Andrea McArdle - Tomorrow

"Tomorrow" es el gran número del musical "Annie" (Broadway, 1977), con música de Charles Strouse y letra de Martin Charnin. Annie la canta en un momento bajo, cuando acaba de escaparse del orfanato y le habla a un perro callejero de los días mejores que vendrán. Más tarde se repite en el número del gabinete de Roosevelt y en el final del musical. La versión original la cantó Andrea McArdle, que hacía de Annie con 13 años.

Curiosidades:

- Strouse la tenía guardada en un cajón: es una versión reciclada de una canción suya anterior llamada "Replay".

- La historia se sitúa en plena Gran Depresión. El guionista Thomas Meehan la ambientó ahí porque el ánimo de los años 70 (Vietnam, la crisis de Nueva York) era igual de sombrío.

- "Annie" estuvo en cartel 2.377 funciones y ganó siete premios Tony, entre ellos Mejor Musical.

- McArdle empezó siendo la suplente de Annie en las pruebas y acabó quedándose con el papel antes del estreno en Broadway. 

Significado de la letra: es un himno al optimismo. Habla de aguantar hoy porque mañana saldrá el sol, y de afrontar los días grises y solitarios con la barbilla en alto y una sonrisa. Dentro del musical funciona como una pequeña terapia para un país hundido por la Depresión.

Versiones que merecen la pena:

La de la película de 1982, con Aileen Quinn como Annie. Es la que muchos conocen, y la de 2014, con Quvenzhané Wallis, la moderniza.

La de Sydnie Christmas, de su álbum debut "My Way" (2024). Con esta canción consiguió el Golden Buzzer de Amanda Holden en su audición de "Britain's Got Talent" 2024, un programa que acabó ganando. Su audición acumula más de 40 millones de visualizaciones en redes. Ella cuenta que "Tomorrow" fue la primera canción que cantó de verdad, subida a un banco en el patio del colegio con solo cuatro o cinco años.

Videoclip (Andrea McArdle, Broadway): 

Versión película 1982 (Aileen Quinn): 

Versión Sydnie Christmas (audición BGT): 

Letra: 

The sun'll come out

Tomorrow

Bet your bottom dollar

That tomorrow

There'll be sun!

Just thinkin' about

Tomorrow

Clears away the cobwebs

And the sorrow

'Til there's none!

When I'm stuck with a day

That's grey

And lonely

I just stick out my chin

And grin

And say

Oh!

The sun'll come out

Tomorrow

So ya gotta hang on

'Til tomorrow

Come what may

Tomorrow, tomorrow!

I love ya tomorrow!

You're always

A day

Away!

When I'm stuck with a day

That's grey

And lonely

I just stick out my chin

And grin

And say

Oh!

The sun'll come out

Tomorrow

So ya gotta hang on

'Til tomorrow

Come what may

Tomorrow, tomorrow!

I love ya tomorrow!

You're always

A day

Away!

Tomorrow, tomorrow!

I love ya tomorrow!

You're always

A day

Away!

The Cure - Inbetween Days

"Inbetween Days" salió el 19 de julio de 1985 como primer single de "The Head on the Door", el álbum con el que The Cure se abrieron al gran público. Fue su primer tema en entrar en el Billboard Hot 100 de EE. UU. (puesto 99) y llegó al número 15 en Reino Unido.

Robert Smith la definió como lo más simple que había escrito desde "Boys Don't Cry". Todo gira en torno a una guitarra acústica rasgada a toda velocidad y unos teclados brillantes. Curiosamente, en esa época Smith seguía siendo guitarrista de Siouxsie and the Banshees y compaginaba ambas bandas.

El videoclip lo dirigió Tim Pope y se rodó el 18 de junio de 1985 en los estudios Fulham, en Londres. La banda aparece maquillada con colores fluorescentes, con calcetines dibujados flotando por detrás y cámaras giratorias, algunas sujetas al propio Smith y a Porl Thompson. Smith contó que quisieron mostrarse tal como eran, sin glamour. Es uno de sus clips más recordados.

La canción ha aparecido en varias listas de las mejores de la banda. Mojo la colocó en el puesto 2 en 2023.

Significado de la letra: bajo la melodía alegre hay una canción de pérdida. Smith la describió como una típica historia de "se va y vuelve" entre chico y chica. El narrador siente pánico ante la idea de que la otra persona se marche y no sabe cómo dejar de aferrarse a ella. También dijo que la letra gira en torno a tríos de cosas: días, personas, lugares, edades. Es la mezcla de música luminosa y letra triste tan típica de The Cure.

Versión: Ben Folds hizo una versión sustituyendo las guitarras por piano, y Superchunk también la versionaron en 2010.

Letra: 

Yesterday, I got so old

I felt like I could die

Yesterday, I got so old

It made me want to cry

Go on, go on, just walk away

Go on, go on, your choice is made

Go on, go on, and disappear

Go on, go on, away from here

And I know I was wrong when I said it was true

That it couldn't be me and be her in between

Without you

Without you

Yesterday, I got so scared

I shivered like a child

Yesterday, away from you

It froze me deep inside

Come back, come back, don't walk away

Come back, come back, come back today

Come back, come back, why can't you see?

Come back, come back, come back to me

And I know I was wrong when I said it was true

That it couldn't be me and be her in between

Without you

Without you

Without you

Without you

Without you

Without you

Without you

Without you

Echo & The Bunnymen - Never Stop

Después de "The Cutter", los de Liverpool publicaron este single el 8 de julio de 1983, justo antes de "The Killing Moon". Salió suelto y no pertenecía a ningún álbum de estudio. Hasta 1985 no entró en un disco, el recopilatorio "Songs to Learn & Sing".

Es de los temas más bailables de su carrera. Mezcla las guitarras de Will Sergeant, las cuerdas y un pulso casi de pista de baile. La firman los cuatro miembros: Ian McCulloch, Will Sergeant, Les Pattinson y Pete de Freitas. Poco después de salir el single, el grupo lo tocó en Top of the Pops.

La letra habla de una relación y de la necesidad de no rendirse. Hay un tono de súplica y de orgullo a la vez: el amor que has encontrado no debe parar, y nadie debe decirte cuándo parar. Es una canción sobre la insistencia, aunque no se sepa muy bien hacia dónde se va.

Una versión que vale la pena: "Never Stop (Discotheque)", la mezcla de la edición en 12 pulgadas, más larga y más discotequera. Esa versión sonó en la película "The History Boys" (2006) y aparece en su banda sonora.

Letra: 

Good God, you said

Is that the only thing you care about

Splitting up the money

And share it out

The cake's being eaten

Straight through the mouth

Poison Poised to come back in

Season For all the ones who lack

Reason

Measure by measure, drop by drop

And pound for pound, we're taking stock

Of all the treasure still unlocked

The love you found must never stop

The king is dead

And long live the people who aim above

All the simple stuff never understood

Like right from bad and wrong from good

Deny That you were ever tempted by the

Lie That there's an answer in the

Sky

Measure by measure, drop by drop

And pound for pound, we're taking stock

Of all the treasure still unlocked

The love you found must never stop

Oh, oh Oh, oh Oh, oh Oh, oh

Never stop Never stop

Never stop Never stop

Never stop Never stop

Never stop Never stop Never stop

Measure by measure, drop by drop

And pound for pound, we're taking stock

Of all the treasure still unlocked

The love you found must never

Measure by measure, drop by drop

And pound for pound, we're taking stock

Of all the treasure still unlocked

The love you found must never stop

Never stop

(Stop stop) Never stop (Stop)

Never stop (Stop stop)

Never stop (Stop stop stop)

Never stop (Stop stop stop)

Never stop

Oques Grasses & Rita Payés - La Gent que Estimo

"La Gent que Estimo" es una colaboración de Oques Grasses con Rita Payés, trombonista y cantante de jazz nacida en 1999. Salió como single en 2021 y forma parte del álbum "A tope amb la vida". La firman Josep Montero, líder del grupo, y la propia Rita. En 2022 ganó el premio Enderrock a la mejor canción.

Curiosidades: la portada del disco muestra a los miembros del grupo convertidos en ancianos, un guiño a los más castigados por la pandemia. La canción también sonó en la película de Netflix "A través de mi ventana: Mirándote a ti". Y en directo era un momento de abrazos y lágrimas, hasta el punto de que hay quien recuerda la primera nota como una explosión de emoción colectiva.

Oques Grasses se formó en Osona en 2010 y fue uno de los grupos más grandes de la música catalana. En noviembre de 2025 anunciaron su disolución, y esta semana se han despedido con cuatro conciertos en el Estadi Olímpic de Barcelona. El de hoy, 10 de octubre de 2026, ha sido el último, poniendo punto final a 16 años de carrera. Una canción que habla de despedidas y de agradecer lo vivido no podía ser más oportuna para el día de hoy.

Significado de la letra: es una canción de amor y memoria. Habla de cargar con las palabras de alguien que ya no está, o que ya no es lo mismo, y de querer mucho y tener miedo a la vez. Entre las dudas y el "que todo se vaya a la mierda", acaba en una idea optimista: vivimos entre el milagro y el desastre, y seguir aquí ya es una suerte.

Letra: 

Porto amb mi les coses que em vas dir

El teu amor, el meu verí

Una part de tu em floreix a dins

El meu amor, el meu destí

Sóc feliç

Prop del perill

Només sóc com un desig

Com un desig

Queda amor

En aquest món

I t'estimo molt

I t'estimo molt

I també tinc por

Sempre porto un tros d'ahir

I un altre cop m'escapo

I un altre cop m'escapo

Sempre porto un tros d'ahir

I un altre cop m'escapo

Van plorant els núvols grisos

I ens fan enyorar el bon temps

El record del quе vam ser

Que tot se'n vagi a la mеrda

Eh-eh-eh

Recordo que t'ho vaig dir

Que seria millor així

No sé res però m'ho vull creure

Que al final sé decidir

Si en el fons som la veritat

De tot el que ens ha passat

Som la sort de seguir aquí

Tan estrany I tan bonic

Entre el miracle I el desastre és on vivim

Cel de llums per fer-te feliç

Brilla la nit I ho fa per tu perquè ets aquí

Tan estrany I tan bonic

Entre el miracle I el desastre és on vivim

Cel de llums per fer-te feliç

Brilla la nit I ho fa per tu perquè ets aquí

Segur que sí

Sempre porto un tros d'ahir

I un altre cop m'escapo

I un altre cop m'escapo

Sempre porto un tros d'ahir

I un altre cop m'escapo

I un altre cop m'escapo

Van Der Graaf Generator - Refugees

"Refugees" abrió la cara más melancólica de Van Der Graaf Generator. Aparece en el álbum "The Least We Can Do Is Wave to Each Other" (1970), el segundo de la banda y el primero en el que suenan con personalidad propia. La compuso Peter Hammill, y la flauta de David Jackson le da un aire frágil que contrasta con la fama de oscuros y densos que tenían.

Curiosidades:

- Mike y Susie, los que salen en la letra, son Mike McLean y la actriz Susan Penhaligon. Hammill compartió piso con ellos seis meses y, cuando llegó el momento de separarse, escribió la canción.

- Se convirtió en una de las canciones más emblemáticas del grupo. La han tocado en directo mil veces, tanto ellos como Hammill en solitario.

- Robert Fripp llegó a comparar a Hammill con Hendrix, pero cantando. Y a los punks británicos, que odiaban casi todo el rock progresivo, esta banda les caía bien.

Significado de la letra: empieza recorriendo los puntos cardinales como etapas de una vida: el norte frío, el sur seco, el este luminoso. Acaba en el oeste, que es el lugar del reencuentro con los amigos, el hogar y el final del camino. Hammill empezó hablando de la nostalgia de una mudanza y terminó hablando de algo más grande. Lo resumió él mismo: todos somos refugiados y no hay más hogar que la esperanza.

Videoclip (promo de 1970, versión single): 

Versión: ese mismo año salió una versión single, más corta (5:24) y con cuerdas y clavicémbalo en la segunda mitad. Suena más solemne que la del álbum, aunque hay quien la encuentra algo sobrecargada. Aquí el audio: 

Letra: 

North was somewhere years ago and cold:

Ice locked the people's hearts and made them old.

South was birth to pleasant lands, but dry:

I walked the waters' depths and played my mind.

East was dawn, coming alive in the golden sun:

The winds came, gently, several heads became one

In the summertime, though August people sneered;

We were at peace, and we cheered.

We walked alone, sometimes hand in hand,

Between the thin lines marking sea and sand;

Smiling very peacefully,

We began to notice that we could be free,

And we moved together to the West.

West is where all days will someday end;

Where the colours turn from grey to gold,

And you can be with the friends.

And light flakes the golden clouds above all;

West is Mike and Susie,

West is where I love.

There we shall spend our final days of our lives;

Tell the same old stories: yeah well,

At least we tried.

Into the West, smiles on our faces, we'll go;

Oh, yes, and our apologies to those

Who'll never really know the way.

We're refugees, walking away from the life

That we've known and loved;

Nothing to do or say, nowhere to stay;

Now we are alone.

We're refugees, carrying all we own

In brown bags, tied up with string;

Nothing to think, it doesn't mean a thing,

But we'll be happy on our own.

West is Mike and Susie;

West is where I love,

West is refugees' home.

Niña de Antequera - Con los bracitos en cruz

Hoy toca copla de las que encogen el corazón. "Con los bracitos en cruz" es una nana-bolero compuesta por Manuel Naranjo, José Alfonso Sánchez y Andrés Molina Moles. La versión que más suena de la Niña de Antequera figura fechada en 1964.

María Barrús Martínez, que es el nombre real de la Niña de Antequera, nació en 1921. Aunque tomó el apodo de Antequera, se crió en Jaén y empezó a cantar con doce años. Fue cancionista y cantaora, y llegó a recibir en Madrid la Banda del Estrellato. Murió en 1972 en un accidente de tráfico en Sevilla.

La letra la canta una madre soltera a su bebé mientras duerme. Le promete cariño y le pide que la quiera aunque la gente murmure. Asume la culpa de que el niño no tenga el apellido del padre y jura que irá a buscarlo, "con los bracitos en cruz", como quien suplica. El tema retrata el estigma social de las madres solteras de la época y la condena que pesaba sobre ellas.

Versiones: la canción ha tenido una segunda vida gracias a Antonio Cortés, que la grabó en su disco "Lo que a mí me está pasando" (2010), el que salió tras su paso por "Se Llama Copla" y que llegó a disco de oro. Según un blog especializado en copla, en su interpretación aparece también una nana popular rumana. También la ha cantado Antoñita Peñuela.

Enlace (Niña de Antequera): 

Versión de Antonio Cortés: 

Letra: 

Cubierto en blancos pañales

Mi niño duerme en su cuna

Mientras besan los cristales

Los rayitos de la luna

A la nanita mi niño

No llores ni tengas pena

Yo te daré mi cariño

Porque soy una mare buena

Si tienes un apellío

La culpa es mía na má

Porque perdí mi sentío

Una pura madrugá

Déjame que ponga un beso en tu frente

Quiéreme aunque murmure la gente

Yo te he llevao en mis entrañas

Te di sangre de mis venas

Dime tú a mí, rey de España

Si no es grande mi condena

Con los bracitos en cruz

Iré a buscar a tu padre

Lo juro por mi salud

Pa que siempre sepas tú

Lo buena que es una mare.

El Pony Pisador - Dolores

"Dolores" es el tema que abre el disco "Matricular una galera" (2019), el segundo álbum de El Pony Pisador, un grupo de folk de Barcelona que mezcla música celta, shanties marineras y mucho humor. Es una pieza instrumental de más de seis minutos que enlaza tres jigs tradicionales irlandeses: "Calliope House", "When The Cock Crows It Is Day" y "Up Leitrim".

El título es un homenaje a Dolores, la madre de Ramon, uno de los miembros del grupo. Les dejó ensayar en su casa durante tres años y fue muy amable con ellos, y la banda hace extensivo el agradecimiento a las familias de todos, que también los aguantaron ensayando. Con el tema quisieron mostrar su amor por la música celta y contar musicalmente la historia del grupo: empiezan Adrià y Ramon, enseguida se suma Guillem con el banjo y los tres tocan juntos la melodía del primer jig. El videoclip lo grabó y montó Adrià González, "Pintamones".

Curiosidades del grupo: el nombre sale de la posada "El Pony Pisador" (The Prancing Pony), en el pueblo de Bree de "El Señor de los Anillos". La idea de montar la banda se les ocurrió a Ramon y Adrià en el bachillerato, y al principio imaginaban tocar "música para fiestas de hobbits". Cantan sobre todo en inglés y catalán, y nunca han ido al mar de verdad.

Otra anécdota: en 2025 el grupo denunció en redes que una banda británica, The Old Time Sailors, había publicado un tema llamado también "Dolores" que sonaba, según ellos, nota por nota igual que el suyo. Decían que solo habían cambiado un poco el tempo y añadido instrumentos, sin acreditarles. Además de este tema, denunciaban parecidos con otros del repertorio y con su forma de actuar en directo.

Bad Omens - Like a Villain

"Like a Villain" es el sexto tema de "The Death of Peace of Mind" (2022), el tercer álbum de Bad Omens, publicado por Sumerian Records. Se estrenó como sencillo el 19 de enero de 2022, más de un mes antes del disco. El videoclip llegó el 2 de febrero.

Es una canción de contrastes: estrofas de voz limpia y atmosférica, un bajo con mucho groove, un estribillo muy emo y un final con un breakdown distorsionado. Es una buena muestra de cómo mezclan metalcore, rock alternativo y electrónica.

Curiosidades sobre el grupo:

- Se formaron en 2015 en Richmond (Virginia), aunque hoy se les asocia con Los Ángeles.

- El nombre "Bad Omens" iba a ser el título de una de sus primeras canciones, que acabó llamándose "Glass Houses".

- Con este álbum, su vocalista Noah Sebastian dijo que se sintió libre como artista, porque escribió sin pensar en lo que se esperaba de ellos.

Significado de la letra: habla de alguien al que otra persona le ha colgado la etiqueta de "malo" para tener dónde descargar su dolor y empezar de cero. El narrador se niega a aceptar ese papel con la idea de "no necesité ser el villano, el papel me necesitó a mí". Es una canción sobre relaciones tóxicas y sobre cómo la culpa se reparte de forma injusta.

Hay una versión en directo de 2024 que también vale la pena escuchar, para ver cómo suena con más crudeza.

Letra: 

Look into my face, then look again

We are not the same, we're different

To tell your tales and fables, you couldn't wait

You need a new clean slate without the dents

A place to put your pain, your consequence

When you look into the mirror, are you even there?

I don't wanna know all your secrets 'cause I'll tell

It's hard enough being alone with myself

I don't know how long I'll be holding on

I know you tried your hardest, I know that you meant well

But you pushed me to the edge and I slipped, and then I fell

I don't know how long I'll be holding on

So write a brand-new page, then write again

I know your act is staged yet you pretend

All while you're turning tables with missing legs

I think you've overstayed your welcome in

So go the fuck away, don't come again

I'll see your face in the fire and burn it out

I don't wanna know all your secrets 'cause I'll tell

It's hard enough being alone with myself

I don't know how long I'll be holding on

I know you tried your hardest, I know that you meant well

But you pushed me to the edge and I slipped, and then I fell

I don't know how long I'll be holding on

Like a villain, I couldn't be

I didn't need it, it needed me

Like a villain, I couldn't be

I didn't need it, it needed me

I didn't need it, it needed me

I don't wanna know all your secrets 'cause I'll tell

It's hard enough being alone with myself

I don't know how long I'll be holding on

I know you tried your hardest, I know that you meant well

But you pushed me to the edge and I slipped, and then I fell

I don't know how long I'll be holding on

I didn't need it, it needed me

Milo J - Cuando el agua hirviendo

"Cuando el agua hirviendo" es el segundo tema de "La vida era más corta", el tercer álbum en solitario de Milo J, publicado el 25 de septiembre de 2025 por Sony Music Latin. El disco tiene 15 canciones y lo produjo el propio Milo junto a Tatool y Santiago Alvarado. Mezcla trap con folclore argentino, tango y electrónica, y cuenta con invitados como Mercedes Sosa, Silvio Rodríguez, Trueno, Soledad Pastorutti y Cuti y Roberto Carabajal.

Curiosidades:

Milo J se llama en realidad Camilo Joaquín Villarruel, es de Morón y tenía solo 18 años cuando sacó este disco. Lo cumplió siendo ya uno de los nombres más grandes del trap argentino, y poco después se convirtió en el artista más joven en llenar el estadio de Vélez.

La canción no es un trap al uso. Tiene una base rítmica alegre y unos coros de estilo murguero que, según la crítica, recuerdan a Agarrate Catalina, la murga uruguaya que aparece en los créditos del álbum.

Dura 2:56 y no tiene videoclip como tal. El álbum se acompañó de visualizers grabados en un único plano secuencia, y este es uno de ellos.

De qué va:

Es una canción sobre el arrepentimiento y la soledad. Habla de ese momento en que ya no te duele lo que antes quemaba, en que miras atrás y ves lo tonto que fuiste y lo equivocado que sigues estando. Hay una persona que fue feliz sin darse cuenta de que nada dura para siempre, y que ahora vive con miedo a volver a amar. En la segunda parte Milo da el giro y habla en primera persona, admitiendo que siente el malestar de querer ser alguien que ya no está. Ahí encuentra el "porqué" de su soledad.

Letra: 

Cuando el agua hirviendo no queme más

Y seas esclavo de tu historial

Cuando te sinceres con esas lágrimas mal tiradas

Cuando suene raro escuchar un sí

Y pidas al tiempo volver atrás

Cuando veas las páginas no leídas que están pasadas

Cuando veas lo tonto que fuiste ayer

Y lo equivocado que aún estás

Fuiste tan feliz que no comprendiste que no es por siempre

Solo estás y solo aprendiste a estar

Por vivir con miedo a volver a amar

Ojalá te quieran como quisiste

Tres golpes, tres golpes, tres golpes no más

Y al son de la Villa Nueva, tres golpes no más

Tres golpes, tres golpes, tres golpes no más

Y al son de la Villa Nueva, tres golpes no más

Ahora estoy sintiendo ese malestar

De querer ser alguien que ya no está

Justo ahí es el cuándo de mi porqué

Y ese es el porqué de mi soledad

Dando pasos cortos hacia el altar

Pero pasos largos a progresar

En el juego sucio de ser feliz sin sufrir el doble

Solo estás y solo aprendiste a estar

Por vivir con miedo a volver a amar

Ojalá te quieran como quisiste

Qué mal se debe estar vivo pa que el fin no nos asuste

No encuentro un puto velero en el camino de las luces

Sigo enojado conmigo, estoy malauguriando con el cuerpo de otra gente

Por los rincones oscuros del camino de las luces

Tres golpes, tres golpes, tres golpes no más (ayudame con esto)

Y al son de la Villa Nueva, tres golpes no más (no me des más consejos)

Tres golpes, tres golpes, tres golpes no más (miro el peso del tiempo)

Y al son de la Villa Nueva, tres golpes no más

Cuando el agua hirviendo no queme más

Y seas esclavo de tu historial

Cuando te sinceres con esas lágrimas mal tiradas

Solo estás y solo aprendiste a estar

Por vivir con miedo a volver a amar

Ojalá te quieran

Izal - Pausa

"Pausa" es el segundo adelanto de "Autoterapia", el cuarto álbum de Izal, que salió el 9 de marzo de 2018. Fue el último tema que compusieron para el disco y la apuesta es el "menos es más": muy pocos elementos y un ritmo lento. De hecho, se considera probablemente la canción más lenta de su discografía.

Curiosidades:

- El videoclip se estrenó el 23 de febrero de 2018 y lo protagoniza la patinadora olímpica Sonia Lafuente, que hace una exhibición de patinaje artístico en un único plano secuencia, sin cortes.

- Lo dirigieron Ángela y Manu Notario, de AfterliVe.

- Entró en tendencias de YouTube el día de su estreno y superó las 200.000 reproducciones en pocos días.

- El grupo, madrileño y con Mikel Izal al frente, hoy ya es historia, y "Pausa" sigue siendo una de sus canciones más recordadas.

Significado de la letra: habla de las ganas de detener el tiempo, de tomarse un respiro del ruido y de la prisa, y de quedarse en un momento concreto con alguien. Es una canción de calma y de emoción contenida, abierta a que cada oyente la lleve a su terreno.

Videoclip: 

Hay una versión que merece la pena, la grabada en los "Estudios Reno" de Madrid. Es más íntima y desnuda, y funciona muy bien con la canción: 

Letra: 

Yo solo pido pausa y tú me das ojos de huracán

Yo solo pido calma y tú haces espuma el agua del mar

Solo pido silencio y gritas que no digo la verdad

¿Tú qué sabrás?

Si despiertas lejos de esta casa

¿Tú qué sabrás?

Si no vives dentro de esta jaula

Yo solo quiero pausa (tú, rebobinar)

Yo solo busco un ritmo lento, tú velocidad

Yo solo pido una dulce mentira, tú toda la verdad

¿Tú qué sabrás?

Si despiertas lejos de esta casa

¿Y tú qué sabrás?

Si no vives dentro de esta jaula

¿Tú qué sabrás?

Si nunca nadaste en mis entrañas

¿Tú qué sabrás?

Si no vives dentro de esta jaula

Falling In Reverse - The Drug in Me Is Reimagined

Versión reimaginada de "The Drug in Me Is You", el tema que da nombre al álbum debut de Falling In Reverse, publicado en 2011 por Epitaph Records. Se lanzó el 13 de febrero de 2020 para celebrar que el disco alcanzó el disco de oro en Estados Unidos. Aquí Ronnie Radke cambia el post-hardcore por un piano y cuerdas, y la canción va creciendo hasta un final explosivo.

Ronnie dijo que no la hizo para ganar fans nuevos, sino para los de siempre. Quería desnudar la música para que se notara lo crudas que son las letras. Y funciona: sin las guitarras, la voz queda totalmente expuesta.

Una curiosidad: Falling In Reverse nació tras la salida de Ronnie de Escape the Fate y después de pasar por la cárcel, algo que marcó la etapa de este primer disco. Repitió la jugada en 2021 con "I'm Not a Vampire (Revamped)", otra revisión de un tema del mismo álbum, con un videoclip de estética gótica.

Significado de la letra: habla de una relación tóxica y de la adicción. La otra persona funciona como una droga: te hace daño, lo sabes y aun así no puedes dejarla. En esta versión suena más a confesión y menos a rabia.

Letra: 

I heard a knock upon my door the other day

I opened it to find death staring in my face

The feel of mortal stalking still reverberates

Everywhere I go, I drag this coffin just in case

My body's trembling, sends shivers down my spine

Adrenaline kicks in, shifts into overdrive

Your secrets keep you sick, your lies keep you alive

Snake eyes every single time you roll with crooked dice

I felt the darkness as it tried to pull me down

The kind of dark that haunts a hundred-year-old house

I wrestle with my thoughts, I shook the hand of doubt

Running from my past, I'm praying, "Feet, don't fail me now"

I've lost my goddamn mind, it happens all the time

I can't believe I'm actually meant to be here

Trying to consume, the drug in me is you

And I'm so high on misery, can't you see?

I've got these questions always running through my head

So many things that I would like to understand

If we are born to die and we all die to live

Then what's the point of living life if it just contradicts?

I felt the darkness as it tried to pull me down

The kind of dark that haunts a hundred-year-old house

I wrestle with my thoughts, I shook the hand of doubt

Running from my past, I'm praying, "Feet, don't fail me now"

I've lost my goddamn mind, it happens all the time

I can't believe I'm actually meant to be here

Trying to consume, the drug in me is you

And I'm so high on misery, can't you see?

I've lost myself

You tried to reach me, but you just can't help me

So long, goodbye

You tried to save me, it won't work this time 'cause now

I've lost my fucking mind, and there's no fucking time

I can't believe I'm actually meant to be here

Trying to consume, the drug in me is you

And I'm so high on misery, can't you see?

Can't you see?

Can't you see?

Can't you, can't you, can't you see?

Can't you see?

Guitarricadelafuente - La nieve

"La nieve" es la canción original de la película "La bola negra", de Javier Calvo y Javier Ambrossi (Los Javis), y Guitarricadelafuente la publicó el 18 de septiembre de 2026. La producción es de Raül Refree, con piano, violín y trompeta. La trompeta es el instrumento del personaje que interpreta el propio Álvaro Lafuente en su debut como actor, Sebastián.

Curiosidades:

- La película parte de una novela inacabada de Federico García Lorca, de la que solo escribió cuatro páginas antes de ser asesinado en 1936. Fue elegida para representar a España en los Óscar, y la canción se ha presentado a Mejor Canción Original.

- Suena en una de las secuencias más emotivas del final, ambientada bajo la nieve.

- Guitarrica contó que tuvo que habitar primero el universo de Sebastián como actor para encontrar la canción.

- Su nombre artístico une "guitarrica", el diminutivo aragonés de guitarra, con su apellido, Lafuente. Empezó a tocar a los 14 años de forma autodidacta y se dio a conocer con vídeos caseros. Su primer disco fue "La cantera" (2022), al que siguió "Spanish Leather".

- El 2 de octubre cerró la gira de "Spanish Leather" en el Movistar Arena de Madrid.

Significado de la letra:

Se inspira en una de las últimas cartas de Lorca a Juan Ramírez de Lucas y en todo lo que el poeta y el personaje nunca llegaron a decir. Habla del deseo guardado, de la memoria y de palabras que ardieron sin llegar a pronunciarse. La nieve aparece como el lugar al que se llega al final, entre el fuego y el frío.

Letra: 

Guardo el deseo en un camafeo

Reliquia, imperio andaluz

Espero el instante de esta tierra gigante

De hacerte un destello de luz

No pestañeo

Mira qué tontería

Arden las turbias palabras que nunca prendí

Y tú

Llegó el primero, donde arden mil fuegos

De carne y lucero, es mi cruz

Mira de frente, como hacía a los veinte

¿Y quién no le teme al Sol?

Llego a la nieve

Mira qué tontería

Arden las turbias palabras que nunca prendí

Y tú

Arnau Gari - Last Words

Hoy toca descubrir a un compositor joven y de casa: Arnau Gari, nacido en Barcelona en 2003. "Last Words" es, según él mismo cuenta, su pieza más popular hasta ahora, con más de 50.000 reproducciones en Spotify.

La pieza es instrumental y la interpreta una orquesta sinfónica en directo en Bratislava. Refleja la despedida y el último aliento antes de la muerte de un ser querido. Es música para escuchar con calma y sin prisa, de las que se entienden sin necesidad de palabras.

Curiosidades sobre Arnau: de pequeño le atraía el baile y no descubrió el piano hasta los 13 años. Se enganchó tanto que ya no imaginó su futuro sin música. Primero aprendió por su cuenta y después con profesores. Estudió un máster en la ESMUC, y gracias a él la orquesta de Bratislava pudo grabar composiciones suyas para su Trabajo de Fin de Máster. Él lo describe como un sueño hecho realidad. Sus referentes son bandas sonoras como "Interstellar" y "Oppenheimer", y compositores como Hans Zimmer y Fernando Velázquez. Además ha compuesto música para cortometrajes, un anuncio de Peugeot y un episodio de "Una Mà de Contes", el programa infantil de TV3. Su último single, "First Love", es otra pieza emocional, esta vez para cuarteto de cuerda y piano.

Agent Fresco - See Hell

Agent Fresco son una banda islandesa de math rock formada en Reikiavik, liderada por la voz de Arnór Dan Arnarson. "See Hell" es el segundo single de su disco "Destrier" (2015), un álbum que la banda define en torno al concepto del destrier, el caballo de guerra medieval, como metáfora de una bestia criada para el combate.

La canción nace de una experiencia muy personal de Arnór Dan: la agresión física violenta que sufrió unos años antes de escribir el disco. El cantante explicó que quiso mantenerse cerca de esa rabia y esa angustia mientras componía, alimentándose de esas emociones en bruto durante todo el proceso, hasta el punto de reconocer después que casi cayó en una especie de síndrome de Estocolmo con su propia ira, algo que quisieron plasmar en el videoclip.

El video está dirigido por Freyr Árnason y Gísli Þór Brynjólfsson, y en él aparece el actor Arnar Dan Kristjánsson, a quien Arnór Dan describe como su doble emocional perfecto, entre otras cosas porque sus nombres son casi idénticos.

En cuanto a la letra, "See Hell" habla sobre la violencia, la venganza y sus consecuencias. El narrador describe manos manchadas, atadas, cargadas de rabia contenida, mientras revive una y otra vez escenas de furia que piden "ver el infierno". La canción plantea la tentación de la venganza como una guerra de la que nadie vuelve igual: alimentar ese fuego solo perpetúa el dolor, y el propio protagonista duda entre condenar o coronar ese impulso destructivo que sigue latente en sus manos.

Letra:

I woke up with charcoal hands

Clouds of grime crimes crown their hatred

Fingers bound by iron bands

In palms they stay clenched through the night

Wounds are green, neglected while I

Visit never-ending scenes, where the frenzy speaks

Words of just repeated till bloodlust floods us

We open up to see hell

Keep my teeth so deep into the lips where fury cries;

"I want to see hell"

Pour your oil into their lungs

Let it boil black, blistered tongues

We both know nobody returns home from war

We open up to see hell

Keep my teeth so deep into the lips where fury cries;

"I want to see hell"

I know my hands still reach for hell

Should I feed them the fire?

I know my hands still reach for hell

To condemn or to crown

Drops of bleach, discolor their eyes

Leave them never-ending seas of uncertainty

Still we know nobody returns home from war

To condemn or to crown

When will metronome count alone?

We open up to see hell

Keep my teeth so deep into the lips where fury cries;

"I want to see hell"

I know my hands still reach for hell

Should I feed them the fire?

I know my hands still reach for hell

Should I feed them the fire?

I know my hands still reach for hell

Should I feed them the fire?

I know my hands still reach for hell

See hell

I know my hands still reach for hell

Should I feed them the fire

I know my hands still reach for hell

We'll leave you for now

We'll leave you for now

We'll leave you for now

We'll leave you for now

Agnes Obel - Blood so Red

"Blood so Red" forma parte de "The Meaning of Flowers", el quinto álbum de Agnes Obel, publicado el 18 de septiembre de 2026. Es su primer disco en seis años, desde "Myopia" (2020).

La cantante danesa afincada en Berlín lo escribió, grabó, arregló y produjo ella misma en su estudio. Toca el piano, los teclados y los sintetizadores, y canta (con algunas voces con el tono modificado). El disco está dedicado a su hija, nacida durante estos años de silencio, y el embarazo y la maternidad son el hilo que lo une todo.

Curiosidades:

- La canción nació cuando Agnes jugaba con ritmos, piano y voz, y después la inspiró la lectura de los himnos de Enheduanna a Inanna. Enheduanna fue una sacerdotisa sumeria de hace unos 4.300 años, considerada la primera autora conocida por su nombre. Inanna es la diosa del parto, el amor, el sexo, el canto y la guerra.

- Para el álbum también se inspiró en el concepto de natalidad de Hannah Arendt.

- Musicalmente, el ritmo del piano y la percusión, casi como un tictac, contrasta con la voz hipnótica y las cuerdas, que fluyen sin cortes.

Significado de la letra: la canción habla de la experiencia primitiva del parto. Obel dice que los textos de Enheduanna se colaron en la canción y reforzaron sus propias revelaciones sobre el parto y las leyes del cuerpo, esas vivencias que están fuera del lenguaje y que nos conectan a través del tiempo y del espacio. La sangre del título es la del cuerpo que da vida.

Letra:

Blood so red on the ground

Just so red on the ground

The day the roofless son comes by

And leaves with your life

Keep yours with you

I see Inanna

Oh Inanna lays all to waste

Oh Inanna lays all to waste

Ten months away

Just so red, cut me out

Just so red, she calls me out

He was just so brave

Just to hold her head

Two souls, one chain

Uh what, what if we never make it?

Oh Inanna lays all to waste

Oh Inanna, lay all to waste!

Send her in now, send them in now

Tangerine clouds settling down

Send her in now, send them in now

Tangerine clouds settling down

Send her in now, send them in now

Tangerine clouds settling down

Send her in now, send them in now

Tangerine clouds settling down

Iván Herzog - Ojalá

Hoy toca una canción recién salida del horno, aunque con pasado. "Ojalá" es el tercer tema de "Disco de cristal", el segundo álbum de Iván Herzog, publicado el 18 de septiembre de 2026 con Halley Records. Dura 4:09 y la produce el propio Iván, con Héctor Quevedo como ingeniero de sonido.

Iván es de Cambrils (Tarragona) y la música le viene de casa. Es hijo de Mikel Herzog, que representó a España en Eurovisión 1998 con "¿Qué voy a hacer sin ti?" y quedó decimosexto, y de Mavi, corista de Isabel Pantoja. Su hermano, Mikel Herzog Jr., también es músico. Iván estuvo en el elenco del musical "We Will Rock You" en Madrid, y su tema en catalán "Et prometo" se hizo viral en 2025.

La curiosidad es que "Ojalá" no es una canción nueva. Ya la cantaba en directo en 2021, en un concierto en Barcelona con piano y guitarra, y en una entrevista de 2022 la citaba entre las imprescindibles de su repertorio, junto a "Nunca jamás", "Donde pierdo la paz" y "Cuanto quiero". La describía como más sencilla y directa que otras suyas. Ahora entra por fin en un disco. Él mismo lo anunciaba en TikTok con un "Ojalá cae en el Disco de Cristal 100%".

Sobre el significado, el disco gira en torno a reivindicar lo frágil, lo extraño y lo contradictorio como parte de la identidad. "Ojalá" encaja en esa línea, como un deseo dicho sin filtros, que es lo que expresa la palabra que da título a la canción.

Aquí va la versión anterior, subida a YouTube en 2020, para comparar cómo ha cambiado el tema: 

Letra: 

Probablemente ya te has ido

Ya has encontrado tu lugar

En tu silencio no haré ruido

Y si me escuchas dará igual

Probablemente habrá un viaje

Y cada vez que des un paso un deja vú

Y te echaré de menos y tú tal vez de más

Probablemente estaré solo

Empezaré a filosofar

Elegiré cualquier descarte

Y si te pienso existirás

Seré tal vez ese motivo de un celoso que no

Entiende que esta vez

No pinto nada y ya da igual

Pero ojalá seas más feliz que aquí conmigo

Ojalá este sea el camino para tu felicidad

Ojalá te sea más útil como amigo

Y entendamos que el destino

Me guardó en ti ese lugar

Y así aunque estemos lejos

Tú en Lisboa y yo en Shanghai

Con 100 mares de por medio y un volcán

Yo estaré contigo

Para coserte una herida abierta

Para sacar un clavo ardiendo en tu pared

Para mandarlo todo a la mierda

Para arreglar el mundo entre café y café

Has de saber que para ti no habra peaje impuesto precio ni caché

Si sé que algo te falta

Yo ahí estaré

Pero ojalá seas más feliz que aquí conmigo

Ojalá este sea el camino para tu felicidad

Ojalá te sea más útil como amigo

Y entendamos que el destino

Me guardó en ti ese lugar

Y así aunque estemos lejos

Tú en Lisboa y yo en Shanghai

Con 100 mares de por medio y un volcán

Yo estaré contigo

Probablemente ya te has ido

Y has encontrado tu lugar

Jump, Little Children - Cathedrals

"Cathedrals" es una de las canciones más queridas de Jump, Little Children, banda de indie rock formada en 1991 en Winston-Salem (Carolina del Norte) y afincada después en Charleston (Carolina del Sur). El nombre del grupo, curiosamente, viene de una canción de blues de Leroy Dallas versionada por Sonny Terry y Brownie McGhee.

El tema apareció en 1998 en Magazine, el álbum con el que debutaron en una discográfica grande (Atlantic). Aunque el disco apostaba por un sonido más eléctrico, fue precisamente esta balada acústica, con arreglos de cuerda y protagonismo del chelo de Ward Williams, la que más caló en la radio y se convirtió en un clásico de sus directos. Escrita por el cantante Jay Clifford, "Cathedrals" sigue siendo, más de veinticinco años después, uno de los temas que el público más pide en sus conciertos.

En cuanto a la letra, describe una fila de gente avanzando lentamente entre catedrales de Nueva York y Roma, entre estatuas, mosaicos y vitrales. Más que un relato religioso, funciona como metáfora de la sensación de pequeñez y desarraigo del individuo frente a las grandes instituciones y monumentos: la idea de que, en medio de tanta grandeza, uno siente que "debería irse a casa" y pasarse la vida averiguando dónde está realmente ese hogar.

Vídeo (actuación en directo para Paste Studio, Atlanta):

Merece la pena escuchar también la versión de Ramin Karimloo (actor y cantante conocido por musicales como El fantasma de la ópera), que grabó su propia interpretación del tema para su álbum Human Heart:

Letra: 

In the shadows of tall buildings

Of fallen angels on the ceilings

Oily feathers in bronze and concrete

Faded colors, pieces left incomplete

The line moves slowly past the electric fence

Across the borders between continents

In the cathedrals of New York and Rome

There is a feeling that you should just go home

And spend a lifetime finding out just where that is

In the shadows of tall buildings

The architecture is slowly peeling

Marble statues and glass dividers

Someone is watching all of the outsiders

The line moves slowly through the numbered gate

Past the mosaic of the head of state

(chorus)

In the shadows of tall buildings

Of open arches endlessly kneeling

Sonic landscapes echoing vistas

Someone is listening from a safe distance

The line moves slowly into a fading light

A final moment in the dead of night

Agent Fresco - Pyre

Agent Fresco son una banda islandesa formada en 2008, apenas unas semanas antes de ganar el Músíktilraunir, el concurso de bandas emergentes más importante de Islandia. Su estilo mezcla rock progresivo, art rock y math rock, con la voz muy particular de Arnór Dan Arnarson como sello de identidad. "Pyre" pertenece a su segundo álbum, "Destrier" (2015), un trabajo muy bien recibido por la crítica especializada y que muchos consideran su obra más redonda.

Dentro del disco, "Pyre" destaca por su aire algo más funky y pegadizo que el resto del álbum, sin perder ni un ápice de la complejidad rítmica que caracteriza a la banda. Es una de esas canciones que combinan melodías muy accesibles con arreglos nada convencionales.

La letra habla de una relación tóxica marcada por la soledad y el deseo. La voz narradora reconoce que necesita a la otra persona precisamente por no soportar la soledad ("loneliness has only shown me I can't let you go"), aunque sabe que esa dependencia les está quemando a ambos. La imagen de la pira ("pyre") funciona como metáfora del deseo y del pasado que arde entre los dos: no pueden dejarlo ir, aunque los consuma.

Letra: 

I see your ghost

It finds no rest

Leaning close

From crest of bed

So lonely is the night, pull me in tonight

Loneliness has

Chest races

My best evades

Tongues will climb

And we taste escape

Own me for this night

Hold me close tonight

Loneliness has only shown me I can't let you go

Tainted nails paint the red of tails

You're guiding gust through every trail

Writing lust through every trail

Deep screams underneath these sheets

Pull us tautly

Leave us thrown

Haunt inside me

Leave us thrown

We both belong to longings of past

Can you see the pyre below?

We both belong to longings of wrath

Can you feel the fire grow?

Lonely is the night, pull me in tonight

Loneliness has only shown me I can't let you go

This burning paints us wet with silhouette sweat

Own me for tonight

Hold me close tonight

Loneliness has only shown me

Loneliness has only shown me I can't let you go

This burning paints us wet with silhouette sweat

We both belong to longings of past

Can you see the pyre below?

We both belong to longings of wrath

Can you feel the fire grow?

Loneliness has only shown me

I can't let you go

Slowly show me

How to let you go

After Lapse - Thanks, But No Thanks

After Lapse son una banda española de metal progresivo formada en Madrid en 2018, con el batería Roberto Cappa, el teclista Pablo Sancha y el guitarrista Arturo Rodríguez como núcleo original, procedentes todos de la banda "Delyriüm". Tras varios cambios de formación, en 2021 se asentó la alineación actual y captaron la atención de la agencia danesa Intromental Management, lo que les llevó a fichar por el sello Frontiers Music Srl. 

Debutaron con el álbum "Face The Storm" (2022) y, tras telonear a los veteranos del prog Threshold, publicaron su segundo trabajo, "Pathways" (2024).

"Thanks, But No Thanks" es el segundo single de "Pathways" y salió como adelanto en noviembre de 2024. El teclista Pablo Sancha explicó que la canción es "un canto a la libertad, una forma de superar por fin una situación o una persona que ha tenido demasiado poder y control sobre tu vida". Es, en definitiva, un tema sobre la resiliencia y sobre plantarse y decir NO.

En cuanto a la letra, sigue esa idea de romper con algo o alguien que ha ejercido un control asfixiante: el narrador rechaza volver a ceder terreno y reivindica su derecho a decidir por sí mismo, dejando claro que ya no acepta lo que antes toleraba, de ahí ese "gracias, pero no, gracias" que da título al tema.

Letra: 

Used to be the last in line, a silent moaner

Laying low, my self-esteem was worn down

I sealed my lips and covered up my weary eyes

A smile upon my face, always pretending

Now that I'm free from your spell

No more tears are falling down

Since you're gone I can see

The sun rising

Don't try to break me

I'm done now, so

Leave your lies behind

I won't come around

This is goodbye

My heart will not

Beat for you again

Now that I'm free from your spell

No more tears are falling down

Since you're gone I can see the sun

I'll get back my life

(Oh my life)

There's no way that you can harm me now

Time to break the ties

(Breaking ties)

Cause my soul is screaming loud again,

I rise my voice

Today I'm heard

Sade - Like a Tattoo

 "Like a Tattoo" es el cuarto tema de "Love Deluxe" (1992), el disco con el que Sade volvió tras cuatro años de silencio desde "Stronger Than Pride". La firman Sade Adu, Andrew Hale y Stuart Matthewman, el trío creativo de la banda. El álbum llegó al número 3 de la lista Billboard 200 en Estados Unidos.

Aunque Sade es el nombre del grupo británico, también es el de su cantante, Helen Folasade Adu, nacida en Ibadan (Nigeria).

La canción nació de una conversación real. Sade conoció a un desconocido en un bar irlandés de la calle 14 de Nueva York, que le habló de sus experiencias en la guerra de Vietnam. Ella misma explicó que el tema es su "interpretación" de aquellas historias, y no llegó a precisar si el hombre combatió o no. Lo contó al público en la última noche de la gira de 1993, en San Diego.

Sobre el significado de la letra: habla de un hombre que cuenta dulces mentiras sobre amores mientras arrastra el peso de una verdad que no puede soltar. Se siente responsable de la muerte de alguien en la guerra. La culpa y la vergüenza le acompañan como un tatuaje: permanente, visible e imposible de borrar. La guerra terminó hace tiempo, pero sigue librándose dentro de él.

No hay videoclip oficial, pero merece la pena la versión en directo grabada en San Diego en 1993, donde la canción se vuelve todavía más íntima.

Versión en directo (San Diego, 1993):

Letra:

He told me sweet lies of sweet loves

Heavy with the burden of the truth

And he spoke of his dreams

Broken by the burden

Broken by the burden of his youth

Fourteen years he said

I couldn’t look into the sun

She saw him laying at the end of my gun

Hungry for life

And thirsty for the distant river

I remember his hands

And the way the mountains looked

The light shot diamonds from his eyes

Hungry for life

And thirsty for the distant river

Like the scar of age

Written all over my face

The war is still raging inside of me

I still feel the chill

As I reveal my shame to you

I wear it like a tattoo

I wear it like a tattoo

I wear it like a tattoo

Ramoncín - Hormigón, mujeres y alcohol

Casi todo el mundo la conoce como "Litros de alcohol", pero el título real es "Hormigón, mujeres y alcohol". Abre el disco "Arañando la ciudad" y es una canción que has oído en un bar, en la radio o en las fiestas del pueblo a cargo de la orquesta de turno. Salió en Hispavox en 1981, con letra y música de Ramón J. Márquez (el propio Ramoncín) y Fernando Murias. Es uno de los himnos del rock español. 

Ramoncín nació en Madrid en 1955 y se crió en Vallecas. Empezó cerca del punk británico y su primer disco apareció en 1978. Una actuación suya en televisión provocó la reacción de los sectores más conservadores de la sociedad de la Transición. Años después se pasó a la tele y a presentar concursos como "Lingo".

Significado de la letra: el protagonista jura que no tiene problemas de amor, que lo que pasa es que está loco por privar. Le dice a su chica que se olvide de él, que se va de la ciudad y que ya no la perseguirá. Recuerda la noche del hotel donde se conocieron y cierra con una frase que lo resume todo: ha cambiado el colchón de ella por una botella de champán. Es una justificación del alcoholismo como excusa ante la incapacidad de amar, la típica canción de los ochenta que hoy sería políticamente incorrecta. 

Merece la pena la versión en directo de 1990, del disco "Al límite: Vivo y salvaje". Con ese disco Ramoncín se despidió de su parroquia para dedicarse a la tele. 

Versión en directo (1990):

Letra: 

Litros de alcohol

Corren por mis venas, mujer

No tengo problemas de amor

Lo que me pasa es que estoy loco por privar

No te preocupes más por mí

Voy a dejar esta ciudad

Ya no te voy a perseguir

Solo te pido una vez más

Salta hacia atrás o quítate la ropa, mujer

No provoques más mi pasión

Tengo un fuego dentro que no lo puedo contener

Lluvia de alcohol

Moja mi cabeza al salir

De la habitación del hotel

Donde nos lo hicimos la noche en que te conocí

No necesito más de ti

Ya no me puedes engañar

He cambiado tu colchón

Por una botella de champán

Litros de alcohol corren por mis venas, mujer

No tengo problemas de amor

Lo que me pasa es que estoy loco por privar

Olivia Newton-John - Physical

"Physical" es el tema que definió el año 1981. Escrita por Steve Kipner y Terry Shaddick, en realidad estaba pensada para una voz masculina "macho", como la de Rod Stewart, e incluso se le ofreció antes a Tina Turner a través de su representante Roger Davies. Cuando el mánager de Olivia escuchó la maqueta por casualidad, se la envió directamente a ella, que se enamoró de la canción sin saber que no había sido escrita pensando en una mujer.

El single se convirtió en el más exitoso de toda la década de los 80 en Estados Unidos: pasó diez semanas consecutivas en el número 1 del Billboard Hot 100, empatando entonces el récord histórico. El solo de guitarra corre a cargo de Steve Lukather, guitarrista fundador de Toto.

La letra, con frases como "there's nothing left to talk about, unless it's horizontally", resultó tan explícita para la época que varias emisoras de radio y la recién nacida MTV censuraron o directamente prohibieron el tema. Cuentan que la propia Olivia, preocupada por lo atrevido del contenido, pidió que se retirara el single justo cuando ya arrasaba en las listas; en la discográfica le dijeron que era demasiado tarde.

Para suavizar el mensaje, el videoclip (dirigido por Brian Grant) apostó por el humor: Olivia interpreta a una monitora de gimnasio que intenta poner en forma a un grupo de hombres con sobrepeso. Al final, dos de esos hombres se marchan juntos de la mano, dando a entender que son pareja, uno de los primeros guiños gais en un videoclip mainstream. Aquel vídeo, que coincidió con el nacimiento de MTV y con la explosión de la moda del aeróbic (diademas y mallas incluidas), ganó el Grammy al Vídeo del Año en 1982.

En cuanto al significado, la letra juega con el doble sentido de "physical": aparentemente habla de ponerse en forma en el gimnasio, pero en realidad es una invitación directa al sexo, disfrazada bajo el lenguaje del ejercicio físico.

Letra: 

I'm saying all the things that I know you'll like

Making good conversation

I gotta handle you just right

You know what I mean

I took you to an intimate restaurant

Then to a suggestive movie

There's nothing left to talk about

Unless it's horizontally

Let's get physical, physical

I wanna get physical

Let's get into physical

Let me hear your body talk, your body talk

Let me hear your body talk

Let's get physical, physical

I wanna get physical

Let's get into physical

Let me hear your body talk, your body talk

Let me hear your body talk

I've been patient, I've been good

Tried to keep my hands on the table

It's gettin' hard, this holdin' back

You know what I mean

I'm sure you'll understand my point of view

We know each other mentally

You gotta know that you're bringin' out

The animal in me

Let's get physical, physical

I wanna get physical

Let's get into physical

Let me hear your body talk, your body talk

Let me hear your body talk

Let's get physical, physical

I wanna get physical

Let's get into physical

Let me hear your body talk, your body talk

Let me hear your body talk, ah

Oh, let's get physical, physical

I wanna get physical

Let's get into physical

Let me hear your body talk, your body talk

Let me hear your body talk

Let's get animal, animal

I wanna get animal

Let's get into animal

Let me hear your body talk, your body talk

Let me hear your body talk, ah-ah

Let me hear your body talk (Your body talk)

Let me hear your body talk