Siete tipos de Camden Town con trajes de exploradores coloniales británicos, cascos pith, pantalones cortos y una pirámide de cartón piedra de fondo. Así rodaron el vídeo de "Night Boat to Cairo", con mucho alcohol de por medio y letras de karaoke bouncing ball en pantalla. El vídeo fue filmado a toda prisa en un estudio con un presupuesto mínimo porque no había tiempo suficiente antes del lanzamiento del EP. Resultado: uno de los vídeos más queridos de su carrera.
La canción pertenece al álbum debut de 1979, "One Step Beyond", y fue escrita por Mike Barson y Suggs. Empezó siendo un instrumental de Barson hasta que Suggs le añadió la letra. El productor Clive Langer propuso añadir cuerdas y Chris Foreman reconoció que le pareció la idea más pretenciosa que había escuchado jamás... hasta que escuchó el resultado.
Madness la suele usar para cerrar sus conciertos en directo. Y, curiosidad del idioma, "Night Boat" ha entrado en el argot cockney como término para referirse al cheque del subsidio de desempleo.
Letra:
It's just gone noon half past monsoon
On the banks of the river Nile
Here comes the boat only half-afloat
Oarsman grins a toothless smile
Only just one more to this desolate shore
Last boat along the river Nile
Doesn't seem to care, no more wind in his hair
As he reaches his last half mile
The oar snaps in his hand before he reaches dry land
Gerry Rafferty es conocido sobre todo por "Baker Street" (1978), ese saxofón que se te queda grabado para siempre. Pero tenía mucho más. "The Right Moment" aparece en "Sleepwalking" (1982), su quinto álbum de estudio, y es una de esas canciones que llegan sin avisar.
"Sleepwalking" fue un disco de ruptura para él. Cansado de tres álbumes seguidos con el mismo productor, Hugh Murphy, Rafferty fichó a Christopher Neil, que introdujo sintetizadores y caja de ritmos. Sonaba diferente, más frío, más de los ochenta. El álbum no vendió bien y, según cuentan, Rafferty se lo tomó muy a pecho. Después de él desapareció seis años del panorama discográfico.
"The Right Moment" cierra el disco junto a "As Wise as a Serpent" y es de las canciones más emotivas que escribió. Una melodía aparentemente sencilla que sostiene todo su peso con la voz. La letra habla de esa trampa en la que todos caemos: esperar el momento perfecto para cambiar, mientras el tiempo pasa. "Now you know that it's all borrowed time, and still you waste another day."
Vale la pena escuchar también la versión que grabó Olivia Newton-John en su álbum "Soul Kiss" (1985). Su entonces marido, Matt Lattanzi, encontró la canción en el disco de Rafferty y se la llevó diciéndole que le ponía la piel de gallina. Y no le faltaba razón.
"Blood on the Rooftops" pertenece a "Wind & Wuthering" (1977), el octavo álbum de Genesis y el último con Steve Hackett. La canción la escribió Hackett, con Phil Collins contribuyendo al estribillo y los arreglos. Hackett tenía entonces una relación tirante con el resto de la banda, que consideraba que sus ideas no se tenían suficientemente en cuenta. Con todo, Banks y Rutherford reconocerían que era la mejor canción que Hackett escribió para Genesis.
La letra es una crítica irónica y nada disimulada a la apatía del ciudadano británico de los años 70, anestesiado por la televisión y la taza de té mientras el mundo arde. Algo que, por aquella época, Genesis normalmente evitaba: meterse en política.
Phil Collins canta con la guitarra acústica de Hackett de fondo, y el resultado es una balada oscura y gris, como un cielo de noviembre sobre el Támesis. Una de las joyas más infravaloradas del catálogo de Genesis.
Steve Hackett sigue tocando este tema en sus conciertos en solitario, donde repasa el repertorio de Genesis. Merece la pena escucharle en esta versión en directo desde el Hammersmith Apollo (2013):
Audio oficial:
Letra:
Dark and grey, an English film, the Wednesday Play
We always watch the Queen on Christmas Day
Won't you stay?
Though your eyes see shipwrecked sailors you're still dry
The outlook's fine though Wales might have some rain
Saved again
Let's skip the news boy (I'll make some tea)
Arabs and Jews boy (too much for me)
They get me confused boy (puts me off to sleep)
And the thing I hate, oh Lord!
Is staying up late, to watch some debate, on some nation's fate
Hypnotised by Batman, Tarzan, still surprised
You've won the West in time to be our guest
Name your prize!
Drop of wine, a glass of beer, dear, what's the time?
The grime on the Tyne is mine, all mine, all mine
Five past nine
Blood on the rooftops, Venice in the Spring
The Streets of San Francisco, a word from Peking
The trouble was started by a young Errol Flynn
Better in my day, oh Lord!
For when we got bored, we'd have a world war, happy but poor
So let's skip the news boy (I'll go and make some tea)
Blood on the rooftops (too much for me)
When old Mother Goose stops, and they're out for 23
1984. Iron Maiden publica "Powerslave" y lo cierra con una bestia de 13 minutos y 38 segundos. Tiempo suficiente, como alguien calculó, para hacer una pizza congelada. Steve Harris, el bajista y compositor de la banda, se inspiró en el poema homónimo de Samuel Taylor Coleridge escrito en 1798, considerado el inicio de la literatura romántica inglesa. La historia: un marinero mata a un albatros sin motivo y su barco queda maldito. Sed, muerte de la tripulación y condena eterna a contar su historia a quien se cruce.
Harris no recuerda exactamente por qué eligió ese poema. Bruce Dickinson tiene su propia teoría: hartos de que los llamaran adoradores del diablo después de "The Number of the Beast", Harris quiso dejar claro que el Maiden hablaba de elecciones, consecuencias y respeto a la vida, no de satanismo.
Cuando Harris presentó la canción al grupo, nadie pensó que acabaría durando tanto. El guitarrista Adrian Smith lo recordó así: en las grabaciones en las Bahamas, Harris tuvo que colgar las letras desde el techo hasta el suelo porque eran demasiadas para sujetarlas en la mano. La canción nunca se publicó como single, pero fue el plato fuerte de la gira "World Slavery" del 84 al 85 y ha vuelto al repertorio en varias ocasiones. Fue la canción más larga del Maiden durante 31 años, hasta que en 2015 "Empire of the Clouds" la superó con sus 18 minutos.
Hear the rime of the ancient mariner
See his eye as he stops one of three
Mesmerizes one of the wedding guests
Stay here and listen to the nightmares of the sea
And the music plays on, as the bride passes by
Caught by his spell and the mariner tells his tale
Driven south to the land of the snow and ice
To a place where nobody's been
Through the snow fog flies on the albatross
Hailed in God's name, hoping good luck it brings
And the ship sails on, back to the North
Through the fog and ice and the albatross follows on
The mariner kills the bird of good omen
His shipmates cry against what he's done
But when the fog clears, they justify him
And make themselves a part of the crime
Sailing on and on and north across the sea
Sailing on and on and north 'til all is calm
The albatross begins with its vengeance
A terrible curse, a thirst has begun
His shipmates blame bad luck on the mariner
About his neck the dead bird is hung
And the curse goes on and on and on at sea
And the thirst goes on and on for them and me
Day after day, day after day, we stuck, no breath nor motion
As idle as a painted ship upon a painted ocean
Water, water everywhere and all the boards did shrink
Water, water everywhere nor any drop to drink
"There", calls the mariner, "There comes a ship over the line"
"But how can she sail with no wind in her sails and no tide?"
"See, onward she comes"
"Onward she nears, out of the sun"
"See, she has no crew, she has no life"
"Wait but there's two"
Death and she, Life in Death, they throw their dice for the crew
She wins the mariner and he belongs to her now
Then, crew one by one
They drop down dead, two hundred men
She, she, Life-in-Death
She lets him live, her chosen one
One after one by the star dogged moon
Too quick for groan or sigh
Each turned his face with a ghastly pang
And cursed me with his eye
Four times 50 living men
(And I heard nor sigh nor groan)
With heavy thump, a lifeless lump
They dropped down, one by one
The curse it lives on in their eyes
The mariner he wished he'd die
Along with the sea creatures
But they lived on, so did he
And by the light of the moon
He prays for their beauty not doom
With heart he blesses them
God's creatures all of them too
Then the spell starts to break
The albatross falls from his neck
Sinks down like lead into the sea
Then down in falls comes the rain, ha, ha, ha
Hear the groans of the long dead seamen
See them stir and they start to rise
Bodies lifted by good spirits
None of them speak and they're lifeless in their eyes
Barclay James Harvest es una de esas bandas que el tiempo ha tratado mejor que su época. Formados en 1966 en Oldham, Inglaterra, fueron etiquetados como "el próximo gran fenómeno del rock orquestal" y recibieron críticas demoledoras. La ironía es que algunas de sus canciones han sobrevivido décadas enteras.
"Mocking Bird" es la mejor prueba de ello. John Lees la escribió en 1968 mientras vivía en casa de los padres de su futura esposa, Olwen. Grabó la primera maqueta con un magnetófono prestado por ella. La canción se convirtió rápidamente en favorita del directo, aunque no se grabó en estudio hasta 1970, ya con los arreglos orquestales de Robert John Godfrey para el álbum "Once Again" (1971). El problema: esos arreglos desencadenaron una demanda judicial que duró años y costó al grupo una fortuna. El tribunal acabó reconociendo la autoría parcial de Godfrey sobre varios temas, incluido este. Godfrey se marchó del proyecto y acabó fundando The Enid.
La canción nunca dejó de sonar en directo. En agosto de 1980, BJH tocaron en un concierto gratuito frente al Reichstag, en Berlín Occidental, ante unas 250.000 personas, con el Muro todavía en pie. "Mocking Bird" estaba en el setlist, como siempre.
Vale la pena ver también la versión del concierto de Berlín de 1980. Ante un cuarto de millón de personas, tiene otra dimensión:
Oïkoumen es un trío parisino de metal progresivo/sinfónico fundado en 2017 por Élie Veux (guitarra y composición), Laura Mazard (voz y letras) y Yaël Febvray (bajo y sintetizadores). El nombre viene del griego "oïkoumene", que designa el mundo conocido y habitado por la humanidad, una idea que atraviesa toda su música: comprometida, visceral, con la orquesta al servicio de la emoción.
"A Time-flying Ballad" es la quinta pista de "Resilience", su segundo álbum, publicado el 17 de abril de 2026. Es el respiro del disco: guitarra acústica, efectos etéreos y la voz soprano de Laura Mazard en modo más íntimo, muy alejada del pulso agresivo de canciones como "Reign of Idiocy" o "Revenge". Los críticos la han comparado con el rock progresivo de los 70 de bandas con voz femenina, en la línea de Renaissance. El propio título contiene un pequeño guiño: el tiempo vuela escuchándola.
Una pieza que parece un vals romántico pero que esconde algo inquietante. El saxofón alto abre la melodía con esa elegancia levemente siniestra que solo Shostakóvich sabía construir, apoyado en un ritmo de marcha que no deja de pulsar por debajo.
La pieza nació en 1955-56 como parte de la música que Shostakóvich compuso para la película soviética "El primer escalón", dirigida por Mijaíl Kalatozov. Pero su historia tiene una vuelta curiosa: durante décadas fue catalogada erróneamente como la "Suite para orquesta de jazz n.° 2". El error vino de una nota editorial en una edición soviética de las obras completas publicada en 1984. El título correcto, "Suite para orquesta de variedades", no se publicó hasta 2001.
Lo que hace especial la orquestación es la inclusión de cuatro saxofones, guitarra y acordeón, instrumentos propios de una banda de baile, que le dan ese aire de cabaret o de pista de circo.
La fama mundial llegó cuando Stanley Kubrick utilizó la grabación de Riccardo Chailly con la Royal Concertgebouw Orchestra en la banda sonora de su última película, "Eyes Wide Shut" (1999). Y antes de eso, en 1994 André Rieu publicó su versión en single, que entró en el top 5 en Holanda y vendió más de 50.000 copias.
Aquí la interpretación con la Orquesta Estatal de Rusia:
Penny Arcadia son un grupo sueco formado por músicos veteranos de la escena rock escandinava. La cara más conocida es Anders "Boba Fett" Lindström, guitarrista de los Hellacopters. Le acompañan el baterista Rickard "Hux" Nettermalm, que ha trabajado con artistas tan dispares como Peter Jöback y Ghost, y Odd Ahlgren al frente del micrófono, un cantante con una presencia que se sale.
En 2025 publicaron su EP debut, "Behold, I Will Do A New Thing", bajo el sello Ella Ruth Institutet. "Blessings" pertenece a "Mutants Arise!" (2026), su primer álbum largo, un disco que suena a rock psicodélico con el Hammond de Deep Purple, algo de Lou Reed y el descaro que uno esperaría de gente con ese currículum.
Adriano Celentano llevaba años obsesionado con la música americana. No hablaba inglés, pero le encantaba cómo sonaba. En 1972 decidió llevar esa fascinación al extremo: grabó una canción que suena exactamente como inglés con acento americano, pero en la que ninguna palabra significa nada. Puro galimatías fonético. La única excepción: "all right", que se repite en el estribillo. La grabó improvisando sobre un bucle de cuatro tiempos de batería en el estudio, junto a los coros de su mujer, Claudia Mori. Quería demostrar que la incomunicación también tiene ritmo, que el sonido puede atrapar aunque el significado brille por su ausencia. Y lo demostró.
La canción entró en las listas de varios países europeos y, con cierta ironía, también en las de Estados Unidos, donde los oyentes entendían exactamente lo mismo que los italianos: nada. En Italia, curiosamente, tardó dos años más en triunfar. Lo hizo en 1974, cuando Celentano la interpretó en televisión y bailó con Raffaella Carrà, que hacía playback con la voz de Claudia Mori. Celentano siempre ha dicho, con toda la seriedad del mundo, que con esta canción inventó el rap.
El tema se incluyó en el álbum "Nostalrock" (1973). Años más tarde, en 2016, Celentano sacó una nueva versión con producción de Benny Benassi y con Mina en los coros. También grabó una versión en italiano real llamada "Il Seme del Rap" para el álbum "Quel Punto" (1994), que funcionaba como parodia del hip hop. La versión original ha aparecido en series como "Fargo" y "Ted Lasso", y en 2026 suena en un anuncio de EasyJet.
TodoMal es un proyecto de doom metal atmosférico nacido en 2020 de la colaboración entre el músico angloespañol Christopher B. Wildman y el productor y compositor Javier Fernández Milla, dos veteranos de la escena underground española. Su nombre lo dice todo: "todo mal". Un sonido construido sobre la solemnidad del doom clásico, la amplitud del space rock, el eco del cine de Morricone y referencias que van de Vangelis a Nick Cave.
"Humanised Gods" es el segundo single de su tercer álbum, "Graveyards of Joy", que sale el 3 de julio de 2026 a través de Season of Mist. Este disco cierra una trilogía que comenzó con "Ultracrepidarian" (2021) y continuó con "A Greater Good" (2023), escrita en soledad tras una tragedia personal y grabada entre los pueblos fantasma y las llanuras despobladas del interior de España.
La canción arranca en la Roma imperial, en la dinastía Claudia, donde los emperadores eran tratados como semidioses y sobre los que se proyectaban deseos y adoraciones. De ahí salta al presente: el culto al yo, el individualismo como religión, el vacío que deja la admiración cuando se convierte en deificación. Dentro del disco es, según la banda, un momento de relativo alivio: más melódica y directa que el resto, casi sin guardia.
Anekdoten es una banda sueca de rock progresivo formada por el guitarrista/vocalista Nicklas Barker, la violonchelista/teclista Anna Sofi Dahlberg, el bajista/vocalista Jan Erik Liljeström y el batería Peter Nordins. Son conocidos por el uso del mellotron y su sonido pesado dominado por un bajo contundente, y su música se asocia con la tradición del rock progresivo de los 70, especialmente con King Crimson.
La banda surgió en Borlänge (Suecia) cuando los miembros fundadores transitaron de ser un grupo tributo de King Crimson llamado King Edward a crear material propio tras la incorporación de Dahlberg en 1991.
"Sad Rain" es una de las joyas más buscadas de su catálogo. Apareció como bonus track en la edición japonesa de su álbum debut Vemod (1993), con una duración de casi diez minutos, una de las composiciones más largas que la banda ha escrito, y está empapada de cuerdas y flauta de mellotron. Fue además la primera canción que Anekdoten escribió, en 1991.
En 2009, la banda incluyó una versión alternativa — Sad Rain (Alt Mix) — en su recopilación doble "Chapters", editada en el sello Kscope. Una oportunidad de escuchar la misma canción con otra mirada, más introspectiva si cabe.
Oscura, hipnótica y devastadoramente bella. Una de esas canciones que hacen que el tiempo se detenga.
Peter Schilling es el alemán que en 1982 puso a todo el mundo a cantar "Major Tom", su himno synthpop sobre un astronauta a la deriva. Dos años después volvió con "Terra Titanic", primer single de su álbum "120 Grad", y demostró que el espacio exterior no era su única obsesión: también le atraían los desastres con moraleja.
La canción usa el hundimiento del Titanic como metáfora de la arrogancia humana: el capitán llena su vaso de whisky tranquilamente mientras el iceberg aparece en el horizonte. Todo está a punto de irse al fondo, y él ajusta el esmoquin. La imagen es perfecta.
Curiosidades:
- Fue escrita junto al compositor alemán Ulf Krüger y llegó al puesto #26 en las listas alemanas, donde permaneció 18 semanas.
- Curiosamente, en 2003 volvió a entrar en las listas alemanas, alcanzando el #95.
- El SOS que suena en la canción está codificado en morse real — uno de esos detalles que no notas a primera escucha pero que, cuando lo descubres, ya no puedes desoírlo.
- La canción existe en dos versiones: la original en alemán y una en inglés ("Lost to the Sea"), grabada para el mercado anglosajón.
Versión original en alemán:
Versión en inglés – Lost to the Sea:
Das Radar hat's vorausgeseh'n, das Echolot hat gewarnt.
Souverän füllt der Kapitän das Whiskey-Glas in der Hand bis zum Rand.
Auf dem Sonnendeck ist der Eisberg zu seh'n,
majestätisch, bedrohlich und unheimlich schön.
Man spürt die Gefahr, aber man kann sie nicht seh'n.
Terra-Titanic — verloren im Meer,
S-O-S kommt nie an.
Leuchtsignale sieht keiner mehr,
Endstation Ozean.
Der Gigant bäumt sich stöhnend auf, die Tänzerin bleibt zurück.
Explosion im Maschinenraum — das letzte Boot hatte Glück, hatte Glück.
Die Ratten verlassen das sinkende Schiff,
doch der Käpt'n im Smoking beachtet sie nicht.
Mit dem Glas in der Hand — und die Flut löscht das Licht.
1995. Rollo Armstrong le dio el título a Maxi Jazz una tarde. Veinte minutos después, Maxi tenía la letra. La grabó al día siguiente en unos 25 minutos. Así nació uno de los himnos más grandes de la música electrónica.
La primera vez que se publicó, en 1995, llegó al número 27 en el UK Singles Chart. Al reeditarla en 1996, subió hasta el número 3 en el Reino Unido y lideró las listas de Finlandia, Noruega, Suiza y los charts de baile de EE.UU. y Canadá.
Hay una anécdota que dice mucho del momento: la primera línea original era "I only smoke weed when I need to", pero Maxi Jazz la cambió por "Deep in the bosom of the gentle night" por presión de MTV.
Mixmag la votó como el quinto mejor disco de dance de todos los tiempos en 2013, y en 2023 fue certificada triple platino por la BPI. En diciembre de 2022 fallecía Maxi Jazz. Sister Bliss y Rollo siguen siendo Faithless.
En diciembre de 2025, con motivo del 30 aniversario de la canción, la orquesta Symphony of Unity —el proyecto orquestal de Tomorrowland— publicó una versión que lleva en sus directos desde su primer concierto hace diez años. Cuerdas, metales, coros y electrónica, con ese silencio icónico antes del drop. Una versión que ya se ha escuchado en el Sphere de Las Vegas y en Tomorrowland.
Deep in the bosom of the gentle night
Is when I search for the light
Pick up my pen and start to write
I struggle, fight dark forces
In the clear moonlight
Without fear, insomnia
I can't get no sleep
I used to worry, thought I was goin' mad in a hurry
1985. El dúo formado por Manolo García y Quimi Portet publica su primer álbum, "Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana", y en él viene escondido lo que acabará siendo uno de los grandes himnos del pop español.
La historia tiene dos polos. En uno, la letra narra la muerte de un soldado llamado Adrián en un frente de guerra anónimo, y la carta de amor que llevaba encima dirigida a su novia Milagros. En el otro está Quimi Portet con su propia confesión: "La escribí de cachondeo, para hacer una parodia de los cantautores trágicos y hacer reír a varios amigos. Nunca imaginé que la gente se la tomaría tan en serio, que lloraría con ella. Cuando me di cuenta de los sentimientos que provocaba, se acabó la coña."
El videoclip fue producido por "La Bola de Cristal", el icónico programa de TVE que lo estrenó, y la canción quedó clasificada en el puesto 87 de las 200 mejores canciones del pop-rock español según "Rolling Stone" en 2010.
Y el 3 de mayo de 2026, treinta años después de su disolución, 56.000 personas llenaron el Estadio Olímpico de Barcelona para verles reunidos de nuevo. "Querida Milagros" sonó, como no podía ser de otra manera, entre los primeros temas de la noche.
Esta mañana al salir a patrullar, hallamos muerto al soldado Adrián.
Como manda el reglamento procedimos a buscar los objetos que llevara.
Sólo hallamos esta carta:
Querida Milagros, llevo seis días aquí.
Te echo de menos, no puedo vivir sin ti.
He visto las explosiones brillando a mi alrededor.
Tengo miedo, no lo oculto, sólo me queda tu amor.
Por ahora la suerte me ha sonreído,
necesito verte, aquí no hay amigos.
No estaría de más que alguien me explicara
qué tiene esto que ver contigo y conmigo.
Querida Milagros, queda tanto por vivir.
Sería absurdo dejarse la piel aquí.
Querida Milagros, aún no he podido dormir.
Un sueño frío me anuncia que llega el fin.
Cuando leas esta carta háblales a las estrellas,
desde que he llegado aquí sólo he hablado con ellas.
Seattle, 1990. Alice in Chains grababa su álbum debut "Facelift" y necesitaba algo que los definiera. Lo encontraron sin buscarlo demasiado.
La letra la escribió Layne Staley después de una cena con ejecutivos de Columbia Records que eran vegetarianos y le explicaron cómo se crían los terneros en cajas pequeñas. Esa imagen, combinada con su rabia contra la censura mediática y gubernamental, dio forma al texto. Años después, en una entrevista con MuchMusic, Staley lo resumió con honestidad: "Estaba muy, muy colocado cuando lo escribí, así que significaba algo diferente entonces", dijo riéndose.
El efecto de guitarra distorsionado y casi vocal que abre la canción no es un pedal convencional: es un "talk box". La idea se le ocurrió al productor Dave Jerden de camino al estudio, cuando sonó "Livin' on a Prayer" de Bon Jovi en la radio.
En las notas del recopilatorio "Music Bank" (1999), Jerry Cantrell dijo: "Ese ritmo y ese peso fue cuando empezamos a encontrarnos a nosotros mismos; ayudó a Alice a convertirse en lo que fue."
El último concierto de Alice in Chains con Layne Staley, el 3 de julio de 1996, lo cerraron con esta canción. Un final que, visto desde hoy, tiene todo el peso del mundo.
2010. Rihanna acaba de cerrar el ciclo oscuro de "Rated R" y llama a los productores noruegos "Stargate" con un encargo claro: quiero algo alegre, bailable, con energía. El resultado fue tan bueno que Katy Perry también lo quiso. Los propios Stargate lo contaron: "Sabíamos que teníamos algo especial cuando las dos reaccionaron así, pero la canción era de Rihanna desde el principio."
Fue la primera canción compuesta para el álbum "Loud", y Rihanna la eligió para el disco antes incluso de grabar su voz. En términos de producción, hizo historia: fue una de las primeras canciones pop en radio en aplicar el "beat drop" en el coro, dejando 16 compases sin bajo ni batería antes del estallido. Una técnica habitual en la música de club que nadie había usado así en una canción mainstream.
Debutó en el puesto 75 del Billboard Hot 100 y tardó 11 semanas en llegar al número 1 — la primera vez en la historia del chart que el segundo single de un álbum llegó al número 1 antes que el primero, y luego el primero lo alcanzó igualmente. Ese año Rihanna logró cuatro números uno, la primera artista femenina en conseguirlo en un mismo año natural.
Ganó el Grammy a la Mejor Grabación Dance en 2011.
La-la-la-la
La-la-la-la
La-la-la-la (Uh, yeah)
La-la-la-la
I want you to love me
Like I'm a hot guy (Uh, yeah)
Be thinking of me (Uh)
Doing what you like (Haha)
So, boy, forget about the world
'Cause it's gon' be me and you tonight (Yeah)
I wanna make you beg for it
Then I'ma make you swallow your pride (Oh)
Want you to make me feel
Like I'm the only girl in the world
Like I'm the only one that you'll ever love
Like I'm the only one who knows your heart
Only girl in the world
Like I'm the only one that's in command
'Cause I'm the only one who understands
How to make you feel like a man, yeah
Want you to make me feel
Like I'm the only girl in the world
Like I'm the only one that you'll ever love
Like I'm the only one who knows your heart
Only one
Want you to take it (Uh)
Like a thief in the night (Uh)
Hold me like a pillow (Yeah)
Make me feel right (Uh)
Baby, I'll tell you all the secrets that I'm keeping
You can come inside (Yeah)
And when you enter, you will never leave
Be my prisoner for the night (Oh)
Want you to make me feel
Like I'm the only girl in the world
Like I'm the only one that you'll ever love
Like I'm the only one who knows your heart
Only girl in the world
Like I'm the only one that's in command
'Cause I'm the only one who understands
Like I'm the only one who knows your heart
Only one
Take me for a ride, ride
Oh, baby, take me high, high
Let me make you burst, burst
I'll make it last all night, night
Take me for a ride, ride
Oh, baby, take me high, high
Let me make you burst, burst
Make it last all night
Want you to make me feel
Like I'm the only girl in the world
Like I'm the only one that you'll ever love
Like I'm the only one who knows your heart
Only girl in the world
Like I'm the only one that's in command
'Cause I'm the only one who understands
Like I'm the only one who knows your heart
Only girl in the world
Girl in the world
Only girl in the world
Girl in the world
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Versiones que vale la pena escuchar:
"Boyce Avenue feat. Alex Goot (2011)" — Una versión acústica con piano que demuestra la solidez de la melodía despojada de toda la electrónica. Sorprende lo bien que funciona en formato íntimo.
"Rihanna – Super Bowl LVII (2023)" — No es una versión en sí, pero merece mención: Rihanna la recuperó en el halftime show mezclada con "Where Have You Been", ante 100 millones de espectadores y embarazada de su segundo hijo. Una de las actuaciones más comentadas de los últimos años.
"Katy Perry (California Dreams Tour, 2011)" — La misma artista que la quiso para ella acabó cantándola en directo, en un mashup acústico junto a "Whip My Hair" de Willow Smith. La ironía perfecta.
Veinticinco años dando caña desde Barcelona y Vincent Black Shadow siguen sin pedir permiso a nadie. La banda liderada por Mariano Gil y Nacho Oliver lleva desde 2001 construyendo su propio universo de pure rock al margen de modas: guitarras poderosas, letras en castellano con tintes de ciencia ficción y un sonido que mezcla la brutalidad de Black Sabbath, el garaje de The Stooges y la psicodelia de Hawkwind y Blue Öyster Cult.
"Dr. Frankenstein" es el sexto corte de "Veni Vidi Vincent" (2026), su nuevo álbum que celebra esas dos décadas y media de trayectoria. Un trabajo que en lugar de mirar atrás con nostalgia, suena a banda que sabe perfectamente lo que es y adónde va.
La formación actual —Mariano Gil a la guitarra solista, Nacho Oliver a la voz y guitarra rítmica, Javier Duclosson a la batería y Adrià Guerrero al bajo— es quizás la más compacta y sólida de su historia.
Julio de 1984. Dio llevaba apenas un año en el mercado con "Holy Diver", uno de los debuts más sólidos del heavy metal, y ya tenían el sucesor listo. "The Last in Line" salió el 2 de julio de 1984 y se convirtió en el álbum más exitoso de la banda, alcanzando el número 4 en el Reino Unido y el número 23 en EE.UU.
La canción que da título al disco es pura filosofía Dio. En las notas del recopilatorio "Stand Up and Shout" de 2003, Ronnie explicó que la canción tenía muchas interpretaciones posibles: ser el último en la fila puede significar que ya no queda nada bueno, o puede significar ser el último superviviente, el más fuerte. Para él siempre fue esto último: la perseverancia ante los desafíos de la vida.
Fue el único tema de Dio en entrar en el Top 10 del Billboard Album Rock Tracks.
El videoclip es una joya aparte. Lo dirigió Don Coscarelli, el cineasta de culto detrás de la saga "Phantasm". Coscarelli ha contado que fue Ronnie quien añadió profundidad a su concepto original de "adolescentes en el infierno", diciéndole: "Desde el nacimiento hasta la muerte, todos estamos en una fila. Imagina que eres el último."
Versión que vale la pena:
Tenacious D versionó la canción para el álbum tributo "This Is Your Life" (2014), y ganó el Grammy a la Mejor Actuación de Metal en 2015 con ella. Jack Black era fan declarado de Ronnie James Dio desde siempre.
GENER8ION es el proyecto del productor francés Surkin (Benoît Heitz), con una larga asociación artística con el director de cine Romain Gavras. Juntos han firmado algunas de las colaboraciones más salvajes de la última década: M.I.A., Justice, 070 Shake...
STORM I & II fue lanzado el 24 de abril de 2026 bajo el sello Iconoclast Music, con Yung Lean —el rapero y cantante sueco Jonatan Leandoer— como protagonista absoluto.
Pero aquí lo que importa tanto como la música es el vídeo. Siete minutos y medio de fiebre adolescente en un internado de élite, dirigido por Romain Gavras —el autor de "Athena" y de vídeos que definieron una era para M.I.A., Justice y Jamie xx—, con una coreografía brutal de Damien Jalet. Ambientado en Leeds en el año 2034, Yung Lean interpreta al estudiante dominante que gobierna el internado a base de intimidación y carisma. Sin diálogos. Solo tensión, movimiento y un desenlace coreográfico que parte la pantalla. Musicalmente, las dos partes de "Storm" son un híbrido electro-rock que complementa perfectamente lo que Yung Lean ha estado haciendo en los últimos meses.
Un comentario en YouTube lo resume bien: "AI, buena suerte intentando hacer algo así."
STORM I — Letra
I got, got, got
I-I-I
You got a death wish
Got a death wish
Someone said: "Hey, you got a death wish"
It's on my hit list
I'm on the blacklist
On the Forbes list
Put it on my lip
I take another one
And you won't die for some
If you don't stand for none
So just go ahead and run
Run, run, run, run, run
Just go ahead and run
Run, run, run, just go a-
If you won't die for some (If you won't die for some)
If you don't stand for none (If you don't stand for none)
Got a death wish
It's on my hit list
I'm on the blacklist
On the Forbes list
STORM II — Letra
Like an empty fire
Like your desire
Like an empty fire
Stand tall, go higher
And on and on and on and on and on
And I say...
We stay united through the storm (Hey, hey, hey, hey, hey)
Lay all your love right on my door (Hey, hey, hey, hey, hey)
I never fall, I'm standing tall (Hey, hey, hey, hey, hey)
Go take the darkness out my heart (Hey, hey, hey, hey, hey)
Ihlo nació en 2016 cuando el guitarrista Phil Monro encontró a Andy Robison —vocalista y teclista— a través de grupos de memes de Facebook. Así de raro y así de actual. Los dos empezaron a colaborar en remoto antes de incorporar al batería Clark McMenemy en 2017.
"Triumph" es el quinto corte de su debut "Union" (2019), un álbum que alcanzó el número 1 en las listas de Progressive Metal de Bandcamp y que se ha convertido en algo así como un disco de culto. Su sonido mezcla metal progresivo, elementos electrónicos e influencias del pop, con referencias declaradas como Porcupine Tree, Devin Townsend y TesseracT.
Una curiosidad: la banda se llamó en origen proyecto de estudio, sin intención de tocar en directo. Hoy son teloneros de Leprous y Between the Buried and Me. No está nada mal para empezar por memes.
En 2024 "Union" fue remasterizado por Acle Kahney de TesseracT y editado en vinilo por primera vez, con dos grabaciones en directo del ProgPower Europe 2023 como bonus.
"Triumph" (Versión Instrumental) (2020) publicada en Bandcamp.
Vale la pena escucharla para apreciar el trabajo de las capas electrónicas sin la voz encima.
Un australiano, una traición real y un gancho que no puedes sacarte de la cabeza.
Jude York es el nombre artístico de Jeremy Beamish, nacido en Toowoomba, Queensland, en una familia musical: su madre, cantante de ópera; su padre, compositor de jingles. En 2022 compitió en la selección australiana para Eurovisión con "I Won't Need to Dream". Desde entonces ha construido su carrera a golpe de TikTok y Spinnin' Records, acumulando millones de streams con su pop cinematográfico y nostálgico.
"Camilla" se publicó el 24 de abril de 2026 y es, sin rodeos, una canción sobre la traición de Carlos y Diana. El tema arranca con un eco musical de la legendaria entrevista de Diana en el Panorama de la BBC de 1995, cuando dijo que en su matrimonio eran tres y la cosa era un poco abarrotada. York canta aparentemente desde la perspectiva de la persona traicionada, con Camilla como presencia que acecha en el espejo.
La curiosidad: la canción circuló meses antes en TikTok como un simple tease — el famoso "Ca-Ca-Ca-Camilla" — y los fans llevaban semanas rogándole que la lanzara de una vez. Funcionó: el día del lanzamiento ya era viral.
Little, little kisser, like to keep it all discreet
Lipstick on your collar from the shadow on the street
Bite my tongue, know nothing, tryna...
And if I'm too late, how do I compete?
I thought I'd be the last man standing
But when I close my eyes, then who is she?
You swore it'd be just us crash-landin'
Ah-ah, woah, woah
Then there were three
I see her face in the back of the mirror
Ca-Ca-Ca-Ca-Camilla, Ca-Ca-Camilla
I hate the taste on my tongue, it's so bitter
Ca-Ca-Ca-Ca-Camilla, Ca-Ca-Camilla
Oh, I see her face in the back of the mirror
Ca-Ca-Ca-Ca-Camilla, Ca-Ca-Camilla (Ooh)
I hate the taste on my tongue, it's so bitter (Ah)
Dominic Sanderson tiene 26 años y ya es una de las voces más interesantes del prog rock contemporáneo. Sus referencias declaradas son Van der Graaf Generator y King Crimson, pero las toma como punto de partida para construir algo propio, con resultados sorprendentes.
From the Weeping Cradle abre su segundo álbum, Blazing Revelations (2025), con una duración de 12 minutos. Arranca con un clavinet girador y un riff de guitarra disonante, que dan paso a una sección más directa, con bajo y batería empujando con urgencia y flauta añadiendo otra textura.
Curiosidades:
El álbum fue grabado y mezclado en una radio abandonada a lo largo de 10 meses durante 2024.
Andy Frizell, el saxofonista de la banda, fue el profesor de música de Dominic. Es el único miembro que no es "ridículamente joven".
La canción abre con un motivo de clavinet, algo que ya de entrada marca las intenciones del disco.
Versión en directo que merece la pena:
En febrero de 2026 Sanderson publicó Live Revelations, grabado en el Birmingham Symphony Hall, sin click, sin pistas de apoyo y sin retoques digitales: prog rock de la vieja escuela en estado puro.
Perched in the throne room of naivety
The wine is plentiful and the trumpets sing
But to no avail, as dusk sprints away and dawn thinks again
And as he climbs up from his stool, he wails, carrying the burden of gain
He calls out and the echo returns
And rising from his stupor, he opens the doors
Emerald green scales the heights of pageantry
And crystals, clear and pure, line the rocks beneath
As the building behind him crumbles and rots in the face of longevity
The song he hears cannot be scored, named or replicated by tethered souls
Bleary-eyed and drooling, he calls out once more
And seeing the mighty oak stir, he knows what to do
And he climbs, rung by rung as his robe is carefully dismantled by a hundred hands
And he climbs, rung by rung as another golden captive dares to freefall into further entrapment
And he climbs, rung by rung as the sap cleanses and heals the brand of misguided worship on his palms
And he climbs, rung by rung encased in an arbour of spiralling jade
And as he reaches for the final rung, the sacrifice can begin under the watch of tangerine regality
What is this glow that radiates with majesty and casts its blessings far and wide for all to see?
Eating away at me is a pounding revelation never felt before that overwhelms and humbles my cause
Rising from its feet, my judgement slaps its lips and belches forth its hazy diatribes in a roaring whirlwind
Gong nació en París en 1967 de la mano de Daevid Allen, uno de los fundadores de Soft Machine. Tras décadas de psicodelia espacial, jazz y rock progresivo, Allen falleció en marzo de 2015, pero antes dejó encargado al guitarrista y cantante Kavus Torabi de continuar con la banda.
My Sawtooth Wake pertenece al álbum The Universe Also Collapses (2019), su primera entrega para el sello Kscope. Un épico de casi 13 minutos que captura a la banda en plena forma, con un vídeo que hace juego con la locura sonora.
Kavus Torabi describe el disco como el intento de hacer "el álbum de rock psicodélico definitivo", queriendo poner a Gong de vuelta en el corazón de la psicodelia más pura.
Curiosidad: en los créditos del álbum, Kavus da las gracias expresamente a Dan Chudley "por la cola de sirena que se escucha chapoteando en las aguas tranquilas cerca del final de My Sawtooth Wake". Ese detalle dice mucho del universo sonoro de Gong.
Torabi considera The Universe Also Collapses el punto de partida de la trilogía donde esta versión de Gong "realmente encontró su sonido".
Y la versión en directo, del álbum Pulsing Signals (2022), grabada en la gira de 2019 — la última antes de que la pandemia lo detuviera todo:
Granada, 1996. Todo empezó de una manera tan simple como explosiva: los hermanos Antonio y Jesús Arias, líderes de Lagartija Nick, le muestran a Morente el poema "La niña ahogada en un pozo" de Lorca musicalizado sobre "Helter Skelter" de The Beatles. Morente vio la luz. A partir de ahí, la idea se mezcló con un proyecto que el cantaor ya tenía en marcha: un homenaje a Leonard Cohen. El resultado fue "Omega", publicado por El Europeo Música, un álbum que funde poemas de "Poeta en Nueva York" de Federico García Lorca con canciones del cantautor canadiense, con la participación de artistas como Vicente Amigo, Tomatito, Estrella Morente o Cañizares.
La canción que abre y da título al disco es esta: casi once minutos de flamenco y rock distorsionado construidos sobre el "Poema para los muertos" de Lorca. Guitarra flamenca de Miguel Ángel Cortés, palmas y coros, y Lagartija Nick desplegando una toxicidad thrash que crece junto a la voz de Morente. Ponerla al principio fue un acto de valentía o de inconsciencia —o de las dos cosas a la vez.
La presentación del disco, en marzo de 1996 en el Teatro Albéniz de Madrid, fue histórica: sala llena para ver al maestro cantaor, y de repente aparece con una banda de rock. La que se montó fue considerable.
La grabación fue tan visceral que terminó quemando a todos: Lagartija Nick se disgregaron días antes de comenzar la gira. Aun así, el disco sobrevivió a sus creadores. Rockdelux lo eligió el mejor álbum nacional de la temporada 1997.
Como la noche es interminable
cuando se apoya en los enfermos.
Y hay barcos que buscan ser mirados
para poder hundirse tranquilos.
Si cada aldea tuviera una sirena
mi corazón tendría la forma de un zapato.
No solloces. Silencio, que no nos sientan.
Espera. ¡Las hierbas!
Se cayeron las estatuas
al abrirse la gran puerta.
¡¡Las hierbaaas!!
(Poema original: Federico García Lorca)
Directo del FIB 2008, donde Morente y Lagartija Nick resucitaron el disco doce años después:
Diablo Blvd nació en 2005 en Amberes (Bélgica), fundada por el guitarrista Dave Hubrechts y por Alex Agnew, conocido humorista de stand-up y el primer belga en ganar el prestigioso Festival de Cabaret de Leiden (Países Bajos) en 2003. Sí, el cantante de una banda de metal era la mayor estrella de la comedia del Benelux.
El nombre del grupo viene de una canción de Corrosion of Conformity.
Sing From The Gallows es uno de los dos singles adelanto de su cuarto y último álbum, Zero Hour (2017, Nuclear Blast). Ese disco fue su declaración política más contundente, inspirada en el clima de división global del momento. Guerra fría emocional, muros que vuelven a levantarse, políticos con la marca de Caín... el tema suena tan vigente hoy como entonces.
El videoclip forma parte de un concepto visual junto al otro single, Animal: en ambos aparece Alex Agnew caracterizado como una especie de presidente o canciller.
La banda se disolvió en 2018 tras 13 años de carrera. Un último concierto en el AB de Bruselas y telón.
