Hoy toca descubrir a un compositor joven y de casa: Arnau Gari, nacido en Barcelona en 2003. "Last Words" es, según él mismo cuenta, su pieza más popular hasta ahora, con más de 50.000 reproducciones en Spotify.
La pieza es instrumental y la interpreta una orquesta sinfónica en directo en Bratislava. Refleja la despedida y el último aliento antes de la muerte de un ser querido. Es música para escuchar con calma y sin prisa, de las que se entienden sin necesidad de palabras.
Curiosidades sobre Arnau: de pequeño le atraía el baile y no descubrió el piano hasta los 13 años. Se enganchó tanto que ya no imaginó su futuro sin música. Primero aprendió por su cuenta y después con profesores. Estudió un máster en la ESMUC, y gracias a él la orquesta de Bratislava pudo grabar composiciones suyas para su Trabajo de Fin de Máster. Él lo describe como un sueño hecho realidad. Sus referentes son bandas sonoras como "Interstellar" y "Oppenheimer", y compositores como Hans Zimmer y Fernando Velázquez. Además ha compuesto música para cortometrajes, un anuncio de Peugeot y un episodio de "Una Mà de Contes", el programa infantil de TV3. Su último single, "First Love", es otra pieza emocional, esta vez para cuarteto de cuerda y piano.
Agent Fresco son una banda islandesa de math rock formada en Reikiavik, liderada por la voz de Arnór Dan Arnarson. "See Hell" es el segundo single de su disco "Destrier" (2015), un álbum que la banda define en torno al concepto del destrier, el caballo de guerra medieval, como metáfora de una bestia criada para el combate.
La canción nace de una experiencia muy personal de Arnór Dan: la agresión física violenta que sufrió unos años antes de escribir el disco. El cantante explicó que quiso mantenerse cerca de esa rabia y esa angustia mientras componía, alimentándose de esas emociones en bruto durante todo el proceso, hasta el punto de reconocer después que casi cayó en una especie de síndrome de Estocolmo con su propia ira, algo que quisieron plasmar en el videoclip.
El video está dirigido por Freyr Árnason y Gísli Þór Brynjólfsson, y en él aparece el actor Arnar Dan Kristjánsson, a quien Arnór Dan describe como su doble emocional perfecto, entre otras cosas porque sus nombres son casi idénticos.
En cuanto a la letra, "See Hell" habla sobre la violencia, la venganza y sus consecuencias. El narrador describe manos manchadas, atadas, cargadas de rabia contenida, mientras revive una y otra vez escenas de furia que piden "ver el infierno". La canción plantea la tentación de la venganza como una guerra de la que nadie vuelve igual: alimentar ese fuego solo perpetúa el dolor, y el propio protagonista duda entre condenar o coronar ese impulso destructivo que sigue latente en sus manos.
Letra:
I woke up with charcoal hands
Clouds of grime crimes crown their hatred
Fingers bound by iron bands
In palms they stay clenched through the night
Wounds are green, neglected while I
Visit never-ending scenes, where the frenzy speaks
Words of just repeated till bloodlust floods us
We open up to see hell
Keep my teeth so deep into the lips where fury cries;
"I want to see hell"
Pour your oil into their lungs
Let it boil black, blistered tongues
We both know nobody returns home from war
We open up to see hell
Keep my teeth so deep into the lips where fury cries;
"I want to see hell"
I know my hands still reach for hell
Should I feed them the fire?
I know my hands still reach for hell
To condemn or to crown
Drops of bleach, discolor their eyes
Leave them never-ending seas of uncertainty
Still we know nobody returns home from war
To condemn or to crown
When will metronome count alone?
We open up to see hell
Keep my teeth so deep into the lips where fury cries;
"Blood so Red" forma parte de "The Meaning of Flowers", el quinto álbum de Agnes Obel, publicado el 18 de septiembre de 2026. Es su primer disco en seis años, desde "Myopia" (2020).
La cantante danesa afincada en Berlín lo escribió, grabó, arregló y produjo ella misma en su estudio. Toca el piano, los teclados y los sintetizadores, y canta (con algunas voces con el tono modificado). El disco está dedicado a su hija, nacida durante estos años de silencio, y el embarazo y la maternidad son el hilo que lo une todo.
Curiosidades:
- La canción nació cuando Agnes jugaba con ritmos, piano y voz, y después la inspiró la lectura de los himnos de Enheduanna a Inanna. Enheduanna fue una sacerdotisa sumeria de hace unos 4.300 años, considerada la primera autora conocida por su nombre. Inanna es la diosa del parto, el amor, el sexo, el canto y la guerra.
- Para el álbum también se inspiró en el concepto de natalidad de Hannah Arendt.
- Musicalmente, el ritmo del piano y la percusión, casi como un tictac, contrasta con la voz hipnótica y las cuerdas, que fluyen sin cortes.
Significado de la letra: la canción habla de la experiencia primitiva del parto. Obel dice que los textos de Enheduanna se colaron en la canción y reforzaron sus propias revelaciones sobre el parto y las leyes del cuerpo, esas vivencias que están fuera del lenguaje y que nos conectan a través del tiempo y del espacio. La sangre del título es la del cuerpo que da vida.
Hoy toca una canción recién salida del horno, aunque con pasado. "Ojalá" es el tercer tema de "Disco de cristal", el segundo álbum de Iván Herzog, publicado el 18 de septiembre de 2026 con Halley Records. Dura 4:09 y la produce el propio Iván, con Héctor Quevedo como ingeniero de sonido.
Iván es de Cambrils (Tarragona) y la música le viene de casa. Es hijo de Mikel Herzog, que representó a España en Eurovisión 1998 con "¿Qué voy a hacer sin ti?" y quedó decimosexto, y de Mavi, corista de Isabel Pantoja. Su hermano, Mikel Herzog Jr., también es músico. Iván estuvo en el elenco del musical "We Will Rock You" en Madrid, y su tema en catalán "Et prometo" se hizo viral en 2025.
La curiosidad es que "Ojalá" no es una canción nueva. Ya la cantaba en directo en 2021, en un concierto en Barcelona con piano y guitarra, y en una entrevista de 2022 la citaba entre las imprescindibles de su repertorio, junto a "Nunca jamás", "Donde pierdo la paz" y "Cuanto quiero". La describía como más sencilla y directa que otras suyas. Ahora entra por fin en un disco. Él mismo lo anunciaba en TikTok con un "Ojalá cae en el Disco de Cristal 100%".
Sobre el significado, el disco gira en torno a reivindicar lo frágil, lo extraño y lo contradictorio como parte de la identidad. "Ojalá" encaja en esa línea, como un deseo dicho sin filtros, que es lo que expresa la palabra que da título a la canción.
Aquí va la versión anterior, subida a YouTube en 2020, para comparar cómo ha cambiado el tema:
Letra:
Probablemente ya te has ido
Ya has encontrado tu lugar
En tu silencio no haré ruido
Y si me escuchas dará igual
Probablemente habrá un viaje
Y cada vez que des un paso un deja vú
Y te echaré de menos y tú tal vez de más
Probablemente estaré solo
Empezaré a filosofar
Elegiré cualquier descarte
Y si te pienso existirás
Seré tal vez ese motivo de un celoso que no
Entiende que esta vez
No pinto nada y ya da igual
Pero ojalá seas más feliz que aquí conmigo
Ojalá este sea el camino para tu felicidad
Ojalá te sea más útil como amigo
Y entendamos que el destino
Me guardó en ti ese lugar
Y así aunque estemos lejos
Tú en Lisboa y yo en Shanghai
Con 100 mares de por medio y un volcán
Yo estaré contigo
Para coserte una herida abierta
Para sacar un clavo ardiendo en tu pared
Para mandarlo todo a la mierda
Para arreglar el mundo entre café y café
Has de saber que para ti no habra peaje impuesto precio ni caché
"Cathedrals" es una de las canciones más queridas de Jump, Little Children, banda de indie rock formada en 1991 en Winston-Salem (Carolina del Norte) y afincada después en Charleston (Carolina del Sur). El nombre del grupo, curiosamente, viene de una canción de blues de Leroy Dallas versionada por Sonny Terry y Brownie McGhee.
El tema apareció en 1998 en Magazine, el álbum con el que debutaron en una discográfica grande (Atlantic). Aunque el disco apostaba por un sonido más eléctrico, fue precisamente esta balada acústica, con arreglos de cuerda y protagonismo del chelo de Ward Williams, la que más caló en la radio y se convirtió en un clásico de sus directos. Escrita por el cantante Jay Clifford, "Cathedrals" sigue siendo, más de veinticinco años después, uno de los temas que el público más pide en sus conciertos.
En cuanto a la letra, describe una fila de gente avanzando lentamente entre catedrales de Nueva York y Roma, entre estatuas, mosaicos y vitrales. Más que un relato religioso, funciona como metáfora de la sensación de pequeñez y desarraigo del individuo frente a las grandes instituciones y monumentos: la idea de que, en medio de tanta grandeza, uno siente que "debería irse a casa" y pasarse la vida averiguando dónde está realmente ese hogar.
Vídeo (actuación en directo para Paste Studio, Atlanta):
Merece la pena escuchar también la versión de Ramin Karimloo (actor y cantante conocido por musicales como El fantasma de la ópera), que grabó su propia interpretación del tema para su álbum Human Heart:
Letra:
In the shadows of tall buildings
Of fallen angels on the ceilings
Oily feathers in bronze and concrete
Faded colors, pieces left incomplete
The line moves slowly past the electric fence
Across the borders between continents
In the cathedrals of New York and Rome
There is a feeling that you should just go home
And spend a lifetime finding out just where that is
Agent Fresco son una banda islandesa formada en 2008, apenas unas semanas antes de ganar el Músíktilraunir, el concurso de bandas emergentes más importante de Islandia. Su estilo mezcla rock progresivo, art rock y math rock, con la voz muy particular de Arnór Dan Arnarson como sello de identidad. "Pyre" pertenece a su segundo álbum, "Destrier" (2015), un trabajo muy bien recibido por la crítica especializada y que muchos consideran su obra más redonda.
Dentro del disco, "Pyre" destaca por su aire algo más funky y pegadizo que el resto del álbum, sin perder ni un ápice de la complejidad rítmica que caracteriza a la banda. Es una de esas canciones que combinan melodías muy accesibles con arreglos nada convencionales.
La letra habla de una relación tóxica marcada por la soledad y el deseo. La voz narradora reconoce que necesita a la otra persona precisamente por no soportar la soledad ("loneliness has only shown me I can't let you go"), aunque sabe que esa dependencia les está quemando a ambos. La imagen de la pira ("pyre") funciona como metáfora del deseo y del pasado que arde entre los dos: no pueden dejarlo ir, aunque los consuma.
After Lapse son una banda española de metal progresivo formada en Madrid en 2018, con el batería Roberto Cappa, el teclista Pablo Sancha y el guitarrista Arturo Rodríguez como núcleo original, procedentes todos de la banda "Delyriüm". Tras varios cambios de formación, en 2021 se asentó la alineación actual y captaron la atención de la agencia danesa Intromental Management, lo que les llevó a fichar por el sello Frontiers Music Srl.
Debutaron con el álbum "Face The Storm" (2022) y, tras telonear a los veteranos del prog Threshold, publicaron su segundo trabajo, "Pathways" (2024).
"Thanks, But No Thanks" es el segundo single de "Pathways" y salió como adelanto en noviembre de 2024. El teclista Pablo Sancha explicó que la canción es "un canto a la libertad, una forma de superar por fin una situación o una persona que ha tenido demasiado poder y control sobre tu vida". Es, en definitiva, un tema sobre la resiliencia y sobre plantarse y decir NO.
En cuanto a la letra, sigue esa idea de romper con algo o alguien que ha ejercido un control asfixiante: el narrador rechaza volver a ceder terreno y reivindica su derecho a decidir por sí mismo, dejando claro que ya no acepta lo que antes toleraba, de ahí ese "gracias, pero no, gracias" que da título al tema.
"Like a Tattoo" es el cuarto tema de "Love Deluxe" (1992), el disco con el que Sade volvió tras cuatro años de silencio desde "Stronger Than Pride". La firman Sade Adu, Andrew Hale y Stuart Matthewman, el trío creativo de la banda. El álbum llegó al número 3 de la lista Billboard 200 en Estados Unidos.
Aunque Sade es el nombre del grupo británico, también es el de su cantante, Helen Folasade Adu, nacida en Ibadan (Nigeria).
La canción nació de una conversación real. Sade conoció a un desconocido en un bar irlandés de la calle 14 de Nueva York, que le habló de sus experiencias en la guerra de Vietnam. Ella misma explicó que el tema es su "interpretación" de aquellas historias, y no llegó a precisar si el hombre combatió o no. Lo contó al público en la última noche de la gira de 1993, en San Diego.
Sobre el significado de la letra: habla de un hombre que cuenta dulces mentiras sobre amores mientras arrastra el peso de una verdad que no puede soltar. Se siente responsable de la muerte de alguien en la guerra. La culpa y la vergüenza le acompañan como un tatuaje: permanente, visible e imposible de borrar. La guerra terminó hace tiempo, pero sigue librándose dentro de él.
No hay videoclip oficial, pero merece la pena la versión en directo grabada en San Diego en 1993, donde la canción se vuelve todavía más íntima.
Casi todo el mundo la conoce como "Litros de alcohol", pero el título real es "Hormigón, mujeres y alcohol". Abre el disco "Arañando la ciudad" y es una canción que has oído en un bar, en la radio o en las fiestas del pueblo a cargo de la orquesta de turno. Salió en Hispavox en 1981, con letra y música de Ramón J. Márquez (el propio Ramoncín) y Fernando Murias. Es uno de los himnos del rock español.
Ramoncín nació en Madrid en 1955 y se crió en Vallecas. Empezó cerca del punk británico y su primer disco apareció en 1978. Una actuación suya en televisión provocó la reacción de los sectores más conservadores de la sociedad de la Transición. Años después se pasó a la tele y a presentar concursos como "Lingo".
Significado de la letra: el protagonista jura que no tiene problemas de amor, que lo que pasa es que está loco por privar. Le dice a su chica que se olvide de él, que se va de la ciudad y que ya no la perseguirá. Recuerda la noche del hotel donde se conocieron y cierra con una frase que lo resume todo: ha cambiado el colchón de ella por una botella de champán. Es una justificación del alcoholismo como excusa ante la incapacidad de amar, la típica canción de los ochenta que hoy sería políticamente incorrecta.
Merece la pena la versión en directo de 1990, del disco "Al límite: Vivo y salvaje". Con ese disco Ramoncín se despidió de su parroquia para dedicarse a la tele.
"Physical" es el tema que definió el año 1981. Escrita por Steve Kipner y Terry Shaddick, en realidad estaba pensada para una voz masculina "macho", como la de Rod Stewart, e incluso se le ofreció antes a Tina Turner a través de su representante Roger Davies. Cuando el mánager de Olivia escuchó la maqueta por casualidad, se la envió directamente a ella, que se enamoró de la canción sin saber que no había sido escrita pensando en una mujer.
El single se convirtió en el más exitoso de toda la década de los 80 en Estados Unidos: pasó diez semanas consecutivas en el número 1 del Billboard Hot 100, empatando entonces el récord histórico. El solo de guitarra corre a cargo de Steve Lukather, guitarrista fundador de Toto.
La letra, con frases como "there's nothing left to talk about, unless it's horizontally", resultó tan explícita para la época que varias emisoras de radio y la recién nacida MTV censuraron o directamente prohibieron el tema. Cuentan que la propia Olivia, preocupada por lo atrevido del contenido, pidió que se retirara el single justo cuando ya arrasaba en las listas; en la discográfica le dijeron que era demasiado tarde.
Para suavizar el mensaje, el videoclip (dirigido por Brian Grant) apostó por el humor: Olivia interpreta a una monitora de gimnasio que intenta poner en forma a un grupo de hombres con sobrepeso. Al final, dos de esos hombres se marchan juntos de la mano, dando a entender que son pareja, uno de los primeros guiños gais en un videoclip mainstream. Aquel vídeo, que coincidió con el nacimiento de MTV y con la explosión de la moda del aeróbic (diademas y mallas incluidas), ganó el Grammy al Vídeo del Año en 1982.
En cuanto al significado, la letra juega con el doble sentido de "physical": aparentemente habla de ponerse en forma en el gimnasio, pero en realidad es una invitación directa al sexo, disfrazada bajo el lenguaje del ejercicio físico.
Clive Nolan es un músico, compositor y productor británico, pieza clave del rock progresivo desde los años 80. Ha sido teclista habitual de Pendragon y Arena, y también ha escrito varios musicales de rock ("She", "Alchemy", "King's Ransom", "The Mortal Light"). "The Woman from Varteig" es el segundo tema de su nuevo álbum conceptual "Song of the Winter Throne - The Saga of Håkon Håkonsson", que sale el 2 de octubre de 2026 y que narra la vida del rey noruego medieval Håkon Håkonsson.
Curiosidad: no es la primera vez que Nolan se mete en la piel de los vikingos. En 2021 ya publicó "Song of the Wildlands", basado en el poema anglosajón Beowulf. Con este nuevo disco continúa su fascinación por las sagas nórdicas, combinando rock progresivo, folk escandinavo, orquesta y coro.
Significado de la letra: la canción está dedicada a Inga de Varteig, una mujer noruega del siglo XIII que mantuvo una relación con el rey Håkon III. Tras la muerte repentina del rey, Inga dio a luz en secreto a un hijo, Håkon Håkonsson, al que reclamó como heredero legítimo del trono. Su testimonio y el apoyo de los birkebeiner (una facción política noruega) fueron claves para que, años después, ese niño acabara siendo coronado rey. La canción retrata precisamente esa figura: una mujer humilde que, con su valentía, cambió el destino de Noruega.
"El Mar" es el séptimo tema de "8 Años", el disco debut de los hermanos, publicado en enero de 2017. Es una pieza instrumental de 2 minutos y 55 segundos, en tono menor y a 87 BPM. Hoy la encuentras también en plataformas dentro de "Eternamente", con fecha de 2021.
Hermanos Gutiérrez son Alejandro (guitarra y lap steel) y Estevan (guitarra y percusión), dos hermanos ecuatoriano-suizos que formaron el dúo en Zúrich en 2015. Crecieron en Suiza con madre ecuatoriana y padre suizo, y visitaban a su familia en Playas, Ecuador. Estevan además es surfista. Nadie lo confirma, pero es difícil no pensar en esa costa al escuchar un tema llamado "El Mar".
Otra curiosidad: el grupo nació de una jam en el apartamento de Alejandro en Zúrich. Años después llegarían a Easy Eye Sound, el sello de Dan Auerbach, con "El Bueno y el Malo" (2022) y "Sonido Cósmico" (2024). Y ahora preparan nuevo disco, "Los Ojos del Cóndor", que sale el 25 de septiembre de 2026.
Como no tiene letra, todo lo cuenta la guitarra: un tema lento y melancólico, con esa calma inquieta del mar en calma antes de moverse.
Cameron Whitcomb es un cantautor canadiense de 23 años, nacido en Peace River (Alberta) y criado en Nanaimo, en la isla de Vancouver. Mezcla country, folk y rock con un estilo crudo y canciones sobre adicciones, salud mental y relaciones rotas. Su álbum debut, "The Hard Way" (2025), le valió un Juno a mejor álbum country en 2026.
"Kingdom of Fear" salió el 27 de marzo de 2026 como adelanto del EP "Deep Water". La escribió en su casa de Nanaimo con Jack Riley (que también la produjo) y Nolan Sipe, y la terminó en Nashville con Cal Shapiro. Se ha convertido en su mayor éxito: entró por primera vez en el Billboard Hot 100 de EE. UU. y llegó al puesto 3 en el Canadian Hot 100.
Curiosidad: el título no tiene nada que ver con la letra. Lo sacó de un libro de Hunter S. Thompson que estaba leyendo, "Kingdom of Fear", porque le parecía un título genial. Él mismo lo cuenta así: todos vivimos un poco en un reino del miedo, sea por ansiedad, depresión o lo que sea.
El videoclip es un desastre encadenado: un viaje por carretera que se tuerce con un atraco a una gasolinera de por medio, mientras Cameron mantiene una calma casi cómica. Es un reflejo de la idea de la canción: todo se cae a pedazos y aun así hay que seguir adelante.
Significado de la letra: el protagonista dice que está genial cuando le preguntan, pero por dentro no lo está. Vive asustado, evitando mirarse al espejo, y se ha ido construyendo muros demasiado altos. No quiere ser una carga para nadie ni ser el que llama cuando lo está pasando mal, así que se muerde la lengua y finge que todo va bien. Habla de ansiedad, salud mental y sobriedad sin dramatismos.
Letra:
I'll show you what you need to see and nothing more
At least I got the decency to shut the door
You said that you want all of me, but I know you're a liar
Every time I let you in, I start to hear them tires
In the middle of the night, in the back of my mind
Like a chill running down my neck
So I bite my tongue and I lie in self-defense
Ask me how I've been, I'll say I'm great
But under my skin, I'm not okay
Honey, I've been scared to death, looking in the mirror
Just another day in the kingdom of fear
Ask me how it goes, I'll say I'm fine
But if you look close, I ain't doing alright
Honey, I've been scared to death, wipe away the tears
Just another day in the kingdom of fear
The kingdom of fear
Maybe I've been building walls too high to climb
I hope you know it's not your fault, it's by design
I know I've been a lot of things, but I won't be a burden
I won't be that person that calls you when I'm hurting
In the middle of the night, in the back of my mind
Like a chill running down my neck
So I bite my tongue and I lie in self-defense
Ask me how I've been, I'll say I'm great
But under my skin, I'm not okay
Honey, I've been scared to death, looking in the mirror
Just another day in the kingdom of fear
Ask me how it goes, I'll say I'm fine
But if you look close, I ain't doing alright
Honey, I've been scared to death, wipe away the tears
Just another day in the kingdom of fear
Oh, I've been hurting worse than bad
I need someone who's got my back
Oh, I've been hurting worse than bad
I need someone, but if you
Ask me how I've been, I'll say I'm great
But under my skin, I'm not okay
Honey, I've been scared to death, looking in the mirror
Just another day in the kingdom of fear
Ask me how it goes, I'll say I'm fine
But if you look close, I ain't doing alright
Honey, I've been scared to death, wipe away the tears
"Joseph" es el single que Falling In Reverse lanzó el 14 de septiembre de 2026 vía Epitaph Records, y viene con un notición: reúne por primera vez en una misma canción a Corey Taylor (Slipknot) y Serj Tankian (System Of A Down), junto al líder de la banda, Ronnie Radke.
El título no es casualidad: "Joseph" es el segundo nombre de Radke. El tema mezcla pasajes de piano más íntimos con riffs explosivos y texturas electrónicas, pasando por varios cambios de registro. Corey Taylor aporta sus gritos rápidos y agresivos marca de la casa (incluso aparece con su máscara de Slipknot en el videoclip), mientras que Serj Tankian entra en la parte más melódica, con ese toque característico de System Of A Down.
Es la tercera colaboración de peso que sacan tras el álbum "Popular Monster" (2024), después de "God Is A Weapon" con Marilyn Manson y "All My Life" con Jelly Roll. El videoclip, dirigido por Jensen Noen, es puro cine: Radke convertido en una especie de héroe de acción enfrentándose a esqueletos y demonios, con Taylor y Tankian metidos también en la trama.
Sobre el significado: la letra habla de la muerte y el miedo a lo que viene después, con imágenes de guerra y destrucción de fondo ("nos dicen que iremos al infierno por la eternidad mientras lanzan sus bombas desde máquinas de guerra"). Hay un contraste entre el deseo de aceptar el final ("no hay nada mejor que la sensación de la eternidad") y el rechazo instintivo a morir ("no quiero ir al cielo, no quiero ver...").
Letra:
They say we’re all going to hell for eternity
While they drop their bombs on us from their war machines
Are you ready to die?
Are you ready to bleed for me?
And now we’re out of time
There is nothing better
Than the feeling of forever
When your body decomposes
And lighter than a feather
And you pray
“I don’t wanna go”
He don’t wanna die
I don’t wanna go to heaven
I don’t wanna see the light
(Welcome to end of the road you fucking degenerate pieces of shit)
Free fue una banda británica de blues rock formada en Londres en 1968, con Paul Rodgers a la voz y Paul Kossoff a la guitarra como sus grandes estandartes. "Wishing Well" se publicó como single en diciembre de 1972 y forma parte de Heartbreaker, el sexto y último disco de estudio del grupo. Llegó al puesto 7 de las listas británicas, siendo su último gran éxito antes de la disolución de la banda en 1973.
La canción se grabó en un momento delicado: el bajista Andy Fraser acababa de dejar el grupo y Kossoff arrastraba una fuerte adicción que le impidió participar en la gira posterior (fue sustituido por Wendell Richardson). Precisamente por eso, "Wishing Well" aparece firmada por los cinco miembros de la banda como gesto simbólico, algo poco habitual en su catálogo.
Sobre el significado de la letra corrió mucho rumor: muchos la interpretaron como un mensaje dirigido al propio Kossoff y su adicción. Sin embargo, Rodgers, autor de la letra, lo negó en su día, asegurando que era "una canción sobre un personaje imaginario", aunque más adelante reconoció que, sin buscarlo, podía estar inspirada en gente que conocía. La imagen del "wishing well" (el pozo de los deseos) funciona como metáfora de alguien con "un pie en la tumba", atrapado en una espiral autodestructiva de la que un amigo intenta sacarlo.
Merece la pena mencionar la versión que grabó la banda de southern rock Blackfoot a finales de los 70, bastante fiel al espíritu del original pero con un punto más crudo.
"In the Air Tonight" fue el primer single de Phil Collins como solista, incluido en su álbum debut "Face Value" (1981), producido junto a Hugh Padgham. Llegó al número 2 en las listas británicas y al número 1 en países como Alemania, Austria, Suecia y Suiza.
La canción nació tras el divorcio de Collins de su primera esposa, Andrea Bertorelli. El propio Collins ha contado que escribió la letra de forma completamente espontánea, sin saber muy bien de qué trataba, aunque reconoce que refleja la rabia, la frustración y el desconcierto que sentía en ese momento.
Alrededor del tema circula una famosa leyenda urbana: que Collins presenció cómo alguien se ahogaba sin poder ayudarle, y que años después habría localizado a esa persona para cantarle la canción en directo. El propio artista ha desmentido esta historia en numerosas ocasiones, calificándola de pura invención.
El famoso break de batería que aparece a mitad de canción, con ese sonido tan característico logrado gracias al "gated reverb", se convirtió en uno de los momentos más reconocibles de la música pop de los 80 y ha sido imitado y sampleado infinidad de veces.
Sobre el significado de la letra: habla de una espera larga y cargada de tensión hacia un momento decisivo, casi como un ajuste de cuentas. El narrador se dirige a alguien que le ha traicionado o mentido, dejando claro que ya no está dispuesto a ayudarle ("Well, if you told me you were drowning, I would not lend a hand"). Es la cara más amarga y airada de una ruptura.
Una versión destacable es la que interpretó en solitario, a piano y voz, en el Live Aid de 1985.
Letra:
I can feel it coming in the air tonight, oh Lord
I've been waiting for this moment all my life, oh Lord
Can you feel it coming in the air tonight, oh Lord
Oh Lord
Well, if you told me you were drowning
I would not lend a hand
I've seen your face before, my friend
But I don't know if you know who I am
Well, I was there and I saw what you did
I saw it with my own two eyes
So you can wipe off the grin, I know where you've been
It's all been a pack of lies
I can feel it coming in the air tonight, oh Lord
I've been waiting for this moment for all my life, oh Lord
Can you feel it coming in the air tonight, oh Lord
I've been waiting for this moment for all my life, oh Lord
Oh Lord
Well, I remember, I remember to my way
How could I ever forget the first time?
The last time we ever met
But I know the reason why you keep your silence up
No, you don't fool me
The hurt doesn't show, but the pain still grows
It's no stranger to you or me
I can feel it coming in the air tonight, oh Lord
I've been waiting for this moment for all my life, oh Lord
Can you feel it coming in the air tonight, oh Lord
I've been waiting for this moment for all my life, oh Lord
"Requiem for a Village" es el tema que da título al noveno álbum de estudio de Steven Wilson, que se publicará el 6 de noviembre de 2026 a través de Fiction Records. Tras The Overview (2025), donde exploraba la inmensidad del espacio, aquí Wilson da un giro radical de escala: se encierra en un pueblo ficticio, fuera del tiempo y del lugar, llamado Larkstone.
La canción dura casi ocho minutos y arranca como un aluvión de baterías, bajo insistente y guitarras ásperas, hasta desembocar en algo parecido a la banda sonora de un apocalipsis. El disco entero está narrado por el actor David Tennant (conocido por Doctor Who), con textos escritos junto a Andy Partridge, de XTC.
Una curiosidad: para grabar el álbum, Wilson decidió renunciar a la inteligencia artificial y a las correcciones digitales de estudio, apostando por instrumentación orgánica —incluso con sus imperfecciones— y aprendiendo a tocar instrumentos que no domina, como el violín o el oboe, dejando que el error formara parte del resultado. Le acompañan el multiinstrumentista Randy McStine, el batería Russell Holzman y la cantante Katherine Priddy.
El imaginario del disco bebe del hauntology británico: los cuadros de Stanley Spencer, los relatos de M. R. James y Algernon Blackwood, y la serie de culto Children of the Stones. Para promocionarlo, Wilson lanzó incluso una web ficticia con forma de página de ayuntamiento rural, la del propio Larkstone.
Sobre el significado: la narración describe un pueblo detenido en el tiempo, con piedras que "duermen como la gente calcificada a la sombra del campanario" y un día de mercado en el que el sol despierta a sus pálidos habitantes. Es una imagen de comunidad rural atrapada entre lo vivo y lo fosilizado, un lugar que parece resucitar solo a ratos.
Vídeo:
Letra:
Born, never asked
Sun cuts through the fog, radiates in requiem
Tending the graves, six feet under with no mark except to rise and glance
Weekend love, kissing down by the cemetery
They rise and they dance with supremacy
They scream at the traffic on the motorway
Folklore making way for what's necessary
Did you dress like you've got some authority
I don't think you understand the severity
In the club where you lost your virginity
Now it's all just a question of paternity
They got kids vaping down by the nursery
Parents drown in helplessness and entropy
In the words of a man from the mental institution
Making movies for independent distribution
A trolley is standing at the edge of the seventies
Amount of people who can do just as they please
Behind the curtains of a boat collecting data buzzes
Swear to secrecy, the consequences of their surprises
"Huele" pertenece a *Armónico Desorden* (2022), el cuarto álbum de Lágrimas de Sangre (LDS), grupo de rap combativo nacido en 2006 en el Maresme y Barcelona. Formados originalmente por Neidos, Microbio, Kaiz y Enigmah, con el tiempo el proyecto se ha consolidado con Neidos, Still Ill y Microbio a las voces, Acid Lemon en la producción y Ramón Anglada a la guitarra. Mezclan hip-hop con rock y reggae, alejándose del sonido más norteamericano del género, y se han ganado fama de banda de directo arrollador, con festivales como Viña Rock o el Cruïlla entre sus grandes citas.
"Armónico Desorden" salió el 25 de marzo de 2022 bajo Guspira Records, en plena consolidación de LDS como uno de los grupos de rap más sólidos del panorama estatal, con discos de oro y platino en su trayectoria.
Sobre la letra: "Huele" es una canción de crítica política directa, sin medias tintas. El tema arremete contra la extrema derecha y su normalización social: habla de discursos que confunden democracia con censura, de la manipulación mediática y de la superficialidad de ciertos personajes públicos. El estribillo, repetido a modo de mantra ("Huele a facha"), funciona como señalador: cualquier discurso que hable de libertad sin pensar en los demás, dicen, "huele a facha". Es un tema de denuncia social con la rabia y la ironía como herramientas.
Letra:
Huele a facha, huele a facha
Huele a facha, huele a facha
E-e-es la guerra a la estupidez ¿ves?
Desde siempre, es una y otra vez., Va
Una rojigualda implica desigualdad
Díselo a tu prima, que la cuelga en la fachada
Fachas cachas campan a sus anchas
Son formas de vida súper subdesarrolladas y aún están
Caminando entre nosotros como si se merecieran
El pan que comen o el aire que respiran
Hoy te dirán que en España hay democracia
Mañana que Valtonyc representa una amenaza
Su baza es que Cuba es el enemigo
Y la matanza en Gaza pues tan solo es un conflicto
Cayetano y TikTok cóctel vomitivo
Demasiadas pocas balas para tanto cretino
Y esto no lo digo para abanderar algo
Pero no vengas al bolo si no te ha quedado claro
Harto ando de tanto cuñado
Que asevera sin dudar lo que ha escuchado en Telecinco
Tanto asno que idolatra a Florentino
Ignorancia voluntaria como forma de fascismo
¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!
La agitación es necesaria
¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!
Protege el barrio y el amor que irradia
¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!
Poner barricadas, quitar las tapias
¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!
Y la música revolucionaria
Ay-ay-ay-hay gente que es tan mierda que mancha
Y vivir enfadado es tan cansado que acabas dándoles cancha
Pero cuando ellos campan a sus anchas
Empieza la violencia y al final un día te linchan
Te hablo de franquistas, fascistas, neonazis, falangistas
Machistas, catalanófobos y toda la ristra
Católico, apostólico y romano
Que te mete miedo apocalíptico antes de meterte mano
Y claro, claro que me rallo cuando veo que el problema es global
Te hablan de Venezuela, de Colombia ya tal
Y allí desaparece gente
Aquí pueden matarte a palos a los 24 años entre 13
No llaman odio a que te llamen maricón
Antes de asesinarte en plena calle sin razón
Odio es una canción, una de Pablo Hasél
Pero él pediría justicia para Samuel
Si pudieran matarían lo distinto
De acabarse lo distinto matarían al igualpor puro instinto
Y yo esto no lo hago para abanderar nada
Es que no quiero vivir como si no me importara y punto
Es mi rebote, digo: claro que noto el rebrote
Los ricos son más ricos, los pobres más pobres
Dejamos votar al que no quiere que se vote
Al cateto que te quiere someter sin que se note, joder
¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!
La agitación es necesaria
¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!
Protege el barrio y el amor que irradia
¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!
Poner barricadas, quitar las tapias
¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!
Y la música revolucionaria
Ya, ya ya eh-están metidos por todas partes
Si está en tu interior será cuestión de matarle
Apagar su Vox y silenciarles
Cuando se disfracen de Youtubers e Instagramers.
Y si el odio se comparte en parte
Es por mensajes que imparte esta prensa repipi
Al proclamarse tolerante
Buscando culpables en base a prejuicios miserables
Claro que el estado está en mal estad
Como caducado ni se ha molestado
Consume preferentemente al ciudadano estancado
Ni quiero abanderarlo ni me callo
Depende que norma rompas
Cuando haces arte para él estorbas
Nos quieren por el cauce porque controlan la presa
Pero siempre llega un día en que el rio se desborda
Milo J es Camilo Joaquín Villaruel, cantante y rapero argentino de Morón, Buenos Aires, con apenas 19 años. Viene del mundo de las batallas de freestyle porteñas pero se ha hecho enorme mezclando trap, rap y folclore argentino. En diciembre llegó a llenar dos veces el estadio Vélez (45.000 personas) y ya es uno de los nombres más grandes del rap en español.
El 30 de abril de 2026 debutó en el mítico Tiny Desk de NPR, la serie de conciertos íntimos grabados en las oficinas de la radio en Washington D.C. Fue el quinto artista argentino en tocar ahí, después de Nicki Nicole, Bizarrap con Shakira, Nathy Peluso y Ca7riel & Paco Amoroso. En apenas seis días su vídeo superó los 4,5 millones de visitas.
Lo curioso de esta sesión es la puesta en escena: además de su banda, Milo J se hizo acompañar por Agárrate Catalina, un grupo de murga uruguaya con décadas de trayectoria en el Carnaval de Montevideo, y sumó instrumentos como el charango, el tiple y vientos típicos del folclore argentino. El resultado es una versión mucho más despojada y acústica de su repertorio, alejada de la energía de estadio.
El repertorio, de unos 16-17 minutos, está formado principalmente por temas de su álbum La vida era más corta, y arranca con "Recordé" y el inédito "Cuestiones", dos baladas acústicas con mucha percusión. Después llegan "Solifican12", "Bajo de la piel" y "Niño", donde se nota su gusto por sonoridades folclóricas como la chacarera, el chamamé y la zamba, pasadas por un filtro poético y moderno. Entre canción y canción, Milo J presentó a su banda y a Agárrate Catalina mientras tomaba unos mates, muy en su línea.
Al ser un set con varias canciones distintas, no hay una única letra que resumir aquí: cada tema toca temas propios (el paso del tiempo, la memoria, la identidad), pero el hilo conductor de todo el Tiny Desk es esa mirada juvenil sobre el tiempo y las raíces culturales del Río de la Plata.
Canción incluida en "Time's Up" (1990), el segundo álbum de la banda neoyorquina Living Colour. Fue el tercer single del disco y cuenta con dos invitados de lujo: Little Richard a la voz y Maceo Parker al saxofón. Incluso Mick Jagger pone su voz en la parte del "velatorio". El tema fue escrito por el guitarrista Vernon Reid y producido por Ed Stasium.
Una curiosidad: la canción incorpora samples de "Graceland" de Paul Simon, "Fight the Power" de Public Enemy y del célebre anuncio "Elvis Has Left the Building" de Horace Logan, la frase que se pronunciaba tras los conciertos de Elvis para dispersar al público. El videoclip arranca con la banda charlando sentados en un banco sobre supuestos avistamientos de Elvis, y a lo largo del vídeo aparece un imitador del Rey del Rock.
En cuanto a la letra, "Elvis Is Dead" es una crítica satírica a la mitificación y comercialización de Elvis Presley tras su muerte. Se burla de los rumores sensacionalistas sobre avistamientos del cantante (convertido casi en una figura fantasmal) y recuerda, con la repetición constante de "Elvis is dead", que la leyenda ya no está. La canción también toca un tema más incómodo: cómo Elvis aprendió gran parte de su estilo de músicos negros y fue coronado "Rey" mientras esa herencia quedaba invisibilizada, para acabar siendo "limpiado" y convertido en un producto de Las Vegas. En su parte rapeada, Little Richard reconoce el talento de Elvis como artista pero pide respeto: que le dejen descansar y deja de exprimir su nombre para hacer caja.
Video:
Vídeo: (actuación en directo en el show de Arsenio Hall, con Little Richard y Angelo Moore de Fishbone al saxo)
Letra:
Yo, Corey, man
Yeah, man. What's up?
I saw Elvis the other day
Get outta here, man!
Tabloids scream "Elvis seen at a shopping mall"
That's the kind of talk that makes my stomach crawl
Picture a zombie Elvis in a tacky white jump suit
Just imagine a rotting Elvis shopping for fresh fruit
He can't 'cause
Elvis is dead, Elvis is dead
Elvis is dead, give it to me, Elvis is dead
Elvis is dead, Elvis is dead
Elvis is dead, Elvis is dead
When the King died he was all alone
I heard that when he died he was sittin' on his throne
Alas, poor Elvis, they made us know you well
Now you dwell forever in that heartbreak hotel
'Cause Elvis is dead, Elvis is dead
Elvis is dead, Elvis is dead, give it to me
Elvis is dead, Elvis is dead
Elvis is dead, Elvis is dead, band!
Elvis Presley!
From rock!
Elvis is-
Elvis was a hero to most, but that's beside the point
A black man taught him how to sing
And then he was crowned King (what?)
The pelvis of Elvis, too dangerous for the masses
They cleaned him up and sent him to Vegas
And now the masses are his slave (slave?)
Yes, slave, even from the grave
Elvis is dead
Elvis is dead
Elvis is dead
Elvis est mort
Presley was a good performer, on stage he was electrifying
When he was ill, his fans got sick and moaned when he had died
Elvis is dead
To all you pimps making money on his name
How do you sleep, don't you feel the shame?
He went through the test, he's out of this mess
Be my guest and let him rest
Elvis is dead
Elvis está muerto
Elvis has left the building!
Hit me, give it to me, give it to me
Listen up, hit it up
I've got a reason to believe we all won't be received at Graceland, yeah
I've got a reason to believe we all won't be received at Graceland
I've got a reason to believe we all won't be received at Graceland
I've got a reason to believe I won't be received at Graceland
No, not you, my brother, 'cause
Elvis is dead, Elvis is dead
Elvis is dead, give it to me, Elvis is dead, give it to me
Hoy toca una rareza recién salida del horno: "Mothership", un tema inédito de Toyah Willcox y Robert Fripp que ha visto la luz justo hoy, 11 de septiembre de 2026, dentro de la serie "Robert Fripp @ 80".
Esta serie es un proyecto que el sello DGM (propiedad del propio Fripp) puso en marcha para celebrar el 80 cumpleaños del guitarrista, que cumplió años el pasado 16 de mayo. Cada semana publican una pieza rescatada de su extenso archivo —colaboraciones, grabaciones en solitario, rarezas— acompañada de un comentario del propio Fripp y de David Singleton explicando su origen. "Mothership" es la entrega número 18 de esa serie, y según la nota que acompaña al lanzamiento, nos lleva de vuelta a los años 80, "a cuando Robert conoció a Toyah".
Y ese dato no es casualidad: Fripp y Willcox se conocieron en 1985 en las oficinas de EG Records, trabajando juntos en un disco benéfico llamado "The Lady Or The Tiger". Fripp quedó tan prendado que le propuso matrimonio a la semana de volver a Inglaterra, y se casaron en 1986. De esa época y de esa complicidad musical surgiría después el proyecto conjunto Sunday All Over the World, con el que grabaron el álbum "Kneeling at the Shrine"(1991). "Mothership" parece pertenecer a ese mismo entorno creativo de mediados de los 80, aunque había permanecido guardada en el cajón hasta ahora.
Al tratarse de un inédito recién desenterrado, todavía no hay letra disponible en ningún sitio fiable, así que no puedo contaros con seguridad qué cuenta la canción.
"Sempre dempeus" es la canción que abre y da título al séptimo disco de Buhos, publicado el 3 de enero de 2025 bajo el sello Halley Records. El grupo, originario de Calafell (Baix Penedès), lleva desde 2005 liderando la escena de música festiva catalana, y con este tema recuperan su vertiente más reivindicativa: un himno electrónico y festivo que reclama el orgullo de pertenencia a la tierra catalana.
El propio cantante, Guillem Solé, explicó en una entrevista que con esta canción les gustaría que su país continuara "siempre en pie" (esa es la traducción literal del título). El tema fue de los más votados por el público de la banda para ser el primer avance del disco, y Buhos lo definieron como una canción "con una pinta brutal", pensada para sonar fuerte en los conciertos.
En cuanto a la letra, el mensaje gira en torno a la resistencia y la identidad colectiva: la idea de mantenerse en pie, con dignidad y sin rendirse, pase lo que pase. Es un canto de afirmación y pertenencia, en la línea de otros himnos populares catalanes del grupo, que combina la fiesta con el mensaje de fondo.
