Crown Lands es un dúo canadiense de rock progresivo formado por Cody Bowles (voz, batería, flautas) y Kevin Comeau (guitarras, bajo, teclados). Se les compara constantemente con Rush, y no es casualidad: su sonido bebe directamente de la época de "A Farewell to Kings" y "Hemispheres", con esa voz aguda al estilo Geddy Lee y guitarras que recuerdan a Alex Lifeson.
"The Fall" pertenece a su álbum "Apocalypse" (2026), un disco conceptual que funciona como precuela de su anterior trabajo "Fearless" (2023). La historia gira en torno a Blackstar, un personaje que se alza al poder dentro de una organización militarizada llamada "the Syndicate", y "The Fall" es uno de los momentos clave de esa narrativa, con versos como "I feel Blackstar closing in, and the seas are rising".
Musicalmente es de los temas más accesibles del disco: un riff de guitarra contundente que abre la canción, un estribillo pegadizo y varios solos cortos de Comeau con un aire más cercano a David Gilmour que a sus habituales referencias de Rush o Led Zeppelin. La crítica lo destaca como una de las pistas más "radio-friendly" del álbum.
Un dato curioso: el disco se grabó casi en su totalidad en el propio estudio casero de la banda, con la colaboración puntual de los productores Nick Raskulinecz (Rush, Foo Fighters) y David Bottrill.
Danza Marilù es uno de los adelantos del álbum Pulsar (2024), el cuarto disco de L'Impératrice, banda francesa de pop y nu-disco formada en París. Es la primera vez que el grupo incorpora voces invitadas en un álbum, y en este tema comparten protagonismo la voz de Flore Benguigui (cantante de la banda) con la de la napolitana Fabiana Martone, cantando a dúo en francés e italiano.
La canción es un himno para que las mujeres, de todas las edades, se muevan libremente en la pista de baile sin importar las miradas que puedan recibir. Musicalmente es un guiño directo al italo-disco, con guitarras y sintetizadores sobre una base de bajo funk, dentro de ese sonido reconocible de "French Touch" que caracteriza al grupo.
El videoclip, dirigido por Arthur Sevestre, fue nombrado Vídeo Musical de la Semana por los Berlin Music Video Awards, que destacaron su coreografía elegante y sus movimientos sincronizados que reflejan el groove pegadizo del tema, con un toque de absurdo divertido.
L'Impératrice está formada por Charles de Boisseguin y Hagni Gwon (teclados), David Gaugué (bajo), Achille Trocellier (guitarra), Tom Daveau (batería) y Flore Benguigui (voz). Su nombre significa "La Emperatriz".
"Total Eclipse of the Heart" es un clásico de 1983 de la cantante galesa Bonnie Tyler, incluido en su álbum "Faster Than the Speed of Night". La canción fue escrita y producida por Jim Steinman, colaborador habitual de Meat Loaf, y estuvo cuatro semanas en el número 1.
Curiosidades:
- Gran parte del éxito de la canción se debió a su videoclip, grabado en el sanatorio Holloway de Inglaterra y dirigido por Russell Mulcahy, el mismo director del primer vídeo emitido en la MTV, "Video Killed the Radio Star" de The Buggles.
- En 2023, el videoclip alcanzó los mil millones de visualizaciones en YouTube , todo un hito para la artista.
- En 2017, durante un eclipse solar total, Tyler interpretó el tema en un crucero de Royal Caribbean acompañada por DNCE, la banda de Joe Jonas, justo en el momento de la totalidad del eclipse.
- Un año después, en 1984, Tyler tuvo otro top 40 con otra producción de Steinman: "Holding Out for a Hero", del soundtrack de Footloose.
Vídeo (videoclip oficial):
En 1994/95, la cantante inglesa Nicki French publicó una versión hi-NRG del tema que también fue un éxito mundial, alcanzando el top 5 tanto en Reino Unido como en Estados Unidos. Merece la pena escucharla por lo diferente que suena respecto al original:
Letra:
(Turn around)
Every now and then
I get a little bit lonely
And you're never coming 'round
(Turn around)
Every now and then
I get a little bit tired
Of listening to the sound of my tears
(Turn around)
Every now and then
I get a little bit nervous
That the best of all the years have gone by
(Turn around)
Every now and then
I get a little bit terrified
And then I see the look in your eyes
(Turn around, bright eyes)
Every now and then I fall apart
(Turn around, bright eyes)
Every now and then
I fall apart
(Turn around)
Every now and then
I get a little bit restless
And I dream of something wild
(Turn around)
Every now and then
I get a little bit helpless
And I'm lying like a child in your arms
(Turn around)
Every now and then
I get a little bit angry
And I know I've got to get out and cry
(Turn around)
Every now and then
I get a little bit terrified
But then I see the look in your eyes
(Turn around, bright eyes)
Every now and then
I fall apart
Turn around, bright eyes
Every now and then
I fall apart
And I need you now tonight
And I need you more than ever
And if you only hold me tight
We'll be holding on forever
And we'll only be making it right
'Cause we'll never be wrong
Together we can take it to the end of the line
Your love is like a shadow on me all of the time (all of the time)
I don't know what to do and I'm always in the dark
We're living in a powder keg and giving off sparks
I really need you tonight
Forever's gonna start tonight
(Forever's gonna start tonight)
Once upon a time I was falling in love
But now I'm only falling apart
There's nothing I can do
A total eclipse of the heart
Once upon a time there was light in my life
But now there's only love in the dark
Nothing I can say
A total eclipse of the heart
(Turn around, bright eyes)
(Turn around, bright eyes)
(Turn around)
Every now and then
I know you'll never be the boy
You always wanted to be
(Turn around)
But every now and then
I know you'll always be the only boy
Who wanted me the way that I am
(Turn around)
Every now and then
I know there's no one in the universe
As magical and wondrous as you
(Turn around)
Every now and then
I know there's nothing any better
There's nothing that I just wouldn't do
(Turn around, bright eyes)
Every now and then I fall apart
(Turn around, bright eyes)
Every now and then I fall apart
And I need you now tonight
And I need you more than ever
And if you only hold me tight
We'll be holding on forever
And we'll only be making it right
'Cause we'll never be wrong
Together we can take it to the end of the line
Your love is like a shadow on me all of the time (all of the time)
"Bitter Sweet Symphony" es el tema que abre "Urban Hymns" (1997), el tercer álbum de The Verve, y se convirtió en su mayor éxito internacional. La base de cuerdas que reconoces al instante no es original: procede de una versión orquestal de 1965 de "The Last Time" de los Rolling Stones, grabada por la Andrew Oldham Orchestra (el proyecto del entonces mánager de los Stones, Andrew Loog Oldham).
Ahí empieza la parte más curiosa de la historia. The Verve pidió permiso para usar ese sample, pero Allen Klein, dueño de los derechos a través de ABKCO, consideró que habían usado más fragmento del acordado y los llevó a juicio. El resultado fue durísimo: la banda tuvo que ceder el 100% de los derechos y royalties a Mick Jagger y Keith Richards, que pasaron a figurar como autores de la canción. Richard Ashcroft, el cantante y verdadero autor de la letra y la melodía, llegó a cobrar solo 1.000 dólares por un tema que generó millones. Durante años bromeó diciendo que era "la mejor canción que Jagger y Richards han escrito en veinte años".
La historia tuvo un final feliz: en 2019, más de veinte años después y ya fallecido Klein, Jagger y Richards decidieron devolver a Ashcroft todos los derechos de autor y renunciar a su crédito como compositores. Ashcroft lo anunció el mismo día que recibió el Ivor Novello a toda su trayectoria.
El videoclip también es icónico: un plano casi único donde Ashcroft camina por una acera de Hoxton, Londres, empujando y chocando con la gente que se cruza, sin apartarse nunca de su camino. Lo dirigió Walter Stern.
Vídeo oficial:
Versión que vale la pena escuchar: el origen real de esa cuerda, "The Last Time" de la Andrew Oldham Orchestra (1965), la pieza que lo desencadenó todo.
Letra:
'Cause it's a bittersweet symphony, that's life
Tryna make ends meet, you're a slave to money then you die
I'll take you down the only road I've ever been down
You know the one that takes you to the places where all the veins meet, yeah
No change, I can change
I can change, I can change
But I'm here in my mold
I am here in my mold
But I'm a million different people
From one day to the next
I can't change my mold
No, no, no, no, no
Have you ever been down?
Well, I've never prayed but tonight I'm on my knees, yeah
I need to hear some sounds that recognize the pain in me, yeah
I let the melody shine, let it cleanse my mind, I feel free now
But the airwaves are clean and there's nobody singin' to me now
No change, I can change
I can change, I can change
But I'm here in my mold
I am here in my mold
And I'm a million different people
From one day to the next
I can't change my mold
No, no, no, no, no
(Have you ever been down?)
I can't change it, you know
I can't change it, no
'Cause it's a bittersweet symphony, that's life
Tryna make ends meet, tryna find somebody then you die
I'll take you down the only road I've ever been down
You know the one that takes you to the places where all the veins meet, yeah
You know I can change, I can change
I can change, I can change
But I'm here in my mold
I am here in my mold
And I'm a million different people
From one day to the next
I can't change my mold
No, no, no, no, no
I can't change my mold
No, no, no, no, no
I can't change my mold, no, no, no, no
It's just sex and violence, melody and silence
It's just sex and violence, melody and silence
I'll take you down the only road I've ever been down
I'll take you down the only road I've ever been down
Cuarto y último single de "Hybrid Theory" (2000), publicado en octubre de 2001. Es la canción más reconocible de Linkin Park y una de las que definió el nu metal de los 2000.
La base la compuso Mike Shinoda en su estudio casero, tan sencilla que ni siquiera tenía título: en los archivos de la banda figuraba como "Untitled". A Shinoda no acababa de convencerle, la encontraba demasiado suave y "pop" para un disco pensado como una descarga de energía. Fue el batería Rob Bourdon quien, al escucharla, se emocionó y dijo que era la canción más especial del álbum, lo que convenció al resto.
La letra nace de las vivencias de Chester Bennington en su adolescencia, marcada por el acoso y los problemas familiares. El riff de piano que abre y sostiene toda la canción también es de Shinoda, que además lleva el peso de las estrofas rapeadas antes de que entre la voz de Bennington en el estribillo.
El videoclip lo dirigieron Joe Hahn (el DJ de la banda) y Nathan "Karma" Cox. Aunque parece rodado en pleno desierto, en realidad la banda tocó sobre un plató en Los Ángeles con efectos CGI añadidos después; el fondo desértico se grabó aparte durante el Ozzfest de 2001. Al final del vídeo activaron tuberías de agua sobre el escenario para empapar al grupo. Hoy supera los 2.000 millones de visitas, una de las dos canciones de la banda en llegar a esa cifra.
Ganó el premio a Mejor Vídeo de Rock en los MTV Video Music Awards de 2002.
Vídeo oficial:
Letra:
It starts with one
One thing, I don't know why
It doesn't even matter how hard you try
Keep that in mind, I designed this rhyme to explain in due time
All I know, time is a valuable thing
Watch it fly by as the pendulum swings
Watch it count down to the end of the day, the clock ticks life away
It's so unreal, didn't look out below
Watch the time go right out the window
Tryna hold on, d-didn't even know
I wasted it all just to watch you go
I kept everything inside
And even though I tried, it all fell apart
What it meant to me will eventually be a memory of a time when
I tried so hard, and got so far
But in the end, it doesn't even matter
I had to fall to lose it all
But in the end, it doesn't even matter
One thing, I don't know why
It doesn't even matter how hard you try
Keep that in mind, I designed this rhyme to remind myself how I tried so hard
In spite of the way you were mockin' me, actin' like I was part of your property
Rememberin' all the times you fought with me
I'm surprised it got so far
Things aren't the way they were before
You wouldn't even recognize me anymore
Not that you knew me back then, but it all comes back to me in the end
You kept everything inside
And even though I tried, it all fell apart
What it meant to me will eventually be a memory of a time when
I tried so hard, and got so far
But in the end, it doesn't even matter
I had to fall to lose it all
But in the end, it doesn't even matter
I've put my trust in you
Pushed as far as I can go
For all this, there's only one thing you should know
I've put my trust in you
Pushed as far as I can go
For all this, there's only one thing you should know
Self Destructor es el primer single de Niratias, el noveno álbum de estudio de Chevelle, publicado en enero de 2021. Alcanzó el número 1 en la lista Mainstream Rock de Billboard, la sexta vez que la banda lo consigue.
El tema fue escrito por Pete Loeffler, líder de la banda junto a su hermano Sam. Aunque la letra parece hablar directamente de la pandemia y los antivacunas, Loeffler contó que la canción se escribió en 2019, antes de que nadie supiera del COVID. Según explicó, surgió de una conversación con alguien que negaba la ciencia de forma muy insistente, y de ahí nació el concepto de self destructor.
Curiosidad: la canción suena en la película Hitman's Wife's Bodyguard (2021). Y James LaBrie, cantante de Dream Theater, la eligió como su canción favorita de ese año.
El álbum fue producido de nuevo por Joe Barresi, quien trabaja con Chevelle desde Hats Off to the Bull (2011).
Steel Panther están de vuelta. "The Mother's Day Song" es su primera canción original en tres años y marca además su fichaje por el sello Frontiers Music, tras dejar atrás su anterior etapa discográfica. La banda californiana, formada por Michael Starr, Satchel, Spyder y Stix Zadinia, sigue fiel a su estilo: riffs directos de glam metal, estribillos pegadizos y ese humor desvergonzado y exagerado que les caracteriza desde sus inicios en el año 2000.
Como su nombre indica, el tema es un homenaje (a su manera, claro) a las madres, publicado coincidiendo con la celebración del Día de la Madre en Estados Unidos. El videoclip, dirigido por su colaborador habitual J.T. Arbogast, es una recreación paródica de la mítica actuación de The Beatles en el programa The Ed Sullivan Show: la banda aparece vestida de traje, tocando sobre un fondo blanco, con toda la ironía y el exceso habituales en sus vídeos.
Sobre su fichaje por Frontiers, el grupo no se cortó ni un pelo al bromear en su comunicado sobre las "atenciones" recibidas del sello, en la línea del humor grueso que define su carrera desde Feel the Steel (2009), el álbum debut que incluyó colaboraciones de Corey Taylor (Slipknot), M. Shadows (Avenged Sevenfold) y Scott Ian (Anthrax), entre otros.
Vídeo oficial:
Letra:
Bushin my teeth, combin my hair
I'm gonna fuck your mom tonight
Shavin my balls, because I care
I'm gonna fuck your mom tonight
Oh, I'm gonna fuck your mom
Gonna fuck your mom
(I've done it once before)
Done it once before
(Your moms a whore)
Such a dirty, dirty little whore
(I'm gonna fuck her holes)
Oh yeah! Gonna fuck those holes
(Hope that you ain't mad)
You can call me dad
(You can call me dad)
Little buddy, I think you're gonna like it
Poppin my zits, washin my pits
I'm gonna fuck your mom tonight
Gonna fuck her asshole till she shits
I'm gonna fuck your mom tonight
Yeah! Gonna fuck your mom
(Gonna make her scream)
Gonna make her scream
(Tell your soccer team)
Betcha anything they already know
(I'm gonna fuck your mom)
I'm gonna fuck your mom
(Gonna make it hurt)
Gonna make it hurt
(Gonna make her squirt)
She's gonna soak, my brand new shirt
I've loved your mama for a long, long time
I love lovin your mama and I'm gonna make her mine
Return To Serenity apareció en 1992 dentro de The Ritual, el quinto álbum de estudio de Testament. Fue un disco bisagra para la banda: dejaron algo de lado el thrash más bruto de sus primeros trabajos para explorar un sonido más melódico y técnico, dentro de la línea que ya habían empezado a insinuar en Practice What You Preach y Souls of Black. El batería Louie Clemente llegó a decir que este álbum sonaba "más lento" y más orientado al heavy metal clásico, frente a la furia pura de The Legacy.
La canción está firmada musicalmente por Eric Peterson, con letra de Chuck Billy, Del James y el propio Peterson. Fue grabada en Los Ángeles bajo la producción de Tony Platt, en un proceso que se alargó más de lo habitual para el grupo: hasta entonces solían sacar disco cada año, pero con The Ritual se tomaron su tiempo tras el agotamiento de la gira de Souls of Black.
Un par de curiosidades: una versión editada de Return To Serenity cerró el EP en directo Return To The Apocalyptic City (1993), y la canción también quedó inmortalizada en el álbum en vivo Live At The Fillmore (1995). Con los años se ha convertido en una de las piezas más queridas del repertorio de Testament, con versión acústica incluida.
Videoclip oficial:
Versión acústica (vale la pena escucharla, cambia bastante el tono de la canción):
Letra:
I'm gonna take you to a place far from here
No one will see us watch the pain as it disappears
No time for anger, no time for despair
Won't you come with me, there's room for us there?
This innocent beauty my words can't describe
This rebirth to purity brings a sullen tear right to your eyes
No time for anger, no time for despair
Please, let me take you 'cause I'm already there
I'm so alone
My head's my home
I'll return to serenity
A rhyme without reason is why children cry
They see through the system that's breeding them just so they die
So please let me take you, and I'll show you the truth
Inside my reality, we shared in our youth
I'm so alone
My head's my home
And I feel
So alone (so alone)
At last (at last)
I return to serenity
Now that I've taken you to a place far from here
I really must go back, close your eyes, and we'll disappear
Savage Heart es una de las canciones más conocidas de Pretty Maids, banda danesa de hard rock/heavy metal formada en 1981 en Horsens por Ronnie Atkins y Ken Hammer. El tema apareció originalmente en el álbum Jump the Gun (1990), publicado por CBS/Epic. A pesar de llevar más de cuatro décadas en activo y haber compartido escenario con nombres como Black Sabbath, Deep Purple o Alice Cooper, Pretty Maids nunca terminó de dar el salto al gran público, quedando siempre como una de esas bandas de culto dentro del género.
Una curiosidad: en 1993 la banda grabó una versión acústica de Savage Heart para el álbum Stripped, surgido tras el buen recibimiento del EP acústico Offside (1992), pensado inicialmente para el mercado japonés.
Cuarto y último single de "Currents" (2015), el tercer álbum de Kevin Parker bajo el nombre Tame Impala. Es, con diferencia, la canción más escuchada del proyecto, superando los mil millones de reproducciones en Spotify.
Lo curioso es que casi no existe como canción de Tame Impala. Parker la compuso pensando en regalársela a Mark Ronson para su disco "Uptown Special" (el mismo que incluye "Uptown Funk"), pero Ronson la rechazó. Parker se la quedó y la terminó en una sola noche.
El tema es un giro hacia el funk-disco que al propio Parker le costó aceptar: llegó a decir que le parecía "un poco cutre" para un disco de Tame Impala, con una letra "tonta" y un groove igual de tonto, pero que le encantaba ese tipo de música de todos modos. La grabación se convirtió en una obsesión: aseguró haber hecho más de 1.000 tomas vocales.
Sobre Trevor, el rival amoroso que da nombre a media internet de memes: Parker ha confirmado que no existe, que es solo un nombre que rimaba bien con el resto de la letra.
El videoclip mezcla animación dibujada a mano con acción real y transcurre en un instituto, con un jugador de baloncesto sufriendo un desamor en los vestuarios.
Vídeo oficial:
Letra:
Someone said they left together
I ran out the door to get her
She was holding hands with Trevor
Not the greatest feeling ever
Said, "Pull yourself together
You should try your luck with Heather"
Then I heard they slept together
Oh, the less I know the better
The less I know the better
Oh, my love, can't you see yourself by my side?
No surprise when you're on his shoulder like every night
Oh, my love, can't you see that you're on my mind?
Don't suppose you could convince your lover to change his mind?
So goodbye
She said, "It's not now or never
Wait ten years, we'll be together"
I said, "Better late than never
Just don't make me wait forever"
Don't make me wait forever
Don't make me wait forever
Oh, my love, can't you see yourself by my side?
I don't suppose you could convince your lover to change his mind?
Otu es un músico y productor finlandés al frente de Moonic Productions, su propio estudio. Se hizo viral en YouTube por sus versiones metaleras de clásicos del pop pasados por el filtro de System of a Down: "Barbie Girl", "La Isla Bonita", "Toxic" o "Aserejé" reconvertidos en himnos de riffs pesados y voz nasal a lo Serj Tankian. Ese proyecto de coñas metaleras se llama "Moonic Of A Down".
"Seasons Change" es un single propio de 2026, alejado de esas parodias: aquí Otu presenta composición original, mostrando su faceta de multiinstrumentista y cantante versátil.
Un dato curioso sobre él: nació sin la mano izquierda, algo que no le ha impedido dedicar más de veinte años a componer, producir y grabar música para bandas, videojuegos, anuncios y creadores de YouTube.
"Playing God" es el primer single del álbum Remember That You Will Die (2022) de Polyphia, banda instrumental de Texas formada por Tim Henson y Scott LePage. La canción es puramente instrumental, sin letra, así que esta entrada se centra en la guitarra y la historia detrás del tema.
Lo curioso es que esta no iba a ser la canción de presentación del disco. Originalmente el single iba a ser Chimera, pero esta se filtró antes de tiempo y el videoclip de esa canción, que fue el más caro que había grabado el grupo hasta entonces, no terminó de convencerles. Ante la filtración, Tim Henson decidió cambiar de planes y adelantar Playing God como primer corte.
Polyphia se caracteriza por mezclar técnica de guitarra extrema con sonidos de trap, pop y rock progresivo, algo que se nota perfectamente en este tema, lleno de riffs imposibles y cambios de ritmo.
Vídeo oficial:
Versión que merece mención aparte: la interpretación "unplugged" de Tim Henson tocando el tema en acústico, en un solo plano y sin cortes, se ha convertido en su vídeo más visto, superando incluso al clip oficial. Es una demostración brutal de técnica.
Neil Hannon lleva años cargando con esta canción. La escribió cuando tenía 43 años, tras leer un artículo sobre el poema "Achilles in the Trench", escrito en 1915 por Patrick Shaw-Stewart, un joven clasicista que lo compuso mientras esperaba embarcar hacia Gallipoli en la Primera Guerra Mundial. Hannon tomó prestados algunos de sus versos, los mezcló con sus propias reflexiones sobre la mortalidad y lo intentó encajar en dos álbumes anteriores sin éxito. No fue hasta "Rainy Sunday Afternoon" (2025) cuando la canción encontró su sitio, con un arreglo que él mismo describe como una mezcla entre Morricone y Cash.
El videoclip lo dirigió Raphaël Neal, colaborador habitual de The Divine Comedy, que optó por un formato de tableaux estáticos en estudio, sin narrativa convencional, donde un soldado de la Primera Guerra Mundial se imagina a sí mismo como Aquiles. Neal lo considera el mejor trabajo que ha hecho para el grupo.
Marzo de 2023. Pedro Tovar, cantante y compositor de Eslabón Armado, tenía una melodía que no sabía muy bien a dónde llevar. Contactó a Peso Pluma por redes sociales, le cantó parte de la canción por teléfono (sin mandarle grabación, literalmente cantándosela al oído), y quedaron en meterse al estudio. Dos minutos y cuarenta y cinco segundos después, el mundo del regional mexicano ya no sería el mismo.
"Ella baila sola" salió el 17 de marzo de 2023 como primer single del álbum Desvelado y en cuestión de días era tendencia en TikTok, donde Tovar había subido un adelanto en sus historias de Instagram. Lo que ninguno de los dos esperaba es que se convirtiera en la primera canción de música regional mexicana en entrar al top 10 del Billboard Hot 100, llegando al número 4, y en encabezar el Billboard Global 200 durante seis semanas. Primera vez para el género en ambas listas.
Técnicamente es un sierreño, no un corrido, como Tovar se encarga de aclarar cada vez que puede. El sonido mezcla requinto, charchetas, trombón de válvulas y tololoche, instrumentos que cada artista aportó por separado sin forzar nada. "Cada uno hizo lo suyo y se convirtió en su propio estilo", diría Peso Pluma.
Superó los mil millones de reproducciones en Spotify antes de que acabara 2023. Rolling Stone la incluyó en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos (puesto 402) y la situó en el número 64 de las 250 mejores canciones del siglo XXI, describiéndola como un himno "ágil, épico y embriagador". La canción fue escrita por Tovar por pura imaginación, no desde la experiencia propia. Él mismo la considera la más fácil que ha escrito en su vida.
Hay un remix de Deorro que le mete un giro house/electrónico bastante curioso:
"Rock Bottom" pertenece al álbum The Harmony Codex (2023) y es uno de esos temas que justifican por sí solos escuchar el disco entero. La canción nació como una demo de guitarra que Ninet Tayeb le envió a Wilson, y él la transformó por completo: la convirtió en una especie de tema de James Bond orquestado y épico, con arreglos de cuerdas imponentes y un dueto vocal que parte en dos. La propia voz de Ninet repitiendo "don't lose hope, stay alive" tiene algo que se te clava.
Ninet Tayeb es una cantante israelí con la que Wilson lleva colaborando desde Hand. Cannot. Erase. (2015), donde ya apareció en "Routine" y "Ancestral". Su complicidad es evidente: se complementan de una manera que pocos dúos consiguen.
El videoclip, dirigido de forma muy contenida y perturbadora, muestra a los dos atados con cuerdas en una habitación anónima. Incómodo y efectivo.
"No Quarter" aparece en Houses of the Holy, el quinto álbum de estudio de Led Zeppelin, publicado en 1973.
La canción fue concebida principalmente por John Paul Jones, y es una de las pocas de su catálogo construida enteramente sobre su visión, dominada por el piano y el mellotron.
El título procede de una antigua expresión militar: sin cuartel, sin prisioneros, sin piedad. Plant construye una narrativa en torno a guerreros vikingos en una misión peligrosa, igual que hizo antes con "Immigrant Song".
Ninguno de los cuatro miembros habló nunca públicamente sobre el significado de la letra, algo inusual si pensamos en la cantidad de entrevistas que dieron sobre "Stairway to Heaven" o "Kashmir". Ese silencio parece deliberado.
En directo, la canción se convirtió en el centro de los conciertos de Zeppelin desde 1973 hasta casi el final de su carrera. Jones improvisaba con el teclado e incorporaba fragmentos de música clásica, y la versión llegó a superar los veinte minutos.
En cuanto a versiones, la más llamativa tiene su propia historia: en 1994, Page y Plant se reunieron para un especial de MTV y decidieron llamar al proyecto No Quarter: Unledded. Grabaron en Gales, Londres y Marruecos, mezclando folk acústico, blues e influencias de música africana. Jones se enteró del proyecto a través de los medios mientras estaba de gira en Alemania, y no lo recibió precisamente bien. El especial fue el episodio más visto de la era Unplugged en MTV.
Y la versión del especial de MTV con Page y Plant:
Letra:
Close the door, put out the light
No, they won't be home tonight
The snow falls hard and don't you know?
The winds of Thor are blowing cold
They're wearing steel that's bright and true
They carry news that must get through, oh
They choose the path where no-one goes
They hold no quarter
They hold no quarter, oh
Walking side-by-side with death
The devil mocks their every step, ooh
The snow drives back the foot that's slow
The dogs of doom are howling more
They carry news that must get through
To build a dream for me and you, oh, oh, oh
They choose the path where no one goes
They hold no quarter
They ask no quarter
They hold no quarter
They ask no quarter
Yeah
Without quarter, quarter, yeah (without quarter)
Without quarter, quarter, quarter
Taking no quarter
Oh, oh, oh (hear the dogs of doom) (no, never quarter)
"Lights Out" es el tema que abre y da nombre al sexto álbum de UFO, publicado en mayo de 1977. La canción surgió de una sesión de jam colectiva, con todos los miembros del grupo aportando su parte, según recuerda el propio Phil Mogg.
Mogg escribió la letra como una canción anti-autoritaria, aunque su compañero Paul Raymond pensaba que trataba sobre la huelga de los mineros. Lo que sí parece claro es que el grito "Lights out in London" funcionó como metáfora de una ciudad al borde del caos.
La versión definitiva del tema no es la del disco, sino la que aparece en Strangers in the Night, el directo grabado en Chicago en 1978 y considerado uno de los mejores álbumes en vivo del hard rock.
El álbum Lights Out fue el de mayor éxito comercial de la banda en Estados Unidos, llegando al número 23 del Billboard 200.
Además, fue el primero en incorporar arreglos de cuerdas y estructuras más complejas, con el productor Ron Nevison al mando.
Vale la pena también escuchar la versión en directo del Strangers in the Night, donde Michael Schenker lleva el riff a otro nivel:
"Tears of the Dragon" es el primer single del segundo álbum en solitario de Bruce Dickinson, "Balls to Picasso", publicado en 1994, justo después de abandonar Iron Maiden. Líricamente, la canción describe los sentimientos de Dickinson sobre su marcha de la banda.
La canción fue rechazada por Iron Maiden en su momento. Dickinson la había compuesto con la idea de que entrase en lo que habría sido "Somewhere in Time", un disco que él quería que sonase muy diferente, con toques acústicos. La banda pasó. Él la guardó y años después se convirtió en una de las mejores canciones de su carrera en solitario.
En una entrevista, Dickinson la eligió como su mejor canción: "Yo diría 'Tears of the Dragon', porque no sé lo que significa. Pero habla sobre algo, porque realmente afecta a la gente. Me afecta a mí. Sé de qué se trata: se trata de abandono, de abandonarse al universo."
Es además la única canción de "Balls to Picasso" que Bruce escribió y compuso completamente solo.
Videoclip oficial:
Vale la pena mencionar que en mayo de 2026 se publicó un nuevo videoclip para una versión reimaginada de la canción, con arreglos orquestales, rodado en una antigua cervecería de São Paulo junto a la orquesta Almai y la bailarina de ballet Renata Bardazi. El vídeo ya ha ganado el premio al Mejor Videoclip en varios festivales de cine internacionales.
Family Man es una banda de post-hardcore de Montreal que eligió su nombre de la forma más azarosa posible: lo sacaron de entre un centenar de papeles escritos a mano dentro de un sombrero. Su primer disco, "What's New", nació del desgarro de una ruptura sentimental de uno de sus miembros, pero no era el sonido que buscaban. Inspirados por el post-punk británico, el hardcore norteamericano y el noise europeo, decidieron apostar por un sonido más duro y dieron el salto con *ICONOCLAST* en 2024.
"Company of Portraits" llegó en mayo de 2025 como single adelanto de un EP que tienen previsto para este otoño. La canción es más pesada que nada que hayan hecho antes: guitarras en capas, batería contundente y las letras más introspectivas del cantante Conner Root, que explora su relación con la adicción a las sustancias. Root canta "consumo para poder dormir, duermo para poder consumir" y hace una crítica al ciclo autodestructivo de la adicción, la cultura del consumo y la naturaleza sisífica de vivir.
El grupo trabaja en un EP de cara al otoño con la misma escritura maximalista, apostando por sus canciones más pesadas como declaración de intenciones.
Letra:
Til death do us part
Til meth makes me smart
I want to see I want to know
I want to see I want to know
I consume so that I can sleep
And I sleep so that I can see
I tell myself it'll be fine
Red rose red rose red rose
Red rose red rose red rose
And I'm writhing
Below
All your bones
I'm in the company of portraits
I tell them I'll step forward
Hold back hold back
But they don't want to see me go
A soft touch is what I want
Or maybe its the company
But theres a buzzing in the lights that are around my head
"Ifyoucall" es el segundo tema de "LOVED" (2025), el tercer álbum de estudio de Parcels, publicado el 12 de septiembre de 2025 a través de Because Music. Como casi toda la discografía del grupo, está firmada por los cinco miembros: Louie Swain, Noah Hill, Patrick Hetherington, Jules Crommelin y Anatole Serret.
Parcels se formó en Byron Bay (Australia) en 2014 y poco después se trasladó a Berlín, donde sigue viviendo y trabajando. Su sonido mezcla funk, disco y pop con una producción muy cuidada, casi artesanal. Saltaron a la fama internacional en 2018 gracias a "Overnight", tema que coprodujeron junto a Daft Punk, una de las pocas colaboraciones externas que ha firmado el dúo francés en los últimos años. Ese mismo año publicaron su álbum debut homónimo, que acabó certificado doble platino. En 2021 llegó el ambicioso doble álbum "Day/Night".
"LOVED" se grabó de forma mucho más libre que sus discos anteriores, con sesiones repartidas entre Berlín, Byron Bay, Sídney y Ciudad de México. Dentro de ese disco, "Ifyoucall" es uno de los temas más tiernos: habla de estar ahí para alguien de forma incondicional, pase lo que pase.
También existe una versión en directo grabada por la propia banda que merece la pena escuchar:
Letra:
Oh, hey
I'll be there, I'll be there, I'll be there
Holding out for a loan
If you called, I'd come back home
Crying out on the phone
If you call, I'll be there
Walking out in the road
I recall, I called you home
Crying out on the phone
If you call, I'll be there
Is it all about what I know
It's all around me
You know, wherever you go
If you call, I'll be there
If you call, I'll be there
If you call, I'll be there
Time on your own
You never had it, you know
With eyes on the road
You better get it to go
Just please, let me know
If ever you're on your own
And finding it slow
Lying, lonely
Minding my own
I never wanted to go
But time in the sand
Is better than in the snow
Just please, understand
It wasn't part of the plan
I tried, and I tried, and so
Holding out for a loan
If you call, I'll be there
Crying out on the phone
If you call, I'll be there
I'll be there, I'll be there
I'll be there, I'll be there
I'll be there, I'll be there
If you call, I'll be there
Is it all about what I know
It's all around me
Know, wherever you go
I'll be there, I'll be there
Is it all about what I know
It's all around me
Know, wherever you go
(i'll be there, i'll be there) if you call, I'll be there
