XTC - Making Plans for Nigel

Publicada en septiembre de 1979 como avance de su álbum "Drums and Wires", esta canción supuso el gran despegue comercial de XTC, llegando al puesto 17 de las listas británicas.

Lo curioso es que, a diferencia de la mayoría de temas de la banda (normalmente escritos por Andy Partridge), este lo compuso el bajista Colin Moulding, y también es él quien canta. Partridge llegó a reconocer que le sentó mal que su banda dedicara tanto tiempo a pulir esta canción mientras las suyas quedaban de lado.

La letra habla de unos padres controladores que deciden el futuro de su hijo Nigel, incluido un trabajo asegurado en la empresa British Steel. Moulding explicó que la canción es parcialmente autobiográfica: su propio padre lo presionaba para que fuera a la universidad y se cortara el pelo, hasta el punto de intentar arrastrarlo literalmente a la barbería.

El single se publicó con una edición especial en formato de juego de mesa tipo "oca", protagonizado por Nigel y sus padres, aunque nunca llegaron a incluirse las reglas del juego.

La canción ha sido versionada por artistas como Primus, The Rembrandts y Robbie Williams.

Vídeo oficial: 

Letra: 

We're only making plans for Nigel

We only want what's best for him

We're only making plans for Nigel

Nigel just needs that helping hand

And if young Nigel says he's happy

He must be happy

He must be happy

He must be happy in his world

We're only making plans for Nigel

He has his future in a British steel

We're only making plans for Nigel

Nigel's whole future is as good as sealed, yeah

And if young Nigel says he's happy

He must be happy

He must be happy

He must be happy in his world

Nigel is not outspoken but he likes to speak

And loves to be spoken to (in his world)

Nigel is happy in his world (in his world)

Nigel is happy in his world (in his world)

We're only making plans for Nigel

We only want what's best for him

We're only making plans for Nigel

Nigel just needs this helping hand

And if young Nigel says he's happy

He must be happy

He must be happy

He must be happy in his world

We're only making plans for Nigel

We only want what's best for him

We're only making plans for Nigel

Nigel just needs this helping hand

We're only making plans for Nigel

He has his future in a British steel

Steel, steel, steel, steel, steel, yeah

We're only making plans for Nigel

Nigel, Nigel, Nigel, Nigel

Nigel, Nigel, Nigel, Nigel

Nigel, Nigel, Nigel, Nigel

Nigel, Nigel, Nigel, Nigel

Bill Bruford's Earthworks - Footloose and Fancy Free

Bill Bruford es uno de los bateristas más respetados del rock progresivo, conocido por su paso por Yes y King Crimson. A mediados de los 80 decidió virar hacia el jazz y formó Earthworks, un grupo con el que exploró la fusión y el jazz contemporáneo durante más de veinte años.

Footloose and Fancy Free es una pieza instrumental compuesta para Earthworks, publicada originalmente en el álbum A Part, and yet Apart (1999). El tema se convirtió en un habitual de sus directos, hasta el punto de dar nombre a Footloose and Fancy Free (2002), un doble disco en vivo grabado en el Pizza Express Jazz Club de Londres que recoge lo mejor del repertorio de la banda en esa época.

Una curiosidad: en 2005, la formación ampliada Earthworks Underground Orchestra (un little big band de nueve músicos liderado por el saxofonista Tim Garland) recuperó el tema para un arreglo mucho más orquestal, dentro de su serie de actuaciones "Solo Spotlight".

Vídeo (versión de estudio, A Part, and yet Apart, 1999):

Versión en directo con Earthworks Underground Orchestra (2005), interesante por el arreglo ampliado a formación de big band:

Rocco DeLuca - Just a Little Further

Rocco DeLuca es un músico californiano nacido en Long Beach en 1974, conocido por su voz cálida y por tocar el Dobro, esa guitarra resonadora metálica típica del blues del Delta. 

Se dio a conocer como líder de Rocco DeLuca and the Burden a mediados de los 2000, banda fichada por el sello Ironworks, propiedad del actor Kiefer Sutherland y del cantante Jude Cole. Desde 2009 sigue su carrera en solitario, y ha colaborado con nombres como Daniel Lanois, Leonard Cohen o Slash, además de componer para el videojuego Red Dead Redemption 2 y para la banda sonora de Killers of the Flower Moon junto a Robbie Robertson.

Just a Little Further pertenece al disco Rocco DeLuca & His Brothers, grabado en directo en una sola noche en Los Ángeles por el ingeniero Marc Urselli, ganador de varios Grammy. 

El álbum busca despojar la música de DeLuca hasta su esencia más elemental, dejando protagonismo a su voz y a su pedal steel Sho-Bud de 12 cuerdas. En este tema en concreto, que dura ocho minutos, DeLuca se estira y respira con calma, como si el título fuera también una declaración de intenciones: seguir un poco más allá.

Unheilig - Geboren um zu leben

"Geboren um zu leben" (algo así como "Nacidos para vivir") es el primer sencillo del álbum Grosse Freiheit (2010), de la banda alemana Unheilig, y se convirtió en su canción más exitosa: llegó al número 2 de las listas alemanas y vendió más de 450.000 copias, certificándose triple oro.

Detrás de la canción hay una historia muy personal. Der Graf, líder y voz de la banda, la escribió tras la muerte de un amigo muy cercano, que sufrió un infarto y un derrame cerebral del que no llegó a recuperarse; Der Graf estuvo con él en el momento de su muerte. El tema es un homenaje a esa persona y a la idea de que, aunque ya no esté, le enseñó a valorar la vida.

Unheilig, cuyo nombre significa literalmente "no sagrado" o "profano", nació en la escena gótica alemana, aunque con el paso de los años (y sobre todo con este single) su sonido se acercó mucho más al pop rock y al schlager, alejándose de sus raíces más oscuras. Precisamente por eso la canción generó cierta polémica entre los fans más antiguos, que la vieron como un giro demasiado comercial.

Vídeo oficial: 

Merece la pena mencionar también la versión que grabaron en el MTV Unplugged junto a la cantante Cassandra Steen, mucho más íntima y con arreglos de piano y cuerdas: 

Letra: 

Es fällt mir schwer

Ohne dich zu leben

Jeden Tag zu jeder Zeit

Einfach alles zu geben

Ich denk so oft

Zurück an das was war

An jedem so geliebten

Vergangenen Tag

Ich stell mir vor

Dass du zu mir stehst

Und jeden meiner Wege

An meiner Seite gehst

Ich denke an so vieles seitdem du nicht mehr bist

Denn du hast mir gezeigt

Wie wertvoll das Leben ist

Wir waren geboren um zu leben

Mit den Wundern jener Zeit

Sich niemals zu vergessen

Bis in alle Ewigkeit

Wir waren geboren um zu leben

Für den einen Augenblick

Bei dem jeder von uns spürte

Wie wertvoll Leben ist

Es tut noch weh

Wieder neuen Platz zu schaffen

Mit gutem Gefühl

Etwas Neues zuzulassen

In diesem Augenblick

Bist du mir wieder nah

Wie an jedem so geliebten

Vergangenen Tag

Es ist mein Wunsch

Wieder Träume zu erlauben

Ohne Reue nach vorn

In eine Zukunft zu schauen

Ich sehe einen Sinn seitdem du nicht mehr bist

Denn du hast mir gezeigt

Wie wertvoll mein Leben ist

Wir waren geboren um zu leben

Mit den Wundern jener Zeit

Sich niemals zu vergessen

Bis in alle Ewigkeit

Wir waren geboren um zu Leben

Für den einen Augenblick

Bei dem jeder von uns spürte

Wie wertvoll Leben ist

Wie wertvoll Leben ist

Wir waren geboren um zu leben

Mit den Wundern jener Zeit

Geboren um zu leben

Wir waren geboren um zu leben

Mit den Wundern jener Zeit

Sich niemals zu vergessen

Bis in aller Ewigkeit

Wir waren geboren um zu leben

Für den einen Augenblick

Bei dem jeder von uns spürte

Wie wertvoll Leben ist

Wir waren geboren um zu leben

Mit den Wundern jener Zeit

Sich niemals zu vergessen

Bis in alle Ewigkeit

Wir waren geboren um zu leben

Für den einen Augenblick

Bei dem jeder von uns spürte

Wie wertvoll Leben ist

Wir waren geboren um zu leben

Raphael Weinroth-Browne - Evocation

Raphael Weinroth-Browne es un violonchelista y compositor canadiense, conocido tanto por su carrera en solitario como por ser el violonchelista en directo de Leprous desde 2016, con quien ha tocado más de 200 conciertos. También ha colaborado en más de 200 álbumes de estudio, incluido el disco de Woods of Ypres ganador de un premio Juno, y sus versiones de temas de Opeth, Katatonia o Steven Wilson se hicieron virales.

"Evocation" es el tercer single de su próximo álbum "Empyrean", que sale el 11 de septiembre. Como en el resto del disco, toda la pieza está construida a partir de capas de violonchelo grabadas en directo con loops, sin ningún otro instrumento. La canción mezcla influencias barrocas (con ecos de Bach) con una atmósfera minimalista y cinematográfica.

El origen de "Empyrean" viene de un encargo que recibió en 2024: componer una banda sonora de 80 minutos inspirada en Bach para la compañía de danza James Wilton Dance. De ese trabajo, titulado "BACH Reimagined", nació buena parte del material que ahora forma este álbum.

El videoclip se rodó en el Carleton Dominion-Chalmers Centre de Ottawa, su ciudad natal, el mismo lugar donde presentará el disco en directo este otoño.

Giuseppe Verdi - Dies Irae (Messa da Requiem)

El "Dies Irae" es el segundo movimiento de la Messa da Requiem de Giuseppe Verdi, estrenada en 1874 en Milán en memoria del escritor Alessandro Manzoni, a quien Verdi admiraba profundamente. Es probablemente el fragmento más impactante de toda la obra: un estallido orquestal con golpes de bombo, metales a todo volumen y el coro cantando sobre el Juicio Final.

El texto no es de Verdi, sino una secuencia litúrgica latina del siglo XIII atribuida a Tomás de Celano, usada tradicionalmente en las misas de difuntos católicas. Muchos compositores la han musicado (Mozart, Berlioz, Fauré...), pero la versión de Verdi es la más teatral de todas, tanto que algunos críticos de la época la tildaron con sarcasmo de "la mejor ópera de Verdi", por su carácter tan dramático y poco litúrgico.

Un dato curioso: este "Dies Irae" no aparece solo una vez. Verdi lo reintroduce varias veces a lo largo del Requiem, incluso casi al final, en el "Libera me", como si el terror del Juicio Final volviera a irrumpir justo cuando parecía haber pasado.

El fragmento se ha popularizado muchísimo fuera del ámbito clásico, apareciendo en infinidad de películas y anuncios como sinónimo musical de catástrofe o apocalipsis.

Vídeo (Claudio Abbado dirigiendo a la Filarmónica de Berlín):

También merece la pena la versión dirigida por Riccardo Muti con la Sinfónica de la Radio de Baviera, más intensa y con un coro espectacular:

Y para quien quiera ver hasta dónde puede llegar esta pieza, el productor italiano ASCO la ha versionado en clave techno dentro de su proyecto Symphony of CAOS, fusionando el coro original (Coro Ventidio Basso) con un sonido de club y festival:

Letra:

Dies irae, dies illa,

Solvet saeclum in favilla,

Teste David cum Sybilla.

Quantus tremor est futurus,

Quando judex est venturus,

Cuncta stricte discussurus!

Tuba mirum spargens sonum

Per sepulchra regionum,

Coget omnes ante thronum.

Mors stupebit et natura,

Cum resurget creatura,

Judicanti responsura.

Liber scriptus proferetur,

In quo totum continetur,

Unde mundus judicetur.

Judex ergo cum sedebit,

Quidquid latet apparebit,

Nil inultum remanebit.

Quid sum miser tunc dicturus?

Quem patronum rogaturus,

Cum vix justus sit securus?

Pink Floyd - Eclipse

"Eclipse" cierra "The Dark Side of the Moon" (1973), uno de los álbumes más influyentes de la historia del rock. Escrita y cantada por Roger Waters, la canción enlaza directamente con "Brain Damage": tanto es así que las radios casi siempre las emiten juntas, y muchos fans las consideran una sola pieza en dos partes.

Lo curioso es que "Eclipse" nació casi por accidente. El disco estaba prácticamente terminado pero le faltaba un final, hasta que Waters llegó un día de ensayo y dijo: "he escrito un cierre". La canción, además, iba a dar título a todo el álbum: al principio la banda quería llamarlo "Dark Side of the Moon", pero al enterarse de que el grupo Medicine Head sacaba un disco con ese mismo nombre en 1972, pensaron en rebautizarlo como "Eclipse". Cuando el álbum de Medicine Head pasó sin pena ni gloria, Pink Floyd recuperó el título original y dejó "Eclipse" como nombre de la canción final.

La frase que cierra el disco, "there is no dark side of the moon really, matter of fact it's all dark", no la dice ningún miembro de la banda: es la voz de Gerry O'Driscoll, el portero de los estudios Abbey Road, grabado por Waters mientras recogía frases espontáneas de la gente que pasaba por allí. Y si afinas el oído en el canal derecho, al final del tema se puede escuchar de fondo un fragmento orquestal de "Ticket to Ride" de The Beatles, que sonaba de casualidad en el estudio durante la grabación.

"Eclipse" también tuvo un momento muy especial en 2012, cuando sonó en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres, acompañada de fuegos artificiales y un montaje de atletas británicos.

Vídeo: 

Letra: 

All that you touch

And all that you see

All that you taste

And all you feel

All that you love

And all that you hate

All you distrust

And all you save

All that you give (all that you give)

And all that you deal

All that you buy

Beg, borrow, or steal

And all you create (all you create)

And all you destroy

And all that you do

And all that you say

All that you eat (all that you eat)

And everyone you meet (and everyone you meet)

All that you slight (all that you slight)

And everyone you fight (everyone you fight)

All that is now (all that is now)

And all that is gone (and all that is gone)

All that's to come (all that's to come)

And everything under the sun is in tune

But the sun is eclipsed by the moon

I'll tell you one thing, Jerry

Me old mucker

It's not all dark, is it?

Sonique - It Feels So Good

Editada en noviembre de 1998 dentro de su álbum debut "Hear My Cry", la canción no despegó de inmediato: alcanzó solo el puesto 24 en el Reino Unido. Todo cambió a principios de 2000, cuando un DJ de una radio de Tampa (Florida) empezó a pincharla y el tema explotó en Estados Unidos, llegando al número 8 del Billboard Hot 100. Ese éxito hizo que Universal la relanzara en el Reino Unido, donde esta vez sí llegó al número 1, se mantuvo 14 semanas en el top 40 y terminó siendo el tercer single más vendido de 2000 en el país.

Antes de ser cantante, Sonique (Sonia Clarke) ya era una DJ reconocida en la escena de clubs británica. Sobre la letra, contó que está inspirada en un amor no correspondido: "Es sobre un chico que me gustaba mucho hace años, pero que no sentía lo mismo por mí. Era muy exitoso y yo no, en aquel momento. Él pensaba que yo estaba enamorada de su éxito. Esta canción es solo una forma de declarar que era a él a quien quería".

Al ser relanzada en 2000 se grabó un segundo videoclip, distinto al original de 1998, en el que Sonique interpreta a una camarera que de noche se convierte en DJ.

En 2024, el tema volvió a sonar fuerte gracias a un remix de Matt Sassari y Hugel con la propia Sonique, que también tuvo mucho éxito en clubs y radiofórmulas.

Vídeo oficial (1998):

Remix de Matt Sassari & Hugel ft. Sonique (2024):

Letra: 

You always make me smile

When I'm feeling down

You give me such a vibe

I is still totally bona fide, mm

It's not the way you walk

And it ain't the way you talk

It ain't the job you got

That keeps me satisfied

Your love, it feels so good

And that's what takes me high

Higher than I've been before

And your love, it keeps me alive

Thought I should let you know

That your touch, it means so much

When I'm alone at night

It's you I'm always thinking of

That your touch, it means so much

So much, so much

Your love, it feels so good

So much, so much, so much

Ooh, baby

Won't you understand

How I feel, yeah, deep inside? (That your touch, it means -)

Oh-oh

You made me feel

All I need to feel, yes

In my heart

Your love, it feels so good

And that's what takes me high

Higher than I've been before

Your love, it keeps me alive

Thought I should let you know

That your touch, it means so much

When I'm alone at night

It's you I'm always thinking of (ooh, baby)

That your touch, it means so much

Your love, it feels so good

And that's what takes me high

Higher than I've been before

And your love, it keeps me alive

Thought I should let you know

That your touch, it means so much

When I'm alone at night

It's you I'm always thinking of (ooh, baby)

4frases - La Mataviejos en Madrid

4frases es un proyecto musical español que se mueve en el terreno del rock y el punk con mensaje político y social, con guiños directos a bandas como Extremoduro, La Polla Records, Marea o Platero y Tú. No dan la cara con nombres de integrantes, se presentan simplemente como "producción musical", y suelen sacar canciones muy rápido, casi al ritmo de la actualidad, muchas veces con carga satírica (tienen temas como "El Fachapobre" que generaron bastante ruido en redes).

"La Mataviejos en Madrid" es un single que publicaron el 17 de mayo de 2024. La canción construye un personaje de ficción, una especie de villana urbana con toda su familia metida en líos (un novio ladrón, un hermano estafador...), en clave de humor negro y con un estribillo pegadizo tipo himno punk-rock. Es una canción corta, de apenas tres minutos, pensada para pegar fuerte y rápido, muy en la línea del resto de su catálogo.

Letra: 

Existió una criatura en Madrid

le llamaban la mataviejos,

la muy cabrona era tan mala

que hasta demonio la quería lejos,

su novio era un ladrón,

su hermano estafaba a la gente,

parece que en esa familia

no hubiera una sola persona decente.

La mataviejos en Madrid,

perra psicópata,

la mataviejos de Madrid

te pone ojos de loca,

la mataviejos en Madrid,

perra psicópata,

la mataviejos de Madrid

te pone ojos de loca.

La mataviejos no tiene conciencia

sus víctimas se la pelan,

la mataviejos necesita más almas,

quiere cargarse a tu abuela.

La mataviejos en Madrid,

perra psicópata,

la mataviejos de Madrid

te pone ojos de loca,

la mataviejos en Madrid,

perra psicópata,

la mataviejos de Madrid

te pone ojos de loca,

la mataviejos en Madrid,

perra psicópata,

la mataviejos de Madrid

te pone ojos de loca.

Joe Hisaishi, Nobuyuki Tsujii - The Wind Forest

"The Wind Forest" es un tema instrumental compuesto por Joe Hisaishi para la banda sonora de "Mi vecino Totoro" (1988), la película de Studio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki. En esta versión, la pieza está interpretada al piano por Nobuyuki Tsujii, dentro de su álbum dedicado a las bandas sonoras de Studio Ghibli.

Joe Hisaishi, cuyo verdadero nombre es Mamoru Fujisawa, adoptó su nombre artístico como un homenaje a Quincy Jones, ya que "Joe Hisaishi" puede escribirse con los mismos kanjis que una lectura japonesa de "Quincy". Empezó su carrera musical en los años 70 componiendo para anime, y en 1984 inició su colaboración con Hayao Miyazaki en "Nausicaä del Valle del Viento", relación que se ha mantenido durante cuatro décadas y que incluye prácticamente toda la filmografía del director, hasta "El chico y la garza" (2023), ganadora del Oscar. En una entrevista con Classic FM, el propio Hisaishi contó que compuso el tema principal de Totoro en apenas veinte minutos. Según explicó, su estilo cambia según el proyecto: para las películas de Takeshi Kitano opta por un enfoque minimalista y contenido, mientras que para las películas de Miyazaki busca un tono mucho más emocional.

Nobuyuki Tsujii, conocido como "Nobu", es un pianista japonés ciego de nacimiento. Empezó a tocar de oído con dos años, en un piano de juguete, tras escuchar a su madre tararear una melodía. En 2009 ganó la medalla de oro del Concurso Internacional de Piano Van Cliburn, uno de los certámenes más prestigiosos del mundo, y desde entonces ha actuado con orquestas como la Filarmónica de Berlín o la Sinfónica NHK. Como no puede leer partituras, aprende todo su repertorio de oído.

Teddy Swims - Mr. Know It All

Mr. Know It All es el single que Teddy Swims lanzó el 10 de abril de 2026 a través de Warner Records, y que da nombre a su nuevo álbum. La canción habla de esa sensación de saber, desde el principio, cómo va a acabar una relación, y de cómo esa capacidad de anticiparse acaba convirtiéndose en una condena: te proteges de antemano, y esa distancia es precisamente lo que hace que la relación fracase.

El propio Swims lo explicó diciendo que el tema explora cómo el amor puede convertirse en una contradicción que se cumple a sí misma: cuando crees que ya sabes cómo va a terminar, te proteges guardando las distancias, y esa distancia acaba siendo la razón del fracaso.

Musicalmente es una mezcla de rock de aire ochentero con producción de R&B, escrita por el propio Swims junto a Alexander Izquierdo, Ed Drewett, Joshua Coleman, Julian Bunetta y Rosie Danvers, y producida por Ammo, Bunetta y John Ryan.

Teddy Swims, de Georgia, se dio a conocer en YouTube haciendo versiones de todo tipo de géneros con su voz soul característica, antes de convertirse en uno de los nombres más grandes del pop y R&B actual gracias a éxitos como Lose Control.

Vídeo oficial: 

También existe una versión de piano de la canción, mucho más desnuda e íntima, que merece la pena escuchar: 

Letra: 

She like the low, she like the high

I've seen it all too many times

Geronimo, she's dropping by

Fork in the road, this fate of mine

I can't act like I don't keep dressing for the storm, then blame the sky

Oh, I know I'm damned if I do, damned if I don't

Wherever I end up, it's never no surprise

Should've told you I could see this coming

Like I'm looking right into a crystal ball

When I fall in love, it's with misfortune

Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All

Give you everything you say you wanted

See the future like it's written on the wall

You're the only thing that's missing from it

Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All

Mr. Know It All (Mr.)

Pulling dominoes from a coffee can

Set 'em up and watch 'em fall, do it over again

Like a tennis ball through a ceiling fan

Bet you never end up falling back in my hands, oh

Should've told you I could see this coming (see this coming)

Like I'm looking right into a crystal ball

When I fall in love, it's with misfortune

Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All

Give you everything you say you wanted (say you wanted)

See the future like it's written on the wall

You're the only thing that's missing from it (missing from it)

Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All

I don't wanna stay (stay), I don't wanna run

I already know what this'll become

I'm watching you dance and falling in love

I'm getting way too close to the sun

Should've told you I could see this coming (coming)

Like I'm lookin' right into a crystal ball

When I fall in love, it's with misfortune (oh, it's with misfortune)

Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All

Give you everything you say you wanted (you say you wanted)

See the future like it's written on the wall (written on the wall)

You're the only thing that's missing from it (missing from it)

Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All

Mr. Know It All (Mr. Know It All)

(Mr., Mr, Know It All, Mr.)

Mr. Know It All

Polyphia feat. Steve Vai - Ego Death

Polyphia son una banda estadounidense de Texas que se ha convertido en referencia del "djent" instrumental y del rock progresivo moderno, mezclando técnica virtuosa con producción muy pulida y toques de trap y R&B. "Ego Death" es una de las canciones de su álbum Remember That You Will Die (2022) y cuenta con la colaboración de nada menos que Steve Vai, uno de los guitarristas más legendarios e influyentes de la historia.

El tema es un choque generacional de dos formas de entender la guitarra: el estilo más clásico y virtuoso de Vai frente al sonido futurista y digital de Tim Henson y Scott LePage. Según contó el propio Vai, tardó bastante en grabar su parte porque quería aportar algo especial y distinto a lo que suele hacer. Cuando escuchó el resultado final se sorprendió, ya que Polyphia había troceado y manipulado bastante su solo original, algo a lo que no estaba acostumbrado. El resultado gustó tanto que los lectores de Guitar World votaron el solo de Vai en esta canción como el mejor solo de guitarra de 2022.

Es una canción instrumental, así que no hay letra que compartir.

Vídeo oficial: 

Mason Williams / California Guitar Trio - Classical Gas

Instrumental. Sin voz, sin letra, solo guitarra que fluye como si nada más importara.

La compuso Mason Williams a mediados de los 60, cuando trabajaba como guionista en el show de los Smothers Brothers. En realidad la escribió como pieza de práctica para guitarra clásica, un simple ejercicio al que llamó Classical Gasoline. Un copista musical acortó el título al pasarlo a partitura y se quedó en Classical Gas.

La versión que todos conocemos, con orquesta y esos arreglos que se te meten en la cabeza, se la debe al productor Mike Post. La anécdota curiosa: la primera vez que Post escuchó la pieza le dijo a Williams que era "lo más sobrecargado de arreglos que había escuchado en su vida". Williams lo echó del estudio. Al día siguiente Post se disculpó y acabó componiendo el puente central del tema, el que le da ese giro tan reconocible.

Técnicamente es una pieza endiablada: cambia entre cuatro compases distintos (3/4, 4/4, 5/4 y 6/4) en apenas tres minutos, y se toca con uñeta de pulgar y dedos a la vez.

Se estrenó en el show de los Smothers Brothers acompañada de un vídeo con miles de imágenes de arte pasando a toda velocidad, titulado 3000 Years of Art, de ahí también parte de la explicación del nombre. Entró en el Hot 100 de Billboard en junio de 1968 y llegó al número 2, solo por detrás de "Hello, I Love You" de The Doors. Ganó dos Grammy.

Hay una versión posterior, de 1987, grabada junto a Mannheim Steamroller, con un aire más new age y orquestal, que también merece la pena. 

Y otra muy distinta: la del trío California Guitar Trio, formado por tres guitarristas surgidos de los cursos de Robert Fripp, que la incluyeron en su álbum Pathways de 1998 y la convirtieron en un despliegue de virtuosismo a tres guitarras.

Vídeo original: 

Versión con Mannheim Steamroller: 

Versión de California Guitar Trio: 

Heart - Crazy on You

Hoy toca un clásico del rock de los 70: "Crazy on You", de Heart.

La canción abre el álbum debut de la banda, "Dreamboat Annie" (1975), y es una de las composiciones más icónicas de las hermanas Ann y Nancy Wilson. Nancy escribió esa introducción acústica, bautizada como "Silver Wheels", inspirándose en el tema "Question" de The Moody Blues. La grabó con una guitarra Guild Jumbo con la acción tan alta que, según ella misma, era "un infierno" tocarla, y usó una técnica híbrida (púa y dedos a la vez) que la convirtió en una de las intros más complicadas de reproducir del rock clásico.

La letra la escribió Ann mientras estaba enferma con fiebre, inspirada por el caos del mundo de la época (Guerra de Vietnam, crisis del petróleo) y por su relación con Michael Fisher, hermano del guitarrista de la banda, Roger Fisher. La idea era esa sensación de refugiarse en el amor mientras todo alrededor se desmorona.

El tema no fue un éxito arrollador en su momento (llegó al puesto 35 del Billboard Hot 100), pero con los años se convirtió en un himno y en una de las canciones más queridas del catálogo de Heart.

Vídeo (actuación en el programa holandés TopPop, mediados de los 70): 

Letra: 

If we still have time, we might still get by

Every time I think about it, I wanna cry

With bombs and the Devil, and the kids keep comin'

No way to breathe easy, no time to be young

But I tell myself that I was doin' all right

There's nothin' left to do at night

But go crazy on you

Crazy on you

Let me go crazy, crazy on you, oh

My love is the evenin' breeze touchin' your skin

The gentle, sweet singin' of leaves in the wind

The whisper that calls after you in the night

And kisses your ear in the early moonlight

And you don't need to wonder, you're doing fine

My love, the pleasure's mine

Let me go crazy on you

Crazy on you

Let me go crazy, crazy on you, oh

Wild man's world is cryin' in pain

What you gonna do when everybody's insane?

So afraid of one who's so afraid of you

What you gonna do?

Ooh, crazy on you

Crazy on you

Let me go crazy, crazy on you

I was a willow last night in a dream

I bent down over a clear running stream

Sang you the song that I heard up above

And you kept me alive with your sweet flowing love

Crazy

Yeah, crazy on you

Let me go crazy, crazy on you, oh

Crazy on you

Crazy on you

Let me go crazy, crazy on you, yeah

Crazy on you

Crazy on you

Let me go crazy, crazy on you, oh

Depeche Mode - Waiting for the Night

Uno de los momentos más íntimos de Violator (1990), el álbum que catapultó a Depeche Mode al estrellato mundial. "Waiting for the Night" es el quinto corte del disco, escrito por Martin Gore, y contrasta con la energía de "Personal Jesus" o "Enjoy the Silence" con una atmósfera lenta, casi hipnótica.

La canción nace de la fascinación de Gore y el productor Flood por Tangerine Dream: quisieron crear una secuencia similar usando un ARP y su secuenciador. El resultado es un tema construido sobre capas de sintetizadores y una cantidad brutal de delays. De hecho, cuando en 2006 remasterizaron el álbum, el ingeniero Kevin Paul reconoció que fue de las canciones más complicadas de reconstruir: contaba con unos 15 delays distintos repartidos entre voces y batería.

Curiosamente, muchos fans la conocen erróneamente como "Waiting for the Night to Fall", pero ese nunca fue el título real. Gore explicó en una entrevista de 1990 que la letra habla de esperar la noche como una especie de "alto perfecto y natural", un refugio frente al día.

El videoclip oficial, dirigido por Anton Corbijn (colaborador habitual de la banda), acompaña esa quietud con imágenes en blanco y negro muy en la línea estética que Corbijn definió para Depeche Mode en esta época.

Versión destacada: la banda sueca Ghost (entonces Ghost B.C.) grabó una versión para la edición japonesa de su álbum If You Have Ghost (2013), con Papa Emeritus II al frente. Es una relectura oscura y teatral, muy fiel al espíritu original pero con ese aire satánico tan suyo.

Vídeo oficial: 

Versión de Ghost: 

Letra: 

I'm waiting for the night to fall

I know that it will save us all

When everything's dark

Keeps us from the stark reality

I'm waiting for the night to fall

When everything is bearable

And there in the still

All that you feel is tranquillity

There is a star in the sky

Guiding my way with its light

And in the glow of the moon

Know my deliverance will come soon

I'm waiting for the night to fall

I know that it will save us all

When everything's dark

Keeps us from the stark reality

I'm waiting for the night to fall

When everything is bearable

And there in the still

All that you feel is tranquillity

And there is a sound in the calm

Someone is coming to harm

I press my hands to my ears

It's easier here just to forget fear

And when I squinted, the world seemed rose-tinted

And angels appeared to descend

To my surprise, with half-closed eyes

Things looked even better than when they were opened

Been waiting for the night to fall (night to fall)

I knew that it would save us all (save us all)

Now everything's dark

Keeps us from the stark reality

Been waiting for the night to fall (night to fall)

Now everything is bearable (bearable)

And here in the still

All that you feel is tranquillity

Fux Beat, Cimafunk, Tostao - Ayer Te Vi

Ayer te vi es el nuevo tema de Fux Beat, un productor y DJ puertorriqueño de Aguadilla, nominado al Grammy y ganador del Latin Grammy, que se mueve entre el reggaetón, el house, el indie rock y el ska. Aquí se junta con dos voces muy potentes de la música afrolatina: Cimafunk, el artista cubano que fusiona funk con ritmos afrocubanos y que empezó estudiando medicina antes de dedicarse a la música, y Tostao, miembro del grupo colombiano ChocQuibTown, con quien Fux Beat ya había colaborado antes en el tema "No Me Dejó".

La canción es un lanzamiento muy reciente, del 30 de julio de 2026, bajo el sello Sony Music, y reúne en un mismo tema tres países distintos: Puerto Rico, Cuba y Colombia, todos con raíces en la música negra del Caribe y Latinoamérica.

Dan Byrne – She's the Devil

Dan Byrne es un rockero británico que en 2026 lanzó su primer álbum, This Is Where the Show Begins, a través de Frontiers Music. "She's the Devil" es uno de los singles de adelanto, y el propio Byrne lo describe como el tema más desatado del disco: rock puro, con un toque blues-rock elevado al máximo y un puente que guiña el ojo a Whitesnake.

La canción habla de atracción y peligro: saber que alguien (o algo) es mala idea, y caer de todos modos. Byrne juega con la imagen del diablo tomando forma de mujer, de amante o incluso de una idea, algo que según él conecta con un hilo recurrente en el álbum: usar imaginería religiosa como herramienta literaria para explorar el conflicto humano y el deseo. El tema está producido de nuevo por David Radahd-Jones, colaborador habitual de Byrne, y él mismo ha dicho que es una de las pocas canciones del disco donde pudo soltarse del todo y mostrar el rango completo de su voz.

Letra: 

You've got blood on your teeth

And I can not breathe no more

So show me how to rock

And I'll show you how to roll

Cause she's the devil, she's my disease

With her long blonde hair and her little red dress

She can bring me to my knees

A kiss of fire, her serpent teeth

She's Like a fine red wine but I wont give her no time to breathe

She can do what she wants, with her little red horns

And I'll never look back again, 'cause she's the devil

You ain't scared of no priest

But you sure ain't got no soul

And you've got your taste of me

Before you drag me down below

Cause She's the devil, she's hard to please

With her long blonde hair and her little red dress

She can bring me to my knees

A kiss of fire, her serpent teeth

She's Like a fine red wine but I wont give her no time to breathe

She can do what she wants, with her little red horns

And I'll never look back again, 'cause she's the devil

So come and tell me something, while you're on my mind

Oh, I know your trouble, but I can't tell why

You can drag me down, you can make me bleed

Oh, I like a warning, so come and dance with me

With her long blonde hair and her little red dress

She can bring me to my knees

A kiss of fire, her serpent teeth

She's Like a fine red wine but I wont give her no time to breathe

(No time to breathe)

A kiss of fire she's hard to please

But if we're going all night, then she can give a little time to me

Cause she's the devil

Kavinsky - Nightcall

"Nightcall" es probablemente el tema más conocido del synthwave moderno, y todo gracias a una película. Kavinsky (Vincent Belorgey) lo publicó como single en 2010, pero su fama internacional llegó en 2011 al abrir los créditos de Drive, la película de Nicolas Winding Refn con Ryan Gosling. Ese arranque nocturno con Los Ángeles iluminado bajo los sintetizadores marcó a toda una generación de aficionados a la estética ochentera.

La canción tardó unos cuatro años en gestarse y nació de una idea de Guy-Manuel de Homem-Christo, de Daft Punk, quien coprodujo el tema. Las voces las pone Lovefoxxx, cantante de la banda brasileña CSS. El propio Kavinsky explicó una vez que la letra habla de un hombre convertido en zombi que vuelve a casa de su ex para decirle que ya no es el mismo, aunque ella ha rehecho su vida y lo rechaza: "tiene remordimientos e intenta ser un buen hombre, pero no puede porque está muerto".

Curiosidad triste: Kavinsky falleció el pasado 28 de julio de 2026, a los 50 años, encontrado sin vida en su casa de París. Se investigan las causas, aunque algunos medios franceses apuntan a un posible ictus.

Vídeo: 

Versión: en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de París 2024, "Nightcall" se interpretó en directo con Kavinsky, la banda Phoenix y la cantante belga Angèle asumiendo la voz principal. La actuación disparó las búsquedas del tema en Shazam hasta niveles récord.

Vídeo versión: 

Letra: 

I'm giving you a night call to tell you how I feel (we'll go all, all, all night long)

I wanna drive you through the night, down the hills (we'll go all, all, all night long)

I'm gonna tell you something you don't want to hear (we'll go all, all, all night long)

I'm gonna show you where it's dark, but have no fear (we'll go all, all, all night long)

There's something inside you

It's hard to explain

They're talking about you, boy

But you're still the same

There's something inside you

It's hard to explain

They're talking about you, boy

But you're still the same

I'm giving you a night call to tell you how I feel (we'll go all, all, all night long)

I wanna drive you through the night, down the hills (we'll go all, all, all night long)

I'm gonna tell you something you don't want to hear (we'll go all, all, all night long)

I'm gonna show you where it's dark, but have no fear (we'll go all, all, all night long)

There's something inside you

Well, it's hard to explain

They're talking about you, boy

But you're still the same

There's something inside you

It's hard to explain

They're talking about you, boy

But you're still the same

Kate Bush - The Man with the Child in His Eyes

Segunda entrega del debut de Kate Bush, "The Kick Inside" (1978), aunque en realidad la escribió con solo 13 años y la grabó a los 16. Ahí es nada. El single llegó al número 6 en el Reino Unido y se llevó el Ivor Novello Award a "Mejor Letra Británica" en 1979.

Lo curioso del tema es que todo el mundo se ha preguntado siempre quién es "el hombre con el niño en los ojos". Durante años se especuló que se refería a Steve Blacknell, su primer novio, que en 2010 llegó a poner a la venta las letras manuscritas originales asegurando que era él el protagonista. Sin embargo, la propia Kate lo desmintió en varias entrevistas explicando que la canción hablaba de los hombres en general: esa capacidad que tienen algunos de conservar dentro un niño, esa magia que muchas mujeres pierden al hacerse "demasiado responsables".

Se grabó en los AIR Studios de Londres en 1975 bajo la producción de David Gilmour (sí, el de Pink Floyd), que fue quien ayudó a costear la sesión. Bush ha reconocido que grabar con una orquesta completa a esa edad la aterrorizaba.

El videoclip es de una sencillez absoluta: ella sentada en el suelo, con las piernas cruzadas, cantando casi para sí misma. Según contó la propia Kate, fue idea de su hermano Jay, que la vio ensayando así y le dijo que lo dejara tal cual.

Letra: 

I hear him, before I go to sleep

And focus on the day that's been

I realise he's there

When I turn the light off and turn over

Nobody knows about my man

They think he's lost on some horizon

And suddenly I find myself

Listening to a man I've never known before

Telling me about the sea

All his love is 'til eternity

Ooh, he's here again

The man with the child in his eyes

Ooh, he's here again

The man with the child in his eyes

He's very understanding

And he's so aware of all my situations

When I stay up late

He's always waiting, but I feel him hesitate

Oh, I'm so worried about my love

They say, "No, no, it won't last forever!"

And here I am again, my girl

Wondering what on Earth I'm doing here

Maybe he doesn't love me

I just took a trip on my love for him

Ooh, he's here again

The man with the child in his eyes

Ooh, he's here again

The man with the child in his eyes

Tony Iommi & Jorn Lande - World Alone

Tony Iommi, el guitarrista fundador de Black Sabbath, ha vuelto a la carga con su primer single en solitario en 21 años. "World Alone" es el adelanto de su nuevo álbum, "From The Dark", que saldrá el 23 de octubre vía BMG y será su tercer disco en solitario tras "Iommi" (2000) y "Fused" (2005).

En esta ocasión Iommi comparte protagonismo con el cantante noruego Jørn Lande (conocido por Masterplan, Avantasia y por sustituir a Ronnie James Dio en la gira de Heaven & Hell en 2010), que pone voz a las ocho canciones del disco y firma también parte de la composición. Completan la banda Becky Baldwin (Mercyful Fate) al bajo y Karl Brazil (Robbie Williams) a la batería.

La canción se presentó en un evento especial en Birmingham, la ciudad natal de Iommi, muy cerca del famoso puente dedicado a Black Sabbath. El videoclip, de ambientación distópica, sigue a un personaje llamado "The Believer" atrapado en un videojuego retrofuturista del que debe escapar para salvar su vida.

El single saldrá también en formato 7 pulgadas el 4 de septiembre, con una versión instrumental en la cara B.

Letra: 

Hey, stranger, you run into the wall

Black shadow rises, looming over your life

But you hold on to save the light that shines your hall

Your prison cell, it's just a spell to make you fall

In the waters that you helm, the siren of the heart

Tyrants of the dawning can steal your sun

From the shatter of the quake, inner blackness you unfurl

To burn it with your fire, screaming, you restore your world alone

Above danger, losing ground as time reloads

Man and machine with the soul between, it flies with the heavy load

The liar will shout and drag you straight to hell

Wedlocked in a game that kills, fighting one-man wars

On the waters of your realm, dancing serpents in the dark

Diving without warning, aiming for the heart

As you're laying out your bait, you pull the trigger as they swirl

You know you never needed no one to face the world alone

Devil spawn to your deathblow

Evil will burn

In the waters of your well, life is on the rise

Children to the morning where no one feels

Running wired from the wait, revolution giving birth

They never needed anyone to change the world alone

Permyon - Black Ocean

Permyon es una banda de metal progresivo de Barcelona formada en 2025, aunque sus integrantes vienen de un proyecto anterior llamado Fiction Kills. El quinteto está formado por Sergi Molina (voz), Lean Martín (bajo), Jonathan Sainzman (teclados), Tzak Taylor (guitarras) y Rubén Sánchez (batería).

"Black Ocean" es el quinto corte de su álbum debut homónimo, "Permyon", publicado el 7 de enero de 2026. Curiosamente, el disco llegó siete años después de que la banda publicara su primera demo en 2018, así que este debut es el resultado de una gestación bastante larga.

A diferencia de otros temas del disco, más cercanos al metal progresivo puro, "Black Ocean" se decanta por un lado más de rock progresivo, con texturas sinfónicas y dinámicas más suaves. La canción cuenta además con la colaboración de Laia Esquinas en coros. La segunda mitad del tema destaca especialmente por sus solos de guitarra técnicos y sus arreglos elaborados.

The Smiths - Bigmouth Strikes Again

"Bigmouth Strikes Again" abre "The Queen Is Dead" (1986), el disco que muchos consideran la cima de The Smiths. Morrissey escribió la letra como una especie de autoparodia: se compara con Juana de Arco, arrepintiéndose de su propia lengua afilada después de haber hecho daño con sus palabras. Él mismo reconoció después que la canción nació de sentirse culpable tras una entrevista en la que se pasó de la raya criticando a otro artista.

Musicalmente destaca el trabajo de Johnny Marr, que grabó varias capas de guitarra entrelazadas, y los coros agudos que suenan casi como un eco fantasmal: son de Ann Coates, acelerados electrónicamente para que parecieran casi inhumanos, un efecto muy comentado en su momento.

La canción no tuvo un videoclip narrativo clásico (algo habitual en la banda, que apenas hizo vídeos convencionales).

Letra: 

Sweetness

Sweetness, I was only joking when I said

I'd like to smash every tooth in your head

Oh sweetness

Sweetness, I was only joking when I said

By rights you should be bludgeoned in your bed

And now I know how Joan of Arc felt

Now I know how Joan of Arc felt

As the flames rose to her Roman nose

And her Walkman started to melt

Bigmouth

Bigmouth

Bigmouth strikes again

And I've got no right to take my place with the human race

Bigmouth

Bigmouth

Bigmouth strikes again

And I've got no right to take my place with the human race

And now I know how Joan of Arc felt

Now I know how Joan of Arc felt

As the flames rose to her Roman nose

And her hearing aid started to melt

Bigmouth

Bigmouth

Bigmouth strikes again

And I've got no right to take my place with the human race

Bigmouth

Bigmouth

Bigmouth strikes again

And I've got no right to take my place with the human race

Bigmouth

Bigmouth

Bigmouth strikes again

And I've got no right to take my place with the human race

Bigmouth

Bigmouth

Bigmouth strikes again

And I've got no right to take my place with the human race

Bear McCreary - When I Am Dead (Film Version)

Hoy toca una pieza de música de cine, no una canción al uso. Pertenece a la banda sonora de The Professor and the Madman (2019), el drama histórico con Mel Gibson y Sean Penn sobre la creación del Oxford English Dictionary, con música de Bear McCreary.

La historia detrás de esta pieza es curiosa: McCreary no la compuso originalmente para el cine. En 2015 se topó con el poema "Song" de la poeta victoriana Christina Rossetti, que empieza con el verso "When I am dead, my dearest", y quedó tan fascinado que decidió ponerle música por puro placer personal, sin ningún encargo detrás. La grabó con la mezzosoprano Melanie Henley Heyn, con quien había trabajado desde sus años de universidad, junto al Calder Quartet y un viola da gamba a cargo de Malachai Bandy.

Años después, al componer la banda sonora de The Professor and the Madman (ambientada en la Inglaterra del siglo XIX), se dio cuenta de que aquella pieza "de cajón" encajaba perfectamente con el tono de la película, así que la reinterpretó y adaptó como Film Version para una escena dramática concreta. De hecho, el disco incluye las dos versiones: esta Film Version (6:44) y la pieza de concierto original de 2015 (5:22).

Vídeo (Film Version):

Versión de concierto original (2015), con Melanie Henley Heyn:

Letra (poema original de Christina Rossetti, "Song"):

When I am dead, my dearest,

Sing no sad songs for me;

Plant thou no roses at my head,

Nor shady cypress tree:

Be the green grass above me

With showers and dewdrops wet;

And if thou wilt, remember,

And if thou wilt, forget.

I shall not see the shadows,

I shall not feel the rain;

I shall not hear the nightingale

Sing on, as if in pain:

And dreaming through the twilight

That doth not rise nor set,

Haply I may remember,

And haply may forget.

Flamingods - Dreams (On The Strip)

Flamingods son un cuarteto psicodélico de Londres liderado por Kamal Rasool, conocidos por mezclar sonidos de Oriente Medio, Asia del Sur, África Occidental y pop británico. "Dreams (On The Strip)" fue su regreso en 2023, el primer tema nuevo tras el álbum "Levitation" de 2019.

Lo grabaron en Atlanta con el productor Ben H. Allen (que ha trabajado con Animal Collective, Deerhunter o M.I.A), y el estribillo cuenta con las voces de Poppy Hankin (de Girl Ray) y su pareja Joanie Eaton. Según el cantante Kamal Rasool, el poder de los sueños le tuvo enganchado tras perder a su padre por covid, empezando a tener sueños lúcidos con él en escenarios surrealistas que sentía a la vez poéticos y sin sentido, como si su padre intentara darle un consejo o simplemente estar más cerca de él. 

El videoclip, rodado entre Londres y Los Ángeles, está lleno de simbolismo: la imagen de las granadas hace referencia al nombre del pueblo de Baréin donde nació su padre, Ras Rumman (رأس الرمان), donde antiguamente se cultivaban granadas.

Video: 

Letra:

Reach out for the dreaming inside you

Six deep breaths to count along

Get in the car and drive it through highways

Heaven is burning slot machines

Dreams are all I got in this world now

Six deep breaths where you belong

Get in the car and driving through highways

Money is not the only way

Get in the car and driving through highways

Ten more years to rinse the doubt

Dreams are all I got in this world now

Reaching the sun is the only way out

Fall to the sun

Let it run until we're nothing at all

Round I spin to the sun

Let it run until we're nothing at all

Until we're nothing at all

VMBRA - Wyrm

VMBRA es una banda de metal progresivo de Manchester, formada en 2022 por Jack Hogg y Ai Sanchez, que ya se conocían de su etapa universitaria en un proyecto de alt-rock anterior. "Wyrm" es el segundo tema de su álbum debut, "POLYLITH", publicado en 2026.

La banda se define por una mezcla de coros potentes, armonías vocales muy trabajadas y cambios de dinámica constantes, con influencias que van de Porcupine Tree y Haken a Leprous. Una curiosidad: ganaron el concurso Metal 2 The Masses en Manchester tras haberlo intentado sin éxito años antes, lo que les abrió las puertas del festival Bloodstock.