Gabrielle Aplin - Waking Up Slow (Piano Version)

Una canción de despertar lento, de esas mañanas en las que el mundo todavía no te ha pedido nada. Gabrielle Aplin la publicó como single el 1 de septiembre de 2017 y fue el adelanto de su EP "Avalon", que salió en octubre de ese año. La escribió junto a Peter Rycroft y la producción es de Lostboy. La versión original suena a pop electrónico con aire ochentero, y el videoclip sigue esa línea, con Gabrielle paseando por la calle con ropa de los 80 en un ambiente de ensueño.

La versión de piano llegó poco después y es la que traemos hoy. Quita todo el brillo y deja la voz y las teclas, y la canción gana intimidad. Es la misma canción, pero más desnuda.

Una curiosidad: Gabrielle empezó subiendo versiones acústicas a YouTube con apenas 11 o 12 años, y de ahí pasó a firmar con Parlophone en 2012. Esta versión de piano es un poco volver a sus orígenes. Además, Popjustice la incluyó entre las mejores canciones pop de 2017.

La letra habla de una relación en la que se está bien sin prisas. Es esa sensación de despertarse junto a alguien sin necesidad de nada más, de quedarse en la cama y dejar que el día llegue despacio. Es una canción sobre la calma de querer y sentirse querida.

Versión piano:

Versión original:

Letra: 

Heaven help me

My mind changes like the wind

Please excuse me

I don't know where to begin

But I didn't think I cared

I could be your friend

But I'm unprepared

Oh, I've never felt like this

I was unaware

That you were lighting flares

Now I'm running scared

Oh, how did it come to this?

You know I've never been so lonely on my own

And it shows

'Cause I don't see you like I used to

Now I'm going back on the things that I know

Oh, all my nights taste like gold

Yeah, when I'm with you it's like everything glows

And all my days, we can lay low

Yeah, when we're waking up, we're waking up slow

I could rearrange

Would you do the same?

I don't wanna change

But you're just too good to miss

'Cause I'm intertwined

And I'm running blind

But I don't mind

I'm so glad it came to this

You know I've never been so lonely on my own

And it shows

'Cause I don't see you like I used to

Now I'm going back on the things that I know

Oh, all my nights taste like gold

Yeah, when I'm with you it's like everything glows

All my days, we can lay low

Yeah, when we're waking up, we're waking up slow

It's a little bit clearer now

I love you like the sun came out, oh

We're waking up, we're waking up slow

It's like I never had a doubt

I love you like the sun came out

We're waking up, we're waking up

Like I told ya

Don't look backwards

'Cause now I see you here

Nothing else matters

Like I told ya

Don't look backwards

'Cause now I see you here

I'm going back on the things that I know

All my nights taste like gold

Yeah, when I'm with you it's like everything glows

All my days, we can lay low

Yeah, when we're waking up, we're waking up slow

It's a little bit clearer now

I love you like the sun came out, oh

We're waking up, we're waking up slow

It's like I never had a doubt

I love you like the sun came out

We're waking up, we're waking up

Journey - Lights

"Lights" abre "Infinity" (1978), el primer álbum de Journey con Steve Perry como cantante. Perry entró en el grupo en octubre de 1977 para sustituir a Robert Fleischman, y el disco, producido por Roy Thomas Baker, cambió el rumbo de una banda que hasta entonces tocaba una fusión más instrumental y no acababa de vender. La firman Steve Perry y Neal Schon, y salió como single en 1978.

Tiene una anécdota muy buena: Perry la escribió casi entera en Los Ángeles y hablaba de Los Ángeles. El verso decía "el sol brilla sobre L.A." y no le convencía, así que la dejó aparcada. Cuando se mudó a San Francisco para unirse a Journey, cambió L.A. por "la bahía" y la canción encajó. Según contó, la idea le vino viendo amanecer en el Observatorio Griffith mientras las luces de la ciudad se apagaban. Schon la terminó con él en unos 20 minutos.

Al principio solo llegó al puesto 68 de la lista Billboard, pero con los años se ha vuelto uno de los temas más reconocibles de la banda, con doble platino en Estados Unidos. Es casi un himno de San Francisco y suena en los partidos de los Giants, incluso con Perry cantándola en las Series Mundiales de 2010, 2012 y 2014. Desde 2017, Schon la dedica a Perry en los conciertos.

La letra habla de añorar tu ciudad y querer volver a ella, con el amanecer sobre la bahía como imagen. Es una canción de nostalgia y de pertenencia, sin dramatismo.

Este año ha vuelto a sonar gracias a la versión de Donna Missal para la película de Netflix "Voicemails for Isabelle" (2026), que se publicó el 19 de junio de 2026 y abre su banda sonora. La película está ambientada en San Francisco y la canción aparece en una escena de concierto en directo. Es una versión más íntima y contenida que la de Journey, que cambia el brillo del rock por un tono más melancólico.

Letra: 

When the lights go down in the city

And the sun shines on the bay

Ooh, I wanna be there, yeah, in my city

Oh, whoa, oh

Oh, oh, oh, whoa, oh

So you think you're lonely

Well, my friend, I'm lonely, too

I wanna get back to my city by the bay

Oh, oh, oh, whoa, oh

It's sad

Oh, there's been mornings out on the road without you

Without your charms

Oh, whoa, oh

My, my, my, my, my, my

Oh, oh, oh, whoa, oh

When the lights go down in the city

And the sun shines on the bay

Ooh, I wanna be there, yeah, in my city

Oh, whoa, oh

Oh, oh, oh, whoa, oh

When the lights go down in the city

And the sun shines on the bay

Ooh, I wanna be there, yeah, in my city

Oh, whoa, oh

Oh, oh, oh, whoa, oh

Mm

Oh, oh, oh, whoa, oh

Genesis - Follow You Follow Me

"Follow You Follow Me" se publicó el 24 de febrero de 1978 como primer single de "...And Then There Were Three...", el primer disco de Genesis tras la marcha de Steve Hackett. Ya convertidos en trío (Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford), les dio su primer gran éxito: número 7 en Reino Unido y número 23 en Estados Unidos.

Nació de un riff de guitarra de Rutherford, al que Banks añadió acordes y Collins dio forma. Banks la describe como su único tema compuesto de verdad entre los tres. El sonido de la intro es de un pedal flanger MXR, y se grabó en los estudios Relight, en Países Bajos.

Rutherford escribió la letra en unos diez minutos (aunque insiste en que "no tanto"), pensando en su mujer, Angie, a la que veía poco por las giras. Dice que le pareció que no podía ser buena, pero que ahí estaba el encanto. Además, la banda quería llegar a más público femenino, y según Rutherford lo consiguió: después de este tema, los chicos podían decirle a sus novias "esta es la canción que te gusta".

La letra es una declaración de amor sencilla: la promesa de acompañar a la persona amada y de estar siempre a su lado, pase lo que pase. Fue la primera canción de amor tan directa de la banda, que hasta entonces se movía entre historias largas y fantasías.

El videoclip es una actuación mimada de la banda grabada en los Shepperton Studios. Collins aparece con una especie de shaker mientras canta, pero también se grabó por separado tocando la batería.

Vídeo:

Merece la pena la versión en directo de Londres de 1980, con la banda ya más rodada y Collins en plena forma:

Letra: 

Stay with me

My love, I hope you'll always be

Right here by my side if ever I need you

Oh, my love

In your arms

I feel so safe and so secure

And everyday is such a perfect day to spend

Alone with you

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year

With the dark

Oh, I see so very clearly now

All my fears are drifting by me so slowly now

Fading away

I can say

The night is long, but you are here

Close at hand, oh, I'm better for the smile you give

And while I live

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year there will be

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year

Queen - Who Wants to Live Forever

Brian May compuso este tema para la película "Highlander" (1986) después de ver imágenes de la escena en que el protagonista, inmortal, ve morir de vejez a su esposa. La canción apareció ese mismo año en el álbum "A Kind of Magic" y se publicó como single, pero solo llegó al puesto 24 en las listas del Reino Unido. Con el tiempo se ha convertido en una de las baladas más queridas de la banda.

Detalles que merecen mención: la grabación cuenta con la National Philharmonic Orchestra, dirigida y arreglada por Michael Kamen junto a May. En la versión del álbum cantan tanto May como Freddie Mercury, mientras que en la película es Mercury quien canta todas las partes. El videoclip, dirigido por David Mallet, muestra a la banda con la orquesta rodeada de velas. Roger Taylor es el único que no va vestido para la ocasión, y contó que bebió bastante durante el rodaje y no recordaba sus partes. En 2025 volvió a sonar en el tráiler de la última temporada de "Stranger Things".

La letra habla de lo efímero del amor y de la vida. Se pregunta quién querría vivir para siempre si eso significa perder a quien amas, y reclama que lo único que tenemos es el tiempo que nos toca. Es una mezcla de dolor, resignación y aceptación, y escuchada con Freddie Mercury cantándola, el mensaje pesa todavía más.

Vídeo: 

En 1996 la banda alemana Dune convirtió esta balada en un tema de eurodance, y fue un gran éxito de ventas. Cambia por completo el tono del original, pasando de la solemnidad orquestal a los ritmos de pista de baile, pero la melodía sigue siendo inconfundible. Si quieres comprobar hasta dónde aguanta una gran canción, aquí la tienes.

Versión de Dune:

Letra: 

There's no time for us

There's no place for us

What is this thing that builds our dreams, yet slips away from us

Who wants to live forever

Who wants to live forever

Oh ooo oh

There's no chance for us

It's all decided for us

This world has only one sweet moment set aside for us

Who wants to live forever

Who wants to live forever

Ooh

Who dares to love forever

Oh oo woh, when love must die

But touch my tears with your lips

Touch my world with your fingertips

And we can have forever

And we can love forever

Forever is our today

Who wants to live forever

Who wants to live forever

Forever is our today

Who waits forever anyway?

Antoine Fafard - The Seventh Extinction

Hoy toca un tema instrumental de bajista canadiense afincado en Londres. "The Seventh Extinction" es el cuarto corte de "Borromean Odyssey" (2019), el sexto álbum en solitario de Antoine Fafard, y dura 5:28. Es un rock progresivo con mucho aire de jazz fusion, de los que tienen un groove sólido y mucha técnica.

Fafard tocó todo el bajo y las guitarras, y en la batería está Todd Sucherman (el batería de Styx) y en los teclados Gary Husband. Antoine empezó con la banda de rock progresivo Spaced Out en los 2000 y desde 2011 publica discos con su nombre, siempre rodeado de grandes baterías como Vinnie Colaiuta, Dave Weckl, Simon Phillips o Gavin Harrison. De hecho, en 2025 sacó "Circle of Eight", un vinilo recopilatorio con ocho temas que destacan a ocho baterías con los que ha grabado, y "The Seventh Extinction" es el tema de Sucherman.

Al no tener letra, el significado queda en el título. Mi lectura es que alude a una hipotética nueva extinción masiva, la que vendría después de la sexta que muchos científicos dicen que ya estamos viviendo, y la música le pone la tensión y el dramatismo.

Merece la pena ver también la versión en directo que Todd Sucherman tocó en el UK Drum Show 2025 junto a Gary Husband. Se nota todavía más lo que se le exige a la batería en este tema:

Green Lung - Ozymandias

Green Lung son una banda londinense de rock oculto y doom formada en 2017, famosa por mezclar folklore británico, terror de la Hammer y riffs de la vieja escuela. "Ozymandias" es el séptimo tema de "Necropolitan", su cuarto álbum, publicado el 11 de septiembre de 2026 con Nuclear Blast. Lo grabaron en Rockfield con Tom Dalgety como productor.

El disco es una carta de amor a la Londres gótica: cementerios victorianos, el tren de los muertos y fantasmas. Dentro de ese ambiente, "Ozymandias" se sale del tiesto porque parte de un poema de verdad, el soneto de Percy Bysshe Shelley de 1818. La crítica la señala como una de las mejores del álbum. Tiene riffs a lo Iommi, un toque funky, coros a lo Iron Maiden y un órgano Hammond protagonista. Dura 5:35 y va creciendo hasta un final muy teatral.

Curiosidades:

- El poema de Shelley nació de la fama de una estatua fragmentada de Ramsés II, que llegó a Londres en 1821, años después de escribirse.

- Shelley lo escribió casi en un duelo con su amigo Horace Smith, que publicó su propio soneto sobre el mismo tema.

- Tom Templar, el vocalista, es el responsable de unas letras llenas de referencias y guiños literarios.

Significado de la letra: habla de la vanidad del poder. Un rey que se creía eterno solo deja una estatua rota en medio del desierto, con su "Look on my Works, ye Mighty, and despair!" convertido en ironía. Los imperios caen y la naturaleza se queda. Encaja con el resto del álbum, que reflexiona sobre cómo lo natural acaba sobreviviendo al dominio humano.

Letra: 

A traveller from an antique land

Wandering alone

Told me he found a ruin in the sand

Two vast legs of stone

The pharaoh's statue lay there

Three thousand years undisturbed

A pedestal loomed, monumental

Upon it were written these words

My name is Ozymandias, King of Kings

Look on my works, ye Mighty, and despair

Yeah, Ozymandias, King of Kings

He rules a desert boundless and bare

Yeah

The traveller stared at the face of the king

Shattered in the sand

Under the crown of the cobra coiled

He sneered with cold command

His kingdom once had been endless

Like that of Ashurbanipal

Now he looked out at a desert

One day all empires must fall

My name is Ozymandias, King of Kings

Look on my works, ye Mighty, and despair

Yeah, Ozymandias, King of Kings

He rules a desert boundless and bare

Yeah

Look on my works, ye Mighty, and despair

Look on my works, ye Mighty, and despair

My name is Ozymandias, King of Kings

Look on my works, ye Mighty, and despair

Yeah, Ozymandias, King of Kings

He rules a desert boundless and bare

Yeah

My name is Ozymandias, King of Kings

My name is Ozymandias, King of Kings

Jean-Michel Jarre - Revolution, Revolutions

"Revolution, Revolutions" es el tema que da título al noveno álbum de Jean-Michel Jarre, "Revolutions", publicado en septiembre de 1988 y lanzado como primer sencillo. Fue un disco de cambio de rumbo: Jarre dejó el sonido más etéreo de "Oxygène" y "Équinoxe" por algo más rítmico, urbano y cercano al synth-pop.

La canción mezcla sintetizadores y cajas de ritmos con instrumentos de la tradición árabe. Aparece el ney, la flauta turca, a cargo de Kudsi Erguner, y en el disco también hay un canto de muecín y un conjunto de música clásica árabe. Es uno de los primeros encuentros entre la música electrónica y los sonidos del mundo árabe.

Otra curiosidad es que las "voces" no son cantantes. Son voces de ordenador creadas con vocoder por el propio Jarre y por Michel Geiss, su colaborador habitual.

El tema fue el centro de la presentación del álbum en directo, "Destination Docklands". Fueron dos conciertos, el 8 y el 9 de octubre de 1988, en los muelles de Londres, con unas 100.000 personas cada noche. El escenario era una barcaza flotante de 1.000 toneladas sobre el Támesis. El álbum está inspirado en la historia industrial de esa zona. En el Reino Unido llegó al puesto 52 de las listas.

Sobre la letra, es mínima. Las voces robóticas repiten la idea de "revolución" como un cántico. La palabra juega con los dos sentidos del término: las vueltas que da una máquina y los grandes cambios históricos. El tema funciona como un himno a la era industrial y tecnológica, y a cómo las máquinas han marcado la forma de vivir y de pensar.

Letra: 

Revolution!

Human, Not Human

Freedom, No Freedom

Change, No Change

Revolution!

Employment, No Employment

Choice, No Choice

Memory, No Memory

Revolution!

Revolution!

Sex, No Sex

TV, No TV

Furture, No Future

Revolution!

Computer, No, No Computer

Sex; No, No, No Sex

Memory, No, No, No Memory

Revolution!

Choice, No Choice

Freedom, No, No Freedom

TV, No, No, No TV

Change, No, No Change

Revolution!

Andrea McArdle - Tomorrow

"Tomorrow" es el gran número del musical "Annie" (Broadway, 1977), con música de Charles Strouse y letra de Martin Charnin. Annie la canta en un momento bajo, cuando acaba de escaparse del orfanato y le habla a un perro callejero de los días mejores que vendrán. Más tarde se repite en el número del gabinete de Roosevelt y en el final del musical. La versión original la cantó Andrea McArdle, que hacía de Annie con 13 años.

Curiosidades:

- Strouse la tenía guardada en un cajón: es una versión reciclada de una canción suya anterior llamada "Replay".

- La historia se sitúa en plena Gran Depresión. El guionista Thomas Meehan la ambientó ahí porque el ánimo de los años 70 (Vietnam, la crisis de Nueva York) era igual de sombrío.

- "Annie" estuvo en cartel 2.377 funciones y ganó siete premios Tony, entre ellos Mejor Musical.

- McArdle empezó siendo la suplente de Annie en las pruebas y acabó quedándose con el papel antes del estreno en Broadway. 

Significado de la letra: es un himno al optimismo. Habla de aguantar hoy porque mañana saldrá el sol, y de afrontar los días grises y solitarios con la barbilla en alto y una sonrisa. Dentro del musical funciona como una pequeña terapia para un país hundido por la Depresión.

Versiones que merecen la pena:

La de la película de 1982, con Aileen Quinn como Annie. Es la que muchos conocen, y la de 2014, con Quvenzhané Wallis, la moderniza.

La de Sydnie Christmas, de su álbum debut "My Way" (2024). Con esta canción consiguió el Golden Buzzer de Amanda Holden en su audición de "Britain's Got Talent" 2024, un programa que acabó ganando. Su audición acumula más de 40 millones de visualizaciones en redes. Ella cuenta que "Tomorrow" fue la primera canción que cantó de verdad, subida a un banco en el patio del colegio con solo cuatro o cinco años.

Videoclip (Andrea McArdle, Broadway): 

Versión película 1982 (Aileen Quinn): 

Versión Sydnie Christmas (audición BGT): 

Letra: 

The sun'll come out

Tomorrow

Bet your bottom dollar

That tomorrow

There'll be sun!

Just thinkin' about

Tomorrow

Clears away the cobwebs

And the sorrow

'Til there's none!

When I'm stuck with a day

That's grey

And lonely

I just stick out my chin

And grin

And say

Oh!

The sun'll come out

Tomorrow

So ya gotta hang on

'Til tomorrow

Come what may

Tomorrow, tomorrow!

I love ya tomorrow!

You're always

A day

Away!

When I'm stuck with a day

That's grey

And lonely

I just stick out my chin

And grin

And say

Oh!

The sun'll come out

Tomorrow

So ya gotta hang on

'Til tomorrow

Come what may

Tomorrow, tomorrow!

I love ya tomorrow!

You're always

A day

Away!

Tomorrow, tomorrow!

I love ya tomorrow!

You're always

A day

Away!

The Cure - Inbetween Days

"Inbetween Days" salió el 19 de julio de 1985 como primer single de "The Head on the Door", el álbum con el que The Cure se abrieron al gran público. Fue su primer tema en entrar en el Billboard Hot 100 de EE. UU. (puesto 99) y llegó al número 15 en Reino Unido.

Robert Smith la definió como lo más simple que había escrito desde "Boys Don't Cry". Todo gira en torno a una guitarra acústica rasgada a toda velocidad y unos teclados brillantes. Curiosamente, en esa época Smith seguía siendo guitarrista de Siouxsie and the Banshees y compaginaba ambas bandas.

El videoclip lo dirigió Tim Pope y se rodó el 18 de junio de 1985 en los estudios Fulham, en Londres. La banda aparece maquillada con colores fluorescentes, con calcetines dibujados flotando por detrás y cámaras giratorias, algunas sujetas al propio Smith y a Porl Thompson. Smith contó que quisieron mostrarse tal como eran, sin glamour. Es uno de sus clips más recordados.

La canción ha aparecido en varias listas de las mejores de la banda. Mojo la colocó en el puesto 2 en 2023.

Significado de la letra: bajo la melodía alegre hay una canción de pérdida. Smith la describió como una típica historia de "se va y vuelve" entre chico y chica. El narrador siente pánico ante la idea de que la otra persona se marche y no sabe cómo dejar de aferrarse a ella. También dijo que la letra gira en torno a tríos de cosas: días, personas, lugares, edades. Es la mezcla de música luminosa y letra triste tan típica de The Cure.

Versión: Ben Folds hizo una versión sustituyendo las guitarras por piano, y Superchunk también la versionaron en 2010.

Letra: 

Yesterday, I got so old

I felt like I could die

Yesterday, I got so old

It made me want to cry

Go on, go on, just walk away

Go on, go on, your choice is made

Go on, go on, and disappear

Go on, go on, away from here

And I know I was wrong when I said it was true

That it couldn't be me and be her in between

Without you

Without you

Yesterday, I got so scared

I shivered like a child

Yesterday, away from you

It froze me deep inside

Come back, come back, don't walk away

Come back, come back, come back today

Come back, come back, why can't you see?

Come back, come back, come back to me

And I know I was wrong when I said it was true

That it couldn't be me and be her in between

Without you

Without you

Without you

Without you

Without you

Without you

Without you

Without you

Echo & The Bunnymen - Never Stop

Después de "The Cutter", los de Liverpool publicaron este single el 8 de julio de 1983, justo antes de "The Killing Moon". Salió suelto y no pertenecía a ningún álbum de estudio. Hasta 1985 no entró en un disco, el recopilatorio "Songs to Learn & Sing".

Es de los temas más bailables de su carrera. Mezcla las guitarras de Will Sergeant, las cuerdas y un pulso casi de pista de baile. La firman los cuatro miembros: Ian McCulloch, Will Sergeant, Les Pattinson y Pete de Freitas. Poco después de salir el single, el grupo lo tocó en Top of the Pops.

La letra habla de una relación y de la necesidad de no rendirse. Hay un tono de súplica y de orgullo a la vez: el amor que has encontrado no debe parar, y nadie debe decirte cuándo parar. Es una canción sobre la insistencia, aunque no se sepa muy bien hacia dónde se va.

Una versión que vale la pena: "Never Stop (Discotheque)", la mezcla de la edición en 12 pulgadas, más larga y más discotequera. Esa versión sonó en la película "The History Boys" (2006) y aparece en su banda sonora.

Letra: 

Good God, you said

Is that the only thing you care about

Splitting up the money

And share it out

The cake's being eaten

Straight through the mouth

Poison Poised to come back in

Season For all the ones who lack

Reason

Measure by measure, drop by drop

And pound for pound, we're taking stock

Of all the treasure still unlocked

The love you found must never stop

The king is dead

And long live the people who aim above

All the simple stuff never understood

Like right from bad and wrong from good

Deny That you were ever tempted by the

Lie That there's an answer in the

Sky

Measure by measure, drop by drop

And pound for pound, we're taking stock

Of all the treasure still unlocked

The love you found must never stop

Oh, oh Oh, oh Oh, oh Oh, oh

Never stop Never stop

Never stop Never stop

Never stop Never stop

Never stop Never stop Never stop

Measure by measure, drop by drop

And pound for pound, we're taking stock

Of all the treasure still unlocked

The love you found must never

Measure by measure, drop by drop

And pound for pound, we're taking stock

Of all the treasure still unlocked

The love you found must never stop

Never stop

(Stop stop) Never stop (Stop)

Never stop (Stop stop)

Never stop (Stop stop stop)

Never stop (Stop stop stop)

Never stop

Oques Grasses & Rita Payés - La Gent que Estimo

"La Gent que Estimo" es una colaboración de Oques Grasses con Rita Payés, trombonista y cantante de jazz nacida en 1999. Salió como single en 2021 y forma parte del álbum "A tope amb la vida". La firman Josep Montero, líder del grupo, y la propia Rita. En 2022 ganó el premio Enderrock a la mejor canción.

Curiosidades: la portada del disco muestra a los miembros del grupo convertidos en ancianos, un guiño a los más castigados por la pandemia. La canción también sonó en la película de Netflix "A través de mi ventana: Mirándote a ti". Y en directo era un momento de abrazos y lágrimas, hasta el punto de que hay quien recuerda la primera nota como una explosión de emoción colectiva.

Oques Grasses se formó en Osona en 2010 y fue uno de los grupos más grandes de la música catalana. En noviembre de 2025 anunciaron su disolución, y esta semana se han despedido con cuatro conciertos en el Estadi Olímpic de Barcelona. El de hoy, 10 de octubre de 2026, ha sido el último, poniendo punto final a 16 años de carrera. Una canción que habla de despedidas y de agradecer lo vivido no podía ser más oportuna para el día de hoy.

Significado de la letra: es una canción de amor y memoria. Habla de cargar con las palabras de alguien que ya no está, o que ya no es lo mismo, y de querer mucho y tener miedo a la vez. Entre las dudas y el "que todo se vaya a la mierda", acaba en una idea optimista: vivimos entre el milagro y el desastre, y seguir aquí ya es una suerte.

Letra: 

Porto amb mi les coses que em vas dir

El teu amor, el meu verí

Una part de tu em floreix a dins

El meu amor, el meu destí

Sóc feliç

Prop del perill

Només sóc com un desig

Com un desig

Queda amor

En aquest món

I t'estimo molt

I t'estimo molt

I també tinc por

Sempre porto un tros d'ahir

I un altre cop m'escapo

I un altre cop m'escapo

Sempre porto un tros d'ahir

I un altre cop m'escapo

Van plorant els núvols grisos

I ens fan enyorar el bon temps

El record del quе vam ser

Que tot se'n vagi a la mеrda

Eh-eh-eh

Recordo que t'ho vaig dir

Que seria millor així

No sé res però m'ho vull creure

Que al final sé decidir

Si en el fons som la veritat

De tot el que ens ha passat

Som la sort de seguir aquí

Tan estrany I tan bonic

Entre el miracle I el desastre és on vivim

Cel de llums per fer-te feliç

Brilla la nit I ho fa per tu perquè ets aquí

Tan estrany I tan bonic

Entre el miracle I el desastre és on vivim

Cel de llums per fer-te feliç

Brilla la nit I ho fa per tu perquè ets aquí

Segur que sí

Sempre porto un tros d'ahir

I un altre cop m'escapo

I un altre cop m'escapo

Sempre porto un tros d'ahir

I un altre cop m'escapo

I un altre cop m'escapo

Van Der Graaf Generator - Refugees

"Refugees" abrió la cara más melancólica de Van Der Graaf Generator. Aparece en el álbum "The Least We Can Do Is Wave to Each Other" (1970), el segundo de la banda y el primero en el que suenan con personalidad propia. La compuso Peter Hammill, y la flauta de David Jackson le da un aire frágil que contrasta con la fama de oscuros y densos que tenían.

Curiosidades:

- Mike y Susie, los que salen en la letra, son Mike McLean y la actriz Susan Penhaligon. Hammill compartió piso con ellos seis meses y, cuando llegó el momento de separarse, escribió la canción.

- Se convirtió en una de las canciones más emblemáticas del grupo. La han tocado en directo mil veces, tanto ellos como Hammill en solitario.

- Robert Fripp llegó a comparar a Hammill con Hendrix, pero cantando. Y a los punks británicos, que odiaban casi todo el rock progresivo, esta banda les caía bien.

Significado de la letra: empieza recorriendo los puntos cardinales como etapas de una vida: el norte frío, el sur seco, el este luminoso. Acaba en el oeste, que es el lugar del reencuentro con los amigos, el hogar y el final del camino. Hammill empezó hablando de la nostalgia de una mudanza y terminó hablando de algo más grande. Lo resumió él mismo: todos somos refugiados y no hay más hogar que la esperanza.

Videoclip (promo de 1970, versión single): 

Versión: ese mismo año salió una versión single, más corta (5:24) y con cuerdas y clavicémbalo en la segunda mitad. Suena más solemne que la del álbum, aunque hay quien la encuentra algo sobrecargada. Aquí el audio: 

Letra: 

North was somewhere years ago and cold:

Ice locked the people's hearts and made them old.

South was birth to pleasant lands, but dry:

I walked the waters' depths and played my mind.

East was dawn, coming alive in the golden sun:

The winds came, gently, several heads became one

In the summertime, though August people sneered;

We were at peace, and we cheered.

We walked alone, sometimes hand in hand,

Between the thin lines marking sea and sand;

Smiling very peacefully,

We began to notice that we could be free,

And we moved together to the West.

West is where all days will someday end;

Where the colours turn from grey to gold,

And you can be with the friends.

And light flakes the golden clouds above all;

West is Mike and Susie,

West is where I love.

There we shall spend our final days of our lives;

Tell the same old stories: yeah well,

At least we tried.

Into the West, smiles on our faces, we'll go;

Oh, yes, and our apologies to those

Who'll never really know the way.

We're refugees, walking away from the life

That we've known and loved;

Nothing to do or say, nowhere to stay;

Now we are alone.

We're refugees, carrying all we own

In brown bags, tied up with string;

Nothing to think, it doesn't mean a thing,

But we'll be happy on our own.

West is Mike and Susie;

West is where I love,

West is refugees' home.

Niña de Antequera - Con los bracitos en cruz

Hoy toca copla de las que encogen el corazón. "Con los bracitos en cruz" es una nana-bolero compuesta por Manuel Naranjo, José Alfonso Sánchez y Andrés Molina Moles. La versión que más suena de la Niña de Antequera figura fechada en 1964.

María Barrús Martínez, que es el nombre real de la Niña de Antequera, nació en 1921. Aunque tomó el apodo de Antequera, se crió en Jaén y empezó a cantar con doce años. Fue cancionista y cantaora, y llegó a recibir en Madrid la Banda del Estrellato. Murió en 1972 en un accidente de tráfico en Sevilla.

La letra la canta una madre soltera a su bebé mientras duerme. Le promete cariño y le pide que la quiera aunque la gente murmure. Asume la culpa de que el niño no tenga el apellido del padre y jura que irá a buscarlo, "con los bracitos en cruz", como quien suplica. El tema retrata el estigma social de las madres solteras de la época y la condena que pesaba sobre ellas.

Versiones: la canción ha tenido una segunda vida gracias a Antonio Cortés, que la grabó en su disco "Lo que a mí me está pasando" (2010), el que salió tras su paso por "Se Llama Copla" y que llegó a disco de oro. Según un blog especializado en copla, en su interpretación aparece también una nana popular rumana. También la ha cantado Antoñita Peñuela.

Enlace (Niña de Antequera): 

Versión de Antonio Cortés: 

Letra: 

Cubierto en blancos pañales

Mi niño duerme en su cuna

Mientras besan los cristales

Los rayitos de la luna

A la nanita mi niño

No llores ni tengas pena

Yo te daré mi cariño

Porque soy una mare buena

Si tienes un apellío

La culpa es mía na má

Porque perdí mi sentío

Una pura madrugá

Déjame que ponga un beso en tu frente

Quiéreme aunque murmure la gente

Yo te he llevao en mis entrañas

Te di sangre de mis venas

Dime tú a mí, rey de España

Si no es grande mi condena

Con los bracitos en cruz

Iré a buscar a tu padre

Lo juro por mi salud

Pa que siempre sepas tú

Lo buena que es una mare.

El Pony Pisador - Dolores

"Dolores" es el tema que abre el disco "Matricular una galera" (2019), el segundo álbum de El Pony Pisador, un grupo de folk de Barcelona que mezcla música celta, shanties marineras y mucho humor. Es una pieza instrumental de más de seis minutos que enlaza tres jigs tradicionales irlandeses: "Calliope House", "When The Cock Crows It Is Day" y "Up Leitrim".

El título es un homenaje a Dolores, la madre de Ramon, uno de los miembros del grupo. Les dejó ensayar en su casa durante tres años y fue muy amable con ellos, y la banda hace extensivo el agradecimiento a las familias de todos, que también los aguantaron ensayando. Con el tema quisieron mostrar su amor por la música celta y contar musicalmente la historia del grupo: empiezan Adrià y Ramon, enseguida se suma Guillem con el banjo y los tres tocan juntos la melodía del primer jig. El videoclip lo grabó y montó Adrià González, "Pintamones".

Curiosidades del grupo: el nombre sale de la posada "El Pony Pisador" (The Prancing Pony), en el pueblo de Bree de "El Señor de los Anillos". La idea de montar la banda se les ocurrió a Ramon y Adrià en el bachillerato, y al principio imaginaban tocar "música para fiestas de hobbits". Cantan sobre todo en inglés y catalán, y nunca han ido al mar de verdad.

Otra anécdota: en 2025 el grupo denunció en redes que una banda británica, The Old Time Sailors, había publicado un tema llamado también "Dolores" que sonaba, según ellos, nota por nota igual que el suyo. Decían que solo habían cambiado un poco el tempo y añadido instrumentos, sin acreditarles. Además de este tema, denunciaban parecidos con otros del repertorio y con su forma de actuar en directo.

Bad Omens - Like a Villain

"Like a Villain" es el sexto tema de "The Death of Peace of Mind" (2022), el tercer álbum de Bad Omens, publicado por Sumerian Records. Se estrenó como sencillo el 19 de enero de 2022, más de un mes antes del disco. El videoclip llegó el 2 de febrero.

Es una canción de contrastes: estrofas de voz limpia y atmosférica, un bajo con mucho groove, un estribillo muy emo y un final con un breakdown distorsionado. Es una buena muestra de cómo mezclan metalcore, rock alternativo y electrónica.

Curiosidades sobre el grupo:

- Se formaron en 2015 en Richmond (Virginia), aunque hoy se les asocia con Los Ángeles.

- El nombre "Bad Omens" iba a ser el título de una de sus primeras canciones, que acabó llamándose "Glass Houses".

- Con este álbum, su vocalista Noah Sebastian dijo que se sintió libre como artista, porque escribió sin pensar en lo que se esperaba de ellos.

Significado de la letra: habla de alguien al que otra persona le ha colgado la etiqueta de "malo" para tener dónde descargar su dolor y empezar de cero. El narrador se niega a aceptar ese papel con la idea de "no necesité ser el villano, el papel me necesitó a mí". Es una canción sobre relaciones tóxicas y sobre cómo la culpa se reparte de forma injusta.

Hay una versión en directo de 2024 que también vale la pena escuchar, para ver cómo suena con más crudeza.

Letra: 

Look into my face, then look again

We are not the same, we're different

To tell your tales and fables, you couldn't wait

You need a new clean slate without the dents

A place to put your pain, your consequence

When you look into the mirror, are you even there?

I don't wanna know all your secrets 'cause I'll tell

It's hard enough being alone with myself

I don't know how long I'll be holding on

I know you tried your hardest, I know that you meant well

But you pushed me to the edge and I slipped, and then I fell

I don't know how long I'll be holding on

So write a brand-new page, then write again

I know your act is staged yet you pretend

All while you're turning tables with missing legs

I think you've overstayed your welcome in

So go the fuck away, don't come again

I'll see your face in the fire and burn it out

I don't wanna know all your secrets 'cause I'll tell

It's hard enough being alone with myself

I don't know how long I'll be holding on

I know you tried your hardest, I know that you meant well

But you pushed me to the edge and I slipped, and then I fell

I don't know how long I'll be holding on

Like a villain, I couldn't be

I didn't need it, it needed me

Like a villain, I couldn't be

I didn't need it, it needed me

I didn't need it, it needed me

I don't wanna know all your secrets 'cause I'll tell

It's hard enough being alone with myself

I don't know how long I'll be holding on

I know you tried your hardest, I know that you meant well

But you pushed me to the edge and I slipped, and then I fell

I don't know how long I'll be holding on

I didn't need it, it needed me

Milo J - Cuando el agua hirviendo

"Cuando el agua hirviendo" es el segundo tema de "La vida era más corta", el tercer álbum en solitario de Milo J, publicado el 25 de septiembre de 2025 por Sony Music Latin. El disco tiene 15 canciones y lo produjo el propio Milo junto a Tatool y Santiago Alvarado. Mezcla trap con folclore argentino, tango y electrónica, y cuenta con invitados como Mercedes Sosa, Silvio Rodríguez, Trueno, Soledad Pastorutti y Cuti y Roberto Carabajal.

Curiosidades:

Milo J se llama en realidad Camilo Joaquín Villarruel, es de Morón y tenía solo 18 años cuando sacó este disco. Lo cumplió siendo ya uno de los nombres más grandes del trap argentino, y poco después se convirtió en el artista más joven en llenar el estadio de Vélez.

La canción no es un trap al uso. Tiene una base rítmica alegre y unos coros de estilo murguero que, según la crítica, recuerdan a Agarrate Catalina, la murga uruguaya que aparece en los créditos del álbum.

Dura 2:56 y no tiene videoclip como tal. El álbum se acompañó de visualizers grabados en un único plano secuencia, y este es uno de ellos.

De qué va:

Es una canción sobre el arrepentimiento y la soledad. Habla de ese momento en que ya no te duele lo que antes quemaba, en que miras atrás y ves lo tonto que fuiste y lo equivocado que sigues estando. Hay una persona que fue feliz sin darse cuenta de que nada dura para siempre, y que ahora vive con miedo a volver a amar. En la segunda parte Milo da el giro y habla en primera persona, admitiendo que siente el malestar de querer ser alguien que ya no está. Ahí encuentra el "porqué" de su soledad.

Letra: 

Cuando el agua hirviendo no queme más

Y seas esclavo de tu historial

Cuando te sinceres con esas lágrimas mal tiradas

Cuando suene raro escuchar un sí

Y pidas al tiempo volver atrás

Cuando veas las páginas no leídas que están pasadas

Cuando veas lo tonto que fuiste ayer

Y lo equivocado que aún estás

Fuiste tan feliz que no comprendiste que no es por siempre

Solo estás y solo aprendiste a estar

Por vivir con miedo a volver a amar

Ojalá te quieran como quisiste

Tres golpes, tres golpes, tres golpes no más

Y al son de la Villa Nueva, tres golpes no más

Tres golpes, tres golpes, tres golpes no más

Y al son de la Villa Nueva, tres golpes no más

Ahora estoy sintiendo ese malestar

De querer ser alguien que ya no está

Justo ahí es el cuándo de mi porqué

Y ese es el porqué de mi soledad

Dando pasos cortos hacia el altar

Pero pasos largos a progresar

En el juego sucio de ser feliz sin sufrir el doble

Solo estás y solo aprendiste a estar

Por vivir con miedo a volver a amar

Ojalá te quieran como quisiste

Qué mal se debe estar vivo pa que el fin no nos asuste

No encuentro un puto velero en el camino de las luces

Sigo enojado conmigo, estoy malauguriando con el cuerpo de otra gente

Por los rincones oscuros del camino de las luces

Tres golpes, tres golpes, tres golpes no más (ayudame con esto)

Y al son de la Villa Nueva, tres golpes no más (no me des más consejos)

Tres golpes, tres golpes, tres golpes no más (miro el peso del tiempo)

Y al son de la Villa Nueva, tres golpes no más

Cuando el agua hirviendo no queme más

Y seas esclavo de tu historial

Cuando te sinceres con esas lágrimas mal tiradas

Solo estás y solo aprendiste a estar

Por vivir con miedo a volver a amar

Ojalá te quieran

Izal - Pausa

"Pausa" es el segundo adelanto de "Autoterapia", el cuarto álbum de Izal, que salió el 9 de marzo de 2018. Fue el último tema que compusieron para el disco y la apuesta es el "menos es más": muy pocos elementos y un ritmo lento. De hecho, se considera probablemente la canción más lenta de su discografía.

Curiosidades:

- El videoclip se estrenó el 23 de febrero de 2018 y lo protagoniza la patinadora olímpica Sonia Lafuente, que hace una exhibición de patinaje artístico en un único plano secuencia, sin cortes.

- Lo dirigieron Ángela y Manu Notario, de AfterliVe.

- Entró en tendencias de YouTube el día de su estreno y superó las 200.000 reproducciones en pocos días.

- El grupo, madrileño y con Mikel Izal al frente, hoy ya es historia, y "Pausa" sigue siendo una de sus canciones más recordadas.

Significado de la letra: habla de las ganas de detener el tiempo, de tomarse un respiro del ruido y de la prisa, y de quedarse en un momento concreto con alguien. Es una canción de calma y de emoción contenida, abierta a que cada oyente la lleve a su terreno.

Videoclip: 

Hay una versión que merece la pena, la grabada en los "Estudios Reno" de Madrid. Es más íntima y desnuda, y funciona muy bien con la canción: 

Letra: 

Yo solo pido pausa y tú me das ojos de huracán

Yo solo pido calma y tú haces espuma el agua del mar

Solo pido silencio y gritas que no digo la verdad

¿Tú qué sabrás?

Si despiertas lejos de esta casa

¿Tú qué sabrás?

Si no vives dentro de esta jaula

Yo solo quiero pausa (tú, rebobinar)

Yo solo busco un ritmo lento, tú velocidad

Yo solo pido una dulce mentira, tú toda la verdad

¿Tú qué sabrás?

Si despiertas lejos de esta casa

¿Y tú qué sabrás?

Si no vives dentro de esta jaula

¿Tú qué sabrás?

Si nunca nadaste en mis entrañas

¿Tú qué sabrás?

Si no vives dentro de esta jaula

Falling In Reverse - The Drug in Me Is Reimagined

Versión reimaginada de "The Drug in Me Is You", el tema que da nombre al álbum debut de Falling In Reverse, publicado en 2011 por Epitaph Records. Se lanzó el 13 de febrero de 2020 para celebrar que el disco alcanzó el disco de oro en Estados Unidos. Aquí Ronnie Radke cambia el post-hardcore por un piano y cuerdas, y la canción va creciendo hasta un final explosivo.

Ronnie dijo que no la hizo para ganar fans nuevos, sino para los de siempre. Quería desnudar la música para que se notara lo crudas que son las letras. Y funciona: sin las guitarras, la voz queda totalmente expuesta.

Una curiosidad: Falling In Reverse nació tras la salida de Ronnie de Escape the Fate y después de pasar por la cárcel, algo que marcó la etapa de este primer disco. Repitió la jugada en 2021 con "I'm Not a Vampire (Revamped)", otra revisión de un tema del mismo álbum, con un videoclip de estética gótica.

Significado de la letra: habla de una relación tóxica y de la adicción. La otra persona funciona como una droga: te hace daño, lo sabes y aun así no puedes dejarla. En esta versión suena más a confesión y menos a rabia.

Letra: 

I heard a knock upon my door the other day

I opened it to find death staring in my face

The feel of mortal stalking still reverberates

Everywhere I go, I drag this coffin just in case

My body's trembling, sends shivers down my spine

Adrenaline kicks in, shifts into overdrive

Your secrets keep you sick, your lies keep you alive

Snake eyes every single time you roll with crooked dice

I felt the darkness as it tried to pull me down

The kind of dark that haunts a hundred-year-old house

I wrestle with my thoughts, I shook the hand of doubt

Running from my past, I'm praying, "Feet, don't fail me now"

I've lost my goddamn mind, it happens all the time

I can't believe I'm actually meant to be here

Trying to consume, the drug in me is you

And I'm so high on misery, can't you see?

I've got these questions always running through my head

So many things that I would like to understand

If we are born to die and we all die to live

Then what's the point of living life if it just contradicts?

I felt the darkness as it tried to pull me down

The kind of dark that haunts a hundred-year-old house

I wrestle with my thoughts, I shook the hand of doubt

Running from my past, I'm praying, "Feet, don't fail me now"

I've lost my goddamn mind, it happens all the time

I can't believe I'm actually meant to be here

Trying to consume, the drug in me is you

And I'm so high on misery, can't you see?

I've lost myself

You tried to reach me, but you just can't help me

So long, goodbye

You tried to save me, it won't work this time 'cause now

I've lost my fucking mind, and there's no fucking time

I can't believe I'm actually meant to be here

Trying to consume, the drug in me is you

And I'm so high on misery, can't you see?

Can't you see?

Can't you see?

Can't you, can't you, can't you see?

Can't you see?

Guitarricadelafuente - La nieve

"La nieve" es la canción original de la película "La bola negra", de Javier Calvo y Javier Ambrossi (Los Javis), y Guitarricadelafuente la publicó el 18 de septiembre de 2026. La producción es de Raül Refree, con piano, violín y trompeta. La trompeta es el instrumento del personaje que interpreta el propio Álvaro Lafuente en su debut como actor, Sebastián.

Curiosidades:

- La película parte de una novela inacabada de Federico García Lorca, de la que solo escribió cuatro páginas antes de ser asesinado en 1936. Fue elegida para representar a España en los Óscar, y la canción se ha presentado a Mejor Canción Original.

- Suena en una de las secuencias más emotivas del final, ambientada bajo la nieve.

- Guitarrica contó que tuvo que habitar primero el universo de Sebastián como actor para encontrar la canción.

- Su nombre artístico une "guitarrica", el diminutivo aragonés de guitarra, con su apellido, Lafuente. Empezó a tocar a los 14 años de forma autodidacta y se dio a conocer con vídeos caseros. Su primer disco fue "La cantera" (2022), al que siguió "Spanish Leather".

- El 2 de octubre cerró la gira de "Spanish Leather" en el Movistar Arena de Madrid.

Significado de la letra:

Se inspira en una de las últimas cartas de Lorca a Juan Ramírez de Lucas y en todo lo que el poeta y el personaje nunca llegaron a decir. Habla del deseo guardado, de la memoria y de palabras que ardieron sin llegar a pronunciarse. La nieve aparece como el lugar al que se llega al final, entre el fuego y el frío.

Letra: 

Guardo el deseo en un camafeo

Reliquia, imperio andaluz

Espero el instante de esta tierra gigante

De hacerte un destello de luz

No pestañeo

Mira qué tontería

Arden las turbias palabras que nunca prendí

Y tú

Llegó el primero, donde arden mil fuegos

De carne y lucero, es mi cruz

Mira de frente, como hacía a los veinte

¿Y quién no le teme al Sol?

Llego a la nieve

Mira qué tontería

Arden las turbias palabras que nunca prendí

Y tú

Arnau Gari - Last Words

Hoy toca descubrir a un compositor joven y de casa: Arnau Gari, nacido en Barcelona en 2003. "Last Words" es, según él mismo cuenta, su pieza más popular hasta ahora, con más de 50.000 reproducciones en Spotify.

La pieza es instrumental y la interpreta una orquesta sinfónica en directo en Bratislava. Refleja la despedida y el último aliento antes de la muerte de un ser querido. Es música para escuchar con calma y sin prisa, de las que se entienden sin necesidad de palabras.

Curiosidades sobre Arnau: de pequeño le atraía el baile y no descubrió el piano hasta los 13 años. Se enganchó tanto que ya no imaginó su futuro sin música. Primero aprendió por su cuenta y después con profesores. Estudió un máster en la ESMUC, y gracias a él la orquesta de Bratislava pudo grabar composiciones suyas para su Trabajo de Fin de Máster. Él lo describe como un sueño hecho realidad. Sus referentes son bandas sonoras como "Interstellar" y "Oppenheimer", y compositores como Hans Zimmer y Fernando Velázquez. Además ha compuesto música para cortometrajes, un anuncio de Peugeot y un episodio de "Una Mà de Contes", el programa infantil de TV3. Su último single, "First Love", es otra pieza emocional, esta vez para cuarteto de cuerda y piano.

Agent Fresco - See Hell

Agent Fresco son una banda islandesa de math rock formada en Reikiavik, liderada por la voz de Arnór Dan Arnarson. "See Hell" es el segundo single de su disco "Destrier" (2015), un álbum que la banda define en torno al concepto del destrier, el caballo de guerra medieval, como metáfora de una bestia criada para el combate.

La canción nace de una experiencia muy personal de Arnór Dan: la agresión física violenta que sufrió unos años antes de escribir el disco. El cantante explicó que quiso mantenerse cerca de esa rabia y esa angustia mientras componía, alimentándose de esas emociones en bruto durante todo el proceso, hasta el punto de reconocer después que casi cayó en una especie de síndrome de Estocolmo con su propia ira, algo que quisieron plasmar en el videoclip.

El video está dirigido por Freyr Árnason y Gísli Þór Brynjólfsson, y en él aparece el actor Arnar Dan Kristjánsson, a quien Arnór Dan describe como su doble emocional perfecto, entre otras cosas porque sus nombres son casi idénticos.

En cuanto a la letra, "See Hell" habla sobre la violencia, la venganza y sus consecuencias. El narrador describe manos manchadas, atadas, cargadas de rabia contenida, mientras revive una y otra vez escenas de furia que piden "ver el infierno". La canción plantea la tentación de la venganza como una guerra de la que nadie vuelve igual: alimentar ese fuego solo perpetúa el dolor, y el propio protagonista duda entre condenar o coronar ese impulso destructivo que sigue latente en sus manos.

Letra:

I woke up with charcoal hands

Clouds of grime crimes crown their hatred

Fingers bound by iron bands

In palms they stay clenched through the night

Wounds are green, neglected while I

Visit never-ending scenes, where the frenzy speaks

Words of just repeated till bloodlust floods us

We open up to see hell

Keep my teeth so deep into the lips where fury cries;

"I want to see hell"

Pour your oil into their lungs

Let it boil black, blistered tongues

We both know nobody returns home from war

We open up to see hell

Keep my teeth so deep into the lips where fury cries;

"I want to see hell"

I know my hands still reach for hell

Should I feed them the fire?

I know my hands still reach for hell

To condemn or to crown

Drops of bleach, discolor their eyes

Leave them never-ending seas of uncertainty

Still we know nobody returns home from war

To condemn or to crown

When will metronome count alone?

We open up to see hell

Keep my teeth so deep into the lips where fury cries;

"I want to see hell"

I know my hands still reach for hell

Should I feed them the fire?

I know my hands still reach for hell

Should I feed them the fire?

I know my hands still reach for hell

Should I feed them the fire?

I know my hands still reach for hell

See hell

I know my hands still reach for hell

Should I feed them the fire

I know my hands still reach for hell

We'll leave you for now

We'll leave you for now

We'll leave you for now

We'll leave you for now

Agnes Obel - Blood so Red

"Blood so Red" forma parte de "The Meaning of Flowers", el quinto álbum de Agnes Obel, publicado el 18 de septiembre de 2026. Es su primer disco en seis años, desde "Myopia" (2020).

La cantante danesa afincada en Berlín lo escribió, grabó, arregló y produjo ella misma en su estudio. Toca el piano, los teclados y los sintetizadores, y canta (con algunas voces con el tono modificado). El disco está dedicado a su hija, nacida durante estos años de silencio, y el embarazo y la maternidad son el hilo que lo une todo.

Curiosidades:

- La canción nació cuando Agnes jugaba con ritmos, piano y voz, y después la inspiró la lectura de los himnos de Enheduanna a Inanna. Enheduanna fue una sacerdotisa sumeria de hace unos 4.300 años, considerada la primera autora conocida por su nombre. Inanna es la diosa del parto, el amor, el sexo, el canto y la guerra.

- Para el álbum también se inspiró en el concepto de natalidad de Hannah Arendt.

- Musicalmente, el ritmo del piano y la percusión, casi como un tictac, contrasta con la voz hipnótica y las cuerdas, que fluyen sin cortes.

Significado de la letra: la canción habla de la experiencia primitiva del parto. Obel dice que los textos de Enheduanna se colaron en la canción y reforzaron sus propias revelaciones sobre el parto y las leyes del cuerpo, esas vivencias que están fuera del lenguaje y que nos conectan a través del tiempo y del espacio. La sangre del título es la del cuerpo que da vida.

Letra:

Blood so red on the ground

Just so red on the ground

The day the roofless son comes by

And leaves with your life

Keep yours with you

I see Inanna

Oh Inanna lays all to waste

Oh Inanna lays all to waste

Ten months away

Just so red, cut me out

Just so red, she calls me out

He was just so brave

Just to hold her head

Two souls, one chain

Uh what, what if we never make it?

Oh Inanna lays all to waste

Oh Inanna, lay all to waste!

Send her in now, send them in now

Tangerine clouds settling down

Send her in now, send them in now

Tangerine clouds settling down

Send her in now, send them in now

Tangerine clouds settling down

Send her in now, send them in now

Tangerine clouds settling down