre el disco y marca el tono desde el primer segundo. La pieza se despliega en secciones que evolucionan sin repetirse, con cambios de compás que reencuadran constantemente el material melódico y motivos recurrentes que sostienen la estructura. Armónicamente se mueve en centros tonales menores e inflexiones modales que acumulan tensión sin resolverla.
Es completamente instrumental. No hay letra hoy. La música no la necesita
