"Reality Slips" abre "Bittersweet" (2009), el primer disco en solitario de David Rhodes. Quizá no te suene el nombre, pero llevas décadas escuchando su guitarra: es el guitarrista de Peter Gabriel desde hace más de 25 años y también ha colaborado con Kate Bush y Scott Walker.
El tema empieza con una breve introducción de cuerdas y va creciendo hasta convertirse en rock con bastante pegada: riffs afilados, batería contundente y una voz algo frágil por encima. Acaba con el estribillo repetido, que se va apagando poco a poco hasta un final instrumental.
Curiosidades: en el disco le acompañan Ged Lynch a la batería y Charlie Jones al bajo. Peter Hammill (Van der Graaf Generator) hace coros en casi todo el álbum, excepto en "Reality Slips", "Down By The River" y "Bittersweet". En la gira de 2010 la tocaba él solo, con la guitarra eléctrica y muchos loops, mezclando la versión del disco con momentos más calmados.
Sobre la letra: habla de esa realidad que se agrieta, se rompe y te tumba de golpe. Es una canción sobre cómo lidiar con esos golpes y no conformarse con lo mediocre, algo que enlaza con "Crazy Jane", otro tema del mismo disco.
Cuarto sencillo de "Songs From The Big Chair" (1985), el disco que también trajo "Shout" y "Everybody Wants To Rule The World". Llegó al número 12 en Reino Unido y al 3 en la Billboard Hot 100 de Estados Unidos.
La canción tardó unos dos años en tomar forma. Nació como parte de una introducción musical entre temas del disco, igual que "Broken", y comparten el mismo motivo de piano y sintetizador. Por eso en el álbum van pegadas: "Broken", "Head Over Heels" y de nuevo "Broken". La versión del LP dura un minuto más que la del single porque termina con un fragmento en directo de "Broken", grabado en el Hammersmith Odeon de Londres en 1983.
Curiosidades:
- La línea de bajo de Curt Smith está considerada una de las mejores de los 80.
- El videoclip, dirigido por Nigel Dick, se rodó en la biblioteca del Emmanuel College de Toronto. Roland Orzabal intenta ligarse a una bibliotecaria (Joan Densmore) mientras el resto de la banda hace de personajes variopintos. Hay hasta un chimpancé con camiseta de los Red Sox, y según IMVDb cobró más que nadie en el rodaje. Al final, Orzabal y la bibliotecaria aparecen como un matrimonio mayor.
- Aparece en la película "Donnie Darko" (2001), en una versión editada.
- La cara B del sencillo es "When In Love With A Blind Man", con Curt Smith a la voz.
Significado de la letra: Orzabal está completamente enamorado de una chica y le ruega que no le rompa el corazón. Es una canción sobre el vértigo de entregarse a alguien y el miedo a que salga mal. Esa vulnerabilidad es la que enlaza con "Broken".
Vídeo:
Versión: Japanese Breakfast la versionó en 2019 en su sencillo "Head Over Heels b/w Essentially". Es una versión más íntima y melancólica que la original.
Vídeo de la versión:
Letra:
I wanted to be with you alone
And talk about the weather
But traditions I can trace
Against the child in your face
Won't escape my attention
You keep your distance with a system of touch
And gentle persuasion
I'm lost in admiration
Could I need you this much?
Oh, you're wasting my time
You're just—, just—, just wasting time
Something happens
And I'm head over heels
I never find out
'Til I'm head over heels
Something happens
And I'm head over heels
Ah, don't take my heart, don't break my heart
Don't—, don't—, don't throw it away
Throw it away
Throw it away
I made a fire, and watching it burn
Yeah, thought of your future
With one foot in the past
Now, just how long will it last?
Now, now, now, have you no ambitions?
(Mm, what's the matter with my)
My mother and my brothers used to breathe in clean air
(Nothing ever changes when you're acting your age)
And dreaming I'm a doctor
(Nothing gets done when you feel like a baby)
It's hard to be a man when there's a gun in your hand
(Nothing ever changes when you're acting your age)
"Goodnight, Europe (Pt II)" es el tema que abre la etapa de celebración de los 20 años de Crippled Black Phoenix. Salió como primer single de "The Wolf Changes Its Fur But Not Its Nature", un doble álbum de 2024 editado por Season of Mist. Dura casi 9 minutos y es una versión reimaginada de una de las canciones más antiguas de la banda.
Curiosidades:
La canción original fue la primera que Justin Greaves, fundador y cabeza de la banda, escribió para el proyecto, allá por 2004. La subió a MySpace después de ver Eurovisión. Desde entonces se ha convertido en un clásico de sus directos y ha ido cambiando con los años. Esta Pt II es una versión más oscura y densa que recoge esa evolución.
Greaves se encarga de la música, la batería y la guitarra. La voz y la letra son de Belinda Kordic, una colaboradora habitual de la banda. Su voz es lo que da el tono más cálido y desgarrado al tema.
Sobre el significado: la canción retrata una Europa fracturada y cargada de nostalgia. Es una despedida melancólica, que mira a la realidad incómoda y a verdades que llevaban tiempo enterradas. Pocas veces un "buenas noches" sonó tan a "adiós".
"El Mareo" es el segundo sencillo de "Mar Dulce" (2007), el disco con el que Bajofondo, el proyecto de tango electrónico de Gustavo Santaolalla y Juan Campodónico, se abrió al mundo. Llegó después del éxito de "Pa' Bailar" y contó con Gustavo Cerati como voz invitada. Estuvo nominada a mejor canción alternativa en los Latin Grammy de 2008.
Curiosidades: en "Mar Dulce" también colaboraron Mala Rodríguez, Elvis Costello y Nelly Furtado. El videoclip lo dirigió Picky Talarico y está rodado en blanco y negro, con la banda tocando y Santaolalla y Cerati cantando. Hoy tiene un punto melancólico, porque es una de las últimas colaboraciones de Cerati antes de que el ictus de 2010 lo dejara en coma hasta su muerte en 2014.
El significado de la letra: habla del mareo de una relación que se tambalea, con ese vértigo de seguir adelante cuando las ganas se van con la otra persona. Es una interpretación mía, porque la letra es abierta y cada uno puede leerla a su manera.
Videoclip:
Versión en directo: la que hicieron juntos en el Creamfields de Buenos Aires de 2008 merece verse. Es la misma canción, pero más cruda y con Cerati disfrutando sobre el escenario.
Buck & Evans son un cuarteto galés de "rock 'n' soul" formado por Chris Buck (guitarra y voz), Sally Ann Evans (voz y piano), Dominic Hill (bajo) y Bob Richards (batería). Su sonido mezcla blues rock clásico con soul y rock moderno. Su fuerte son los directos, donde Chris Buck suele cerrar las canciones con un solo largo mientras toda la banda se lanza a un final instrumental.
"Going Home" salió como single el 10 de mayo de 2019, y la firman Chris Buck y Sally Ann Evans. Después entró en su álbum debut, "Write A Better Day", publicado el 15 de noviembre de 2019 por Departure Records. Ya era una de las favoritas de sus seguidores desde antes de aparecer en el disco. La voz de Sally Ann, el piano y la guitarra de Chris se complementan muy bien, y el solo de guitarra es lo más comentado de la canción.
Una curiosidad: Chris Buck grabó un vídeo de su serie "How to Solo Like Chris Buck" dedicado al solo de "Going Home", con tablatura incluida. Hasta un guitarrista de otra banda contó que se inspiró en él para grabar sus propias partes de guitarra.
La letra se construye sobre los consejos de una madre: ser amable, ser auténtico, no aceptar un mal trato, soñar a lo grande, ser valiente y atreverse a gritar lo que uno siente. El estribillo repite que no hay que dejar de soñar con cascadas, que nadie está solo y que, en el camino, uno va de vuelta a casa. Así que "casa" no es solo un lugar: es volver a lo que te enseñaron y a quien eres, sin renunciar a tus sueños por el camino.
Vídeo oficial:
Y si tocas la guitarra, aquí Chris Buck explica el solo:
Letra:
My mama told me
You got to be so kind
My mama told me
You got to move your mind
My mama told me
Wherever you may be
Just you remember what
My mama told me
My mama told me
You got to be so real
My mama told me
You don't take no deal
My mama told me
Whatever you may do
Just you remember what
Your mama told you
Don't stop dreaming 'bout waterfalls
You know you're not alone
Don't stop dreaming 'bout waterfalls, yeah
On the road, going home
My mama told me
You got to dream so tall
My mama told me
You don't take that song
My mama told me
You got to be so bold
You just gotta shout about it, yeah
'Cause that's what everybody's told
Don't stop dreaming 'bout waterfalls
You know you're not alone
Don't stop dreaming 'bout waterfalls, yeah
On the road, you're going home, yeah
Don't stop dreaming 'bout waterfalls
You know you're not alone
Don't stop dreaming 'bout waterfalls, yeah
On the road, you're going home, yeah
Don't stop dreaming 'bout waterfalls
'Cause you know you're not alone, no, no, no, no, no
"Mountain Climbing" es el segundo tema de "Blues of Desperation" (2016), el duodécimo álbum de estudio de Joe Bonamassa. Lo compuso junto a Tom Hambridge, su colaborador habitual, y el disco lo produjo Kevin Shirley. En la batería suena Anton Fig, que golpea con un empuje muy a lo Bonham.
Es un riff de hard rock pesado y directo, con un solo marca de la casa. La crítica lo comparó con Led Zeppelin, y hay quien ve un guiño a Leslie West, guitarrista de Mountain. Eso encaja con el título, porque el primer disco de esa banda se llama "Climbing!". Pronto se convirtió en un fijo de sus directos y llegó a tocarlo en el programa de Conan.
La letra habla de un hombre trabajador que arrastra sus problemas día a día. La montaña es la metáfora de las dificultades de la vida: hay que calzarse las botas y empezar a subir, aunque no haya mapa y cada uno tenga que seguir su propio camino. Las manos con sangre y el martillo contra la piedra y el acero hablan de esfuerzo y sacrificio. Y el "blues at the bottom" sugiere que el blues está en el fondo, pero también en el esfuerzo de salir de él.
Merece la pena la versión en directo del álbum "Live at the Sydney Opera House", con banda enorme, saxo y coristas. Tiene más músculo y más aire de concierto que la de estudio.
Videoclip:
Versión en directo:
Letra:
I'm just a poor man working day by day
Lost in the struggle, there's a mountain in my way
So strap your boots on get ready for that first step
The uphill battle that I ain't even started yet
Chance is you'll find me
Out in the fields
Pounding my hammer
Between stone and steel
Done my fair share of
Mountain climbing (mountain climbing)
Whoa, it's troubles, I've got 'em
Mountain climbing (mountain climbing)
Whoa, it's blues at the bottom
Ain't no map to follow, just follow your own path
Get close to the edge and there's no turning back
The wind and the rain gonna push you around
Hard times try to break you, don't ever let 'em back you down
Chance is you'll find me
Working away in the fields
Pounding my hammer
On the stone and steel
Done my fair share of
Mountain climbing (mountain climbing)
Whoa, it's troubles, I've got 'em
Mountain climbing (mountain climbing)
Whoa, blues at the bottom
Blood on my hands and there's holes in my jeans
You scrub all day but you never get them clean
It's a hard rock bottom, there ain't nothing down there but the blues
At the top of the mountain you still gotta pay your dues
"Sour Girl" es el segundo sencillo de "No. 4" (1999), el cuarto disco de Stone Temple Pilots. Salió en 2000 con Brendan O'Brien en la producción. La música es de Dean DeLeo y la letra de Scott Weiland. Fue la única canción de la banda que entró en el Billboard Hot 100, donde llegó al puesto 78.
Weiland escribió buena parte de "No. 4" mientras tenía problemas con la justicia por drogas, y en la época de Storytellers de VH1 llegó a decir que era una de las mejores canciones que había hecho el grupo.
El videoclip lo dirigió David Slade, el mismo de "30 días de oscuridad" y "Eclipse". Sale Sarah Michelle Gellar, la Buffy de la tele, que era fan de la banda. También aparecen unos bichos parecidos a los Teletubbies, que en aquel momento estaban en todas partes. La banda dijo que fue casualidad y que se inspiraron en un sueño de Weiland. Estuvo nominado a Mejor Fotografía en los MTV Video Music Awards de 2000.
Sobre la letra, según Songfacts, Weiland la escribió pensando en su primera mujer, Janina Castaneda, con la que se casó en 1994. Habla de una chica agria, de mirada esquiva y actitud a la defensiva, y de alguien que se siente atraído por ella a pesar de todo. Es una relación con altibajos, de esas en las que lo dulce y lo amargo van juntos.
Vídeo:
Letra:
She turned away, what was she looking at?
She was a sour girl the day that she met me
Hey, what are you looking at?
She was a happy girl the day that she left me
She turned away, what was she looking at?
She was a sour girl the day that she met me
Hey, what are you looking at?
She was a happy girl the day that she left me
What would you do?
What would you do if I follow you?
What would you do? I follow
Don't turn away, what are you looking at?
He was so happy on the day that he met her
Say, what are you looking at?
I was a superman but looks are deceiving
The roller-coaster ride's a lonely one
I pay a ransom note to stop it from steaming
Hey, what are you looking at?
She was a teenage girl when she met me
What would you do?
What would you do if I follow you?
What would you do? I follow
What would you do? (What would you do?)
What would you do if I follow you?
What would you do? I follow
The girl got reasons
They all got reasons
What would you do? (What would you do?)
What would you do if I follow you?
What would you do? I follow
What would you do? (What would you do?)
What would you do if I follow you?
What would you do? I follow
Hey, what are you looking at?
She was a happy girl the day that she left me
The day that she left me, the day that she left me
She was a happy girl the day that she left me
The day that she left me, the day that she left me
"La costa del silencio" es uno de los temas más queridos de Mägo de Oz y un fijo en sus conciertos. Salió en 2003 dentro del álbum "Gaia", el primero de una saga conceptual que continuaría con "Gaia II: La voz dormida" y "Gaia III: Atlantia". Es una balada con el sello folk metal de la banda y fue single, con videoclip incluido en el DVD del disco.
Mägo de Oz nació en Madrid en 1988 de la mano de Txus di Fellatio, batería, fundador y compositor principal. Con su mezcla de metal, violín y flauta se convirtieron en una referencia del folk metal en español.
La letra habla del mar como víctima y como juez. Cada daño que le hacemos a la naturaleza, a Gaia, la Madre Tierra, vuelve contra nosotros, y el mar, que lleva tiempo lamentándose sin que nadie le escuche, acaba haciéndose oír. Es una advertencia ecologista envuelta en imágenes poéticas.
Letra:
Yeah
El mar escupía un lamento
Tan tenue que nadie lo oyó
Un dolor de tan adentro
Que toda una costa murió
Llora, lamenta la nube que enfermó
Y escribe espantos en la arena el dolor
Arrulla el miedo a un delfín que bebió
De un agua negra, su suerte emigró
Ven, quiero oír tu voz y si aún nos queda amor
Impidamos que esto muera
Ven, pues en tu interior está la solución
De salvar lo bello que queda, ah
Donde se acomoda la usura
Nacen la ambición y el poder
Y este germina en la tierra
Que agoniza por interés
Y una gaviota cuentan que decidió
En acto suicida inmolarse en el sol
Ríe desprecios un barco que encalló
Y se desangra en su lecho la mar
Ven, quiero oír tu voz y si aún nos queda amor
Impidamos que esto muera
Ven, pues en tu interior está la solución
De salvar lo bello que queda, ah
Hagamos una revolución, que nuestro líder sea el sol
Y nuestro ejército sean mariposas
Por bandera otro amanecer y por conquista comprender
Que hay que cambiar las espadas por rosas
Hagamos una revolución, que nuestro líder sea el sol (mientras te quede aliento, ve a buscar con el viento)
Y nuestro ejército sean mariposas (ayuda pues apenas queda tiempo)
Ven, quiero oír tu voz y si aún nos queda amor (mientras te quede aliento, ve a buscar con el viento)
Impidamos que esto muera (ayuda pues apenas queda tiempo)
"El vals del obrero" da título al segundo álbum de Ska-P, publicado el 21 de marzo de 1996 con RCA. Es el disco que los lanzó a nivel internacional. La banda se formó en Madrid en 1994 y mezcla ska, punk y denuncia social.
Curiosidades:
- La portada de "El vals del obrero" muestra a un patrón enfundado en oro y dinero, con un águila fascista, manejando a un obrero como si fuera una marioneta.
- Aunque el single más conocido del disco fue "Cannabis", esta canción se convirtió en un himno de la clase trabajadora y se sigue tocando al final de sus conciertos.
- La selección femenina española de baloncesto la cantaba a coro antes de los partidos del Mundial de Canarias, donde ganó la medalla de bronce.
Significado de la letra: es un canto de orgullo obrero. Habla de pertenecer a la clase trabajadora y de lo que cuesta salir adelante mientras otros se benefician de ese trabajo. Llama a la unión entre compañeros y a no rendirse, con un estribillo que gira en torno a la palabra "resistencia".
Videoclip:
Letra:
Orgulloso de estar (orgulloso de estar)
Entre el proletariado (entre el proletariado)
Es difícil llegar a fin de mes y tener que sudar y sudar
Pa' ganar nuestro pan
Este es mi sitio, esta es mi gente
Somos obreros, la clase preferente
Por eso, hermano proletario, con orgullo yo te canto esta canción
Somos la revolución
Sí señor, la revolución
Sí señor, sí señor, somos la revolución
Tu enemigo es el patrón
Sí señor, sí señor, somos la revolución
Viva la revolución
Estoy hasta los cojones de aguantar a
Sanguijuelas, los que me roban mi dignidad
Mi vida se consume soportando esta rutina
Que me ahoga cada día mas
Feliz el empresario, más callos en mis manos
Mis riñones van a reventar
No tengo un puto duro pero sigo cotizando
A tu estado del bienestar, ¡arriba!
¡Resistencia!
¡Resistencia!
¡Resistencia!
Baila hermano el vals del obrero
Este es mi sitio, esta es mi gente
Somos obreros, la clase preferente
Por eso, hermano proletario, con orgullo yo te canto esta canción
Somos la revolución
Sí señor, la revolución
Sí señor, sí señor, somos la revolución
Tu enemigo es el patrón
Sí señor, sí señor, somos la revolución
Viva la revolución
En esta democracia hay mucho listo que se lucra
Exprimiendo a nuestra clase social
Les importa cuatro huevos si tienes catorce hijos
Y la abuela no se puede operar
Somos los obreros, la base de este juego
En el que siempre pierde el mismo "pringao"
Un juego bien pensado en el que nos tienen callados
"Si tú no vuelves" fue el primer single de "Bajo el signo de Caín", el disco con el que Bosé abrió una nueva etapa a principios de los 90. Salió a finales de 1992 y la firmó junto a Lanfranco Ferrario y Massimo Grilli. Para la edición internacional del álbum grabó también una versión en italiano, "Se tu non torni", y otra en inglés, "They're only words".
Curiosidades:
- Mucha gente piensa que es una canción de desamor, pero Bosé ha contado que nació a raíz de una pérdida dolorosa y repentina en su entorno. Reconoce que se pueda leer como una canción de amor, e incluso como un chantaje, porque "hay mucho amor ahí dentro".
- Amaral junto a Chetes hicieron su propia versión en 2005.
- Este mismo año se ha vuelto a poner de moda por una razón inesperada. El exfutbolista chileno Mauricio Pinilla la cantó en el programa "Fiebre de Canto" con un resultado que se hizo viral. Bosé respondió en TikTok con un vídeo junto a sus perros usando el audio de Pinilla, guiño directo al verso "junto a mi perro".
Significado de la letra: el narrador se queda solo y habla de lo que pasará si la otra persona no regresa. Los mares se secarán, la tierra quedará convertida en un desierto y su voluntad se hará pequeña. Todo el paisaje se vacía sin esa persona, y él se queda esperando con su perro, mirando el horizonte. Es una canción sobre la ausencia y sobre la imposibilidad de aceptar que alguien no va a volver.
Videoclip:
En 2007 Bosé la regrabó a dúo con Shakira para el disco "Papito", y fue un éxito en España e Italia. Ella entra para cerrar la canción en un crescendo final.
"Frames" es el single que abrió el camino a "Pictures", el segundo álbum de los franceses HamaSaari, publicado el 23 de enero de 2026 con Klonosphere. Cuenta con la voz invitada de Christelle Ratri, bajista y cantante del grupo Kristel. Con casi siete minutos, es la canción más larga del disco. Empieza suave, con la percusión muy presente, y va creciendo hasta un tramo central más pesado y tenso, con giros que recuerdan a Tool.
HamaSaari son de Le Mans y nacieron de las cenizas de su anterior banda, Shuffle. Su debut fue "Ineffable" (2023). Citan a Karnivool como su gran influencia común, y en su sonido también se oyen Porcupine Tree y Pink Floyd.
Una curiosidad: en una entrevista contaron que querían un invitado externo que aportara emociones desde otro ángulo. A Christelle apenas le dieron indicaciones, grabó sus voces y les llegó directamente. En el tema, su voz acentúa el aire de trance.
Significado: la letra habla de un miedo interior que acecha como una sombra. El narrador oye voces lejanas, se queda paralizado y no consigue explicar lo que siente. Al final, esa angustia se disuelve en una imagen de liberación, entre cielo y tierra. Encaja con el concepto de "Pictures": los marcos que ponemos a lo que sentimos y lo que queda fuera de ellos.
Videoclip:
También merece la pena la versión en directo, grabada en Le Petit Bain, la sala flotante sobre el Sena en París, durante la gira como teloneros de Gazpacho. Era el tema con el que abrían sus conciertos en esa gira.
Versión en directo (Le Petit Bain, París):
Letra:
I can hear their singing
From far away Sometimes
I can feel their shadows
When I'm Shivering At Nights
What Steers my mind
When I'm cruising At see
Every time I say it's nothing
I hear a sound
There's a voice in my head, telling me
To stay still, furtive
Spellbound mind capsized
With hollowed fears
I'm waiting for
An end here, where the days are coming from
And how fears drew the lines at time darkness comes
There's something more that I can't share with those words
Pensilvania, 1989. Cuatro músicos forman Echolyn — siempre en minúscula, por decisión propia — y durante más de tres décadas construyen en silencio uno de los catálogos más honestos del prog rock americano. Sin grandes sellos, sin grandes campañas, sin grandes ruidos. Solo música.
En marzo de 2025 publicaron simultáneamente dos álbumes, TimeSilentRadio vii y TimeSilentRadio II, coincidiendo además con el 30 aniversario de su mítico As The World. (REZONATZ) La crítica especializada los ha recibido como la colección de canciones más madura y mejor sonando de toda su carrera.
"Tiny Star" cierra el primero de los dos discos. Arranca con piano y guitarra acústica radiantes, con voces celestiales y percusión luminosa, y va creciendo hasta hacerse cada vez más terapéutica y sofisticada. (Loudwire) La letra es un abrazo directo al oyente: entre tu esperanza y tu desesperanza, eres una pequeña estrella. Todo lo que necesitas.
Hoy toca doom con mucho misterio. Messa son una banda italiana de Cittadella (Véneto), formada en 2014. Ellos mismos llaman a su sonido "scarlet doom", porque mezclan el doom con jazz, blues, dark wave y ambient. "The Dress" está en su cuarto disco, "The Spin" (2025, Metal Blade Records).
Dura casi ocho minutos y empieza como una combustión lenta, con armonías vocales muy cuidadas y guitarras densas. En la segunda mitad se va a un jazz en toda regla, con un solo de trompeta de Michele Tedesco. Es uno de los temas más largos del disco.
Curiosidades: para este disco la banda se fue a los años 80 y al goth rock más primitivo, con influencias como Sisters of Mercy, The Sound o Killing Joke. La cantante, Sara Bianchin, contó que para grabarlo "cedió parte de su cordura" y que, durante la gira por Estados Unidos, releyó libros de Cormac McCarthy. Dijo que quería unas letras más desnudas y directas que en los discos anteriores.
Significado: según la propia banda, la canción nace "del lugar más oscuro y del vacío insondable de uno mismo". El dolor da vueltas, aparece con violencia y vuelve a hundirse, y eso se refleja en el riff, una escala descendente que no deja de repetirse. El vestido es la puerta de entrada a un crucifijo personal construido con autodesprecio y desesperación.
Versión en directo: en junio de 2026 tocaron el tema en el Freak Valley Festival y lo grabó Rockpalast, el gran archivo de conciertos europeos. Lo han publicado como vídeo oficial en directo y vale la pena verlo.
"Rupturing" es la quinta canción de "They Moved in Shadow All Together", el quinto álbum de Emily Jane White, publicado en 2016 por el sello francés Talitres. El título del disco viene de la primera frase de la novela "Outer Dark" de Cormac McCarthy, que describe a un grupo de viajeros inquietantes bajando una colina de los Apalaches. Esa atmósfera oscura recorre todo el álbum.
El piano es el protagonista del disco, y "Rupturing" es una de las baladas más serenas, con el chelo de Shawn Alpay como acompañamiento. Emily Jane White nació en Fort Bragg (California) y vive en Oakland. Es cantautora, poeta y una de las voces del folk oscuro actual. Empezó a actuar con su propio nombre en 2003 y debutó en 2007 con "Dark Undercoat".
Sobre la letra: habla de la pérdida de la inocencia. De joven creías que serías eterno, y con los años se apaga el brillo de tus ojos y descubres que el camino está lleno de robos y delitos. Las plumas arrancadas una a una te dejan desnudo ante el viento, y Dios mira desde algún sitio, con las luces bajas, sin intervenir. Lo único que te queda es tu propia mano. Y detrás de todo hay algo que te arrebatan y que no ves, y que rompe el alma por dentro. Es una canción sobre el paso del tiempo, la soledad y un dolor que no sabes nombrar.
Hoy toca makina del bueno. "Danita" es obra del dúo Sami & Q-byk (DJ Sami y DJ Qbyk), con Ruboy detrás, y sale por el sello Ruboy Records.
Curiosidades: el tema apareció primero en vinilo de 12 pulgadas dentro del EP "Msk Makina – Friends EP Vol. 1", publicado por Makina Station a finales de 2021. En 2022 salió como single en Ruboy Records, y en noviembre de 2023 llegó a las plataformas la versión "Short Edit", que es la que dejo hoy: dura poco más de tres minutos y lleva el título ampliado a "Danita 7/17".
Ruboy es Rubén Moreno, un productor que lleva sacando makina desde 1997 y que ha firmado trabajos con un montón de seudónimos y colaboradores. Sami & Q-byk ya habían pasado antes por su sello con "Mistake 101" (2021), otro tema que merece una escucha.
Significado de la letra: no tiene, es un tema instrumental. Aquí manda el bombo, el ritmo y la melodía.
Sofia Isella es una cantautora estadounidense nacida en Los Ángeles en 2005. Empezó tocando el violín de niña y escribió su primera letra a los ocho años. Su estilo mezcla dark pop, art pop e industrial, y es muy teatral en directo: suele actuar con ropa holgada y cubierta de barro.
"Everybody Supports Women" se publicó como single el 1 de septiembre de 2023. El estribillo ya circulaba por TikTok semanas antes del lanzamiento, y una crítica de la época cuenta que mucha gente se lo sabía de memoria antes de que saliera. Ese tirón la llevó a abrir conciertos de Melanie Martinez, Tom Odell y, en 2024, de Taylor Swift en el estadio de Wembley dentro del Eras Tour. La propia Sofia ha comentado que cree que esta canción pudo llamar la atención de Swift. En 2026 ha publicado su primer álbum, "Something Is a Shell".
El videoclip es tan inquietante como la canción. Alterna escenas de Sofia en un avión destrozado rodeado de maniquíes desmembrados con otras en blanco y negro en un almacén.
El significado: la letra es una sátira oscura sobre la hipocresía con la que se trata a las mujeres. Todo el mundo apoya a las mujeres y quiere que te quieras a ti misma, hasta que una de ellas triunfa o de verdad se quiere. Entonces empiezan la envidia, el cotilleo y las ganas de verla caer. La canción también retrata la misoginía interiorizada, con ese "yo no soy como las demás chicas" que usan unas mujeres para separarse de otras. Y señala cómo la cultura de las redes sociales las enfrenta entre sí, porque ver a otra mujer triunfar nos hace sentir peor con nuestra propia vida.
Letra:
Everybody supports women until a woman's doing better than you
Everybody wants you to love yourself until you actually do
It was something about her hair, so perfectly fallen
She was nice, and smart, and funny, and got everything she wanted
And she does charity, isn't that the most obnoxious thing you've heard?
Her popularity, she's too pretty for her own good
She's probably self-centered, we hate her and she's nothing
If everybody leaves her, then she had it coming
Is there anything you'd like to put on the record
You know, while everyone is listening?
I would like it to be known that I'm not like her
I'm mocking her 'cause I'm not like her
I'm not like those girls who are not like those girls
I love doing makeup, I don't mock women like her, I'm not like her
As soon as she hits it, I'm kicking her out
She's had enough of the love, and I'm bringing her down
Everyone together on the count of three
One, two, you're mundane, we agree
Your ambition is swallowable if you tell the story right
Say that you hate yourself and self criticize
But if we smell desperation on your neck and face
We'll drag you across your own public stage
We burn her name in the back
Anything with her name attached
Her newspaper's in the trash
I just keep thinking man
What a waste
What a shame
I was starting to like her, but now she got great
We'd never hate her to her face
But I hope she knows
She knows, she knows, she knows
Hmm
I don't like your tone
I don't like how much you've grown
It's so boring to not be yanking muscle off of a woman's bone
Everybody hates the-, everyone hates the unrelatable
And I love to place two of 'em in the arena of the public's eye
And try and get 'em to fight about something dumb and we pick sides
'Cause staring at her too long made our life look like muted pastels
We'll love you if you just make us feel better about ourselves
And what a waste
What a shame
I was starting to like her, but now she got great
We'd never hate her to her face
But I hope she knows
She knows, she knows, she knows
And what a pain
I watch us spit her name while she's turned the other side
We never told it to her face
But I think she knows
She knows, she knows, she knows
Everybody supports women until a woman's doing better than you
Everybody wants you to love yourself until you actually do
It was something about her hair, so perfectly fallen
She was nice, and smart, and funny, and got everything she wanted
And she does charity, isn't that the most obnoxious thing you've heard?
Her popularity, she's too pretty for her own good
She's probably self-centered, we hate her and she's nothing
If everybody leaves her, then she had it coming
Everybody supports women until a woman's doing better than you
Everybody wants you to love yourself until you actually do
Mishima es una banda de Barcelona liderada por David Carabén. Su nombre es un homenaje al escritor japonés Yukio Mishima. Empezaron cantando en inglés y dieron el salto al catalán en 2005, con "Trucar a casa. Recollir les fotos. Pagar la multa".
"Tornaràs a tremolar" abre la segunda mitad del disco "Ordre i aventura" (2010), grabado con Paco Loco, igual que "Set tota la vida". Es cortísima: dura menos de dos minutos y aun así se ha convertido en uno de sus temas más queridos. Años después, en la gira de "L'amor feliç", abrieron el concierto de presentación en el Auditori de Girona con ella y entusiasmó a un millar de personas.
En directo casi siempre la enlazan con "La forma d'un sentit", y esa unión ya es un clásico de sus conciertos. Aquí tienes la versión en directo de "Ara i aquí" (2019):
La letra habla de salir del bloqueo emocional. Las sonrisas forzadas y los sollozos fingidos no sirven de nada, son palabras al viento. La canción promete que volverás a sentir, a llorar, a ver y a vivir, y que volverás a temblar. Es decir, que algún día volverás a estar vivo de verdad.
Letra:
Si no hi ha res etern, ni els calés ni la feina,
ni els amics ni els amants,
els somnis somiats, els moments viscuts,
són com fulles al vent,
se les emporta enllà i capriciós les fa tornar, tornaràs a sofrir, tornaràs a plorar, tornaràs a sentir, tornaràs a somriure, tornaràs a somiar,
i la lletra de l'himne, sobreviurà a la cançó,
els petons robats, els tresors perduts,
els oblidats, són com fulles que el vent s'emporta enllà i capriciós les fa tornar,
tornaràs a mentir, tornaràs a pregar, t
ornaràs a creure, tornaràs a fer-ho veure, tornaràs a volar.
Si no hi ha res etern, la ressaca de dia i la botella de nit,
els somriures forçats, els sanglots fingits, són com paraules al vent,
malentesos passats que arreglaràs qui sap quan,
tornaràs a sentir, tornaràs a plorar, tornaràs a veure,
Abre "Far and Wide", el decimosexto álbum de estudio de The Pineapple Thief, publicado el 9 de octubre de 2026 con su nuevo sello, InsideOut Music. Se estrenó como single en agosto, junto al anuncio del disco, con un videoclip dirigido por George Laycock, colaborador habitual de la banda.
La banda la formó en 1999 Bruce Soord en Yeovil, Somerset. Hoy son cuatro: Soord (voz y guitarras), Jon Sykes (bajo), Steve Kitch (teclados) y Gavin Harrison (batería). Harrison, que también ha tocado en King Crimson y Porcupine Tree, entró en 2017, y este disco celebra una década de su llegada.
Con este álbum quisieron sonar más como una banda de rock y trasladar al estudio la energía del directo. Soord cuenta que se dieron cuenta de que no hacían falta más de dos guitarras a la vez, y eso se nota: la canción suena directa y contundente, con un groove marcado, sin perder la atmósfera de siempre.
La letra habla de la inquietud ante el estado del mundo. Soord avisa de que se está desmontando ante nuestros ojos todo lo que dábamos por sentado. Su voz suave contrasta con el ritmo agresivo de fondo, y eso aumenta la sensación de agitación. Encaja con el tono de su disco anterior, "It Leads To This" (2024), donde ya le preocupaba el mundo que heredarán las nuevas generaciones.
Letra:
Confined to the dark
They're coming in to daylight
They're coming after everything we've ever known to be
"Blue Jean" fue el single que Bowie lanzó en 1984 para adelantar su álbum "Tonight", el sucesor del exitoso "Let's Dance". Es uno de los dos temas del disco escritos íntegramente por él y, para muchos, lo mejor de un álbum bastante flojo. Es un rock and roll sencillo, de aire cincuentero, ligeramente inspirado en Eddie Cochran y con un aire a "The Jean Genie". Fue un éxito en Reino Unido y Estados Unidos.
La letra cuenta cómo el narrador se queda prendado de una chica llamada Blue Jean, a la que ve como alguien fascinante y fuera de su alcance, y la persigue. Es una canción de flirteo y deseo sin mayor profundidad. El propio Bowie la describió años después, medio en broma, como "rock and roll sexista".
Curiosidades: para promocionarla se rodó "Jazzin' for Blue Jean", un cortometraje de 21 minutos dirigido por Julien Temple, en el que Bowie interpreta a dos personajes: Vic, un tipo normal que intenta impresionar a una chica, y Screaming Lord Byron, la estrella de rock engreída. Ese corto ganó el Grammy al mejor vídeo musical de formato corto en 1985, el único Grammy que Bowie recibió en vida. El videoclip "normal" es simplemente el fragmento donde Byron canta el tema, y existe una tercera versión rodada unos días después en el Wag Club de Londres.
Vídeo:
Versión que merece la pena: el cortometraje completo "Jazzin' for Blue Jean", que cuenta la historia entera y es una pequeña joya de los 80.
Letra:
Blue Jean, I just met me a girl named Blue Jean
Blue Jean, she got a camouflaged face and no money
Remember they always let you down when you need 'em
Oh, Blue Jean, is Heaven any sweeter than Blue Jean?
She got a police bike
She got a turned up nose
Sometimes I feel like (oh, the whole human race)
Jazzin' for Blue Jean (oh, and when my blue jean's blue)
Blue Jean can send me (oh, somebody send me)
Somebody send me (oh, somebody send me)
One day I'm gonna write a poem in a letter
One day I'm gonna get that faculty together
Remember that everybody has to wait in line
Oh, Blue Jean, look out world, oh, you know I've got mine
She got Latin roots
She got everything
Sometimes I feel like (oh, the whole human race)
Jazzin' for Blue Jean (oh, and when my blue jean's blue)
Blue Jean can send me (oh, somebody send me)
Somebody send me (oh, somebody send me)
Sometimes I feel like (oh, the whole human race)
Jazzin' for Blue Jean (oh, and when my blue jean's blue)
Esta sí que es una balada de las de 1988: sintetizadores, estribillo enorme y un solo de guitarra de Eddie Van Halen. "When It's Love" es del disco "OU812" y fue el segundo single, tras "Black and Blue". Salió en junio de 1988 y llegó al número 5 del Billboard Hot 100.
Fue la primera canción que se compuso para el disco. Eddie y Alex le enseñaron a Sammy Hagar una base de teclado y batería, y Sammy cuenta que se le puso la piel de gallina. Él mismo ha dicho que la desarrollaron "al estilo Genesis". Lo curioso es que el primer tema que escribieron para un disco de Van Halen no fue un rockazo, sino una balada.
Eddie dijo que el solo de guitarra es un homenaje a Eric Clapton. La canción acabó en la lista de las 25 mejores power ballads de VH1.
Otra ironía es que Sammy escribió esta letra tan romántica justo cuando su matrimonio con Betsy se estaba rompiendo, porque ella sufría problemas de ansiedad y salud mental.
El título del álbum también tiene su historia. Iba a llamarse "Bone", pero Sammy vio un camión con la matrícula "OU812" ("oh you ate one too") y les hizo gracia. De paso, sonaba a pullita a David Lee Roth, el anterior cantante.
El videoclip se grabó en un bar entre fechas de gira. La banda toca mientras una pareja baila lento, y en un momento dado Michael Anthony le planta un beso en la mejilla a Eddie.
Significado de la letra: la pregunta de siempre, cómo saber cuándo es amor de verdad. La canción distingue entre una atracción pasajera y algo más profundo, y dice que cuando lo es, simplemente lo sabes.
Letra:
Everybody's lookin' for somethin'
Somethin' to fill in the holes
We think a lot but don't talk much about it
'Til things get out of control
Oh, how do I know when it's love
I can't tell you but it lasts forever
How does it feel when it's love
It's just something you feel together
When it's love
You look at every face in a crowd
Some shine and some keep you guessin'
Waiting for someone to come into focus
Teach you your final love lesson
How do I know when it's love
I can't tell you but it lasts forever
How does it feel when it's love
It's just something you feel together
Oh oh oh oh
Oh when it's love
Oh oh oh oh
You can feel it yeah
Oh oh oh oh
Nothing's missing, yeah
Oh oh oh oh
Yeah, you can feel it
Oh oh oh oh
Oh when it's love
Oh oh oh oh
Nothing's missing
How do I know when it's love
I can't tell you but it lasts forever
Uh, how does it feel when it's love
It's just something you feel together
Hey, how do I know when it's love
I can't tell you but it lasts forever
When it's love
Uh, when it's love
Hey it lasts forever
(Na, na, na, na, na) when it's love
(Na, na, na, na, na)
(Na, na, na, na, na)
(Na, na, na, na, na) give it up
We're gonna feel this thing together (na, na, na, na, na)
Hell On Earth cierra "Senjutsu" (2021), el decimoséptimo álbum de estudio de Iron Maiden, grabado en París y publicado en plena pandemia. Con más de 11 minutos, es una de las composiciones largas de Steve Harris, que firma la canción en solitario. Empieza con un arranque suave y casi melancólico, va creciendo poco a poco y acaba en un final épico y muy heavy, marca de la casa. Es un cierre de disco que parece una despedida.
Curiosidad: Hell On Earth es la tercera pieza de más de diez minutos del disco y de las que mejor funcionan en directo. Ha estado en el repertorio de la gira "Future Past" y sonó en el último concierto de Nicko McBrain con la banda, en São Paulo en diciembre de 2024, antes de que se retirara de las giras.
Significado de la letra: habla del horror de la guerra y de sus víctimas. Menciona a niños armados, a gente que lucha en nombre de un dios y a la propaganda de las batallas. También habla de quienes sobrevivieron, de lo que han visto y de lo que han perdido. El mensaje final deja un rayo de esperanza, pero sin quitar peso a la tragedia.
Versión en directo (São Paulo, 2024, último concierto con Nicko McBrain):
Letra:
Beginning of a sunrise bores a big hole in the sky
Not to reason why that armed children are in this world
