Hoy toca makina del bueno. "Danita" es obra del dúo Sami & Q-byk (DJ Sami y DJ Qbyk), con Ruboy detrás, y sale por el sello Ruboy Records.
Curiosidades: el tema apareció primero en vinilo de 12 pulgadas dentro del EP "Msk Makina – Friends EP Vol. 1", publicado por Makina Station a finales de 2021. En 2022 salió como single en Ruboy Records, y en noviembre de 2023 llegó a las plataformas la versión "Short Edit", que es la que dejo hoy: dura poco más de tres minutos y lleva el título ampliado a "Danita 7/17".
Ruboy es Rubén Moreno, un productor que lleva sacando makina desde 1997 y que ha firmado trabajos con un montón de seudónimos y colaboradores. Sami & Q-byk ya habían pasado antes por su sello con "Mistake 101" (2021), otro tema que merece una escucha.
Significado de la letra: no tiene, es un tema instrumental. Aquí manda el bombo, el ritmo y la melodía.
Sofia Isella es una cantautora estadounidense nacida en Los Ángeles en 2005. Empezó tocando el violín de niña y escribió su primera letra a los ocho años. Su estilo mezcla dark pop, art pop e industrial, y es muy teatral en directo: suele actuar con ropa holgada y cubierta de barro.
"Everybody Supports Women" se publicó como single el 1 de septiembre de 2023. El estribillo ya circulaba por TikTok semanas antes del lanzamiento, y una crítica de la época cuenta que mucha gente se lo sabía de memoria antes de que saliera. Ese tirón la llevó a abrir conciertos de Melanie Martinez, Tom Odell y, en 2024, de Taylor Swift en el estadio de Wembley dentro del Eras Tour. La propia Sofia ha comentado que cree que esta canción pudo llamar la atención de Swift. En 2026 ha publicado su primer álbum, "Something Is a Shell".
El videoclip es tan inquietante como la canción. Alterna escenas de Sofia en un avión destrozado rodeado de maniquíes desmembrados con otras en blanco y negro en un almacén.
El significado: la letra es una sátira oscura sobre la hipocresía con la que se trata a las mujeres. Todo el mundo apoya a las mujeres y quiere que te quieras a ti misma, hasta que una de ellas triunfa o de verdad se quiere. Entonces empiezan la envidia, el cotilleo y las ganas de verla caer. La canción también retrata la misoginía interiorizada, con ese "yo no soy como las demás chicas" que usan unas mujeres para separarse de otras. Y señala cómo la cultura de las redes sociales las enfrenta entre sí, porque ver a otra mujer triunfar nos hace sentir peor con nuestra propia vida.
Letra:
Everybody supports women until a woman's doing better than you
Everybody wants you to love yourself until you actually do
It was something about her hair, so perfectly fallen
She was nice, and smart, and funny, and got everything she wanted
And she does charity, isn't that the most obnoxious thing you've heard?
Her popularity, she's too pretty for her own good
She's probably self-centered, we hate her and she's nothing
If everybody leaves her, then she had it coming
Is there anything you'd like to put on the record
You know, while everyone is listening?
I would like it to be known that I'm not like her
I'm mocking her 'cause I'm not like her
I'm not like those girls who are not like those girls
I love doing makeup, I don't mock women like her, I'm not like her
As soon as she hits it, I'm kicking her out
She's had enough of the love, and I'm bringing her down
Everyone together on the count of three
One, two, you're mundane, we agree
Your ambition is swallowable if you tell the story right
Say that you hate yourself and self criticize
But if we smell desperation on your neck and face
We'll drag you across your own public stage
We burn her name in the back
Anything with her name attached
Her newspaper's in the trash
I just keep thinking man
What a waste
What a shame
I was starting to like her, but now she got great
We'd never hate her to her face
But I hope she knows
She knows, she knows, she knows
Hmm
I don't like your tone
I don't like how much you've grown
It's so boring to not be yanking muscle off of a woman's bone
Everybody hates the-, everyone hates the unrelatable
And I love to place two of 'em in the arena of the public's eye
And try and get 'em to fight about something dumb and we pick sides
'Cause staring at her too long made our life look like muted pastels
We'll love you if you just make us feel better about ourselves
And what a waste
What a shame
I was starting to like her, but now she got great
We'd never hate her to her face
But I hope she knows
She knows, she knows, she knows
And what a pain
I watch us spit her name while she's turned the other side
We never told it to her face
But I think she knows
She knows, she knows, she knows
Everybody supports women until a woman's doing better than you
Everybody wants you to love yourself until you actually do
It was something about her hair, so perfectly fallen
She was nice, and smart, and funny, and got everything she wanted
And she does charity, isn't that the most obnoxious thing you've heard?
Her popularity, she's too pretty for her own good
She's probably self-centered, we hate her and she's nothing
If everybody leaves her, then she had it coming
Everybody supports women until a woman's doing better than you
Everybody wants you to love yourself until you actually do
Mishima es una banda de Barcelona liderada por David Carabén. Su nombre es un homenaje al escritor japonés Yukio Mishima. Empezaron cantando en inglés y dieron el salto al catalán en 2005, con "Trucar a casa. Recollir les fotos. Pagar la multa".
"Tornaràs a tremolar" abre la segunda mitad del disco "Ordre i aventura" (2010), grabado con Paco Loco, igual que "Set tota la vida". Es cortísima: dura menos de dos minutos y aun así se ha convertido en uno de sus temas más queridos. Años después, en la gira de "L'amor feliç", abrieron el concierto de presentación en el Auditori de Girona con ella y entusiasmó a un millar de personas.
En directo casi siempre la enlazan con "La forma d'un sentit", y esa unión ya es un clásico de sus conciertos. Aquí tienes la versión en directo de "Ara i aquí" (2019):
La letra habla de salir del bloqueo emocional. Las sonrisas forzadas y los sollozos fingidos no sirven de nada, son palabras al viento. La canción promete que volverás a sentir, a llorar, a ver y a vivir, y que volverás a temblar. Es decir, que algún día volverás a estar vivo de verdad.
Letra:
Si no hi ha res etern, ni els calés ni la feina,
ni els amics ni els amants,
els somnis somiats, els moments viscuts,
són com fulles al vent,
se les emporta enllà i capriciós les fa tornar, tornaràs a sofrir, tornaràs a plorar, tornaràs a sentir, tornaràs a somriure, tornaràs a somiar,
i la lletra de l'himne, sobreviurà a la cançó,
els petons robats, els tresors perduts,
els oblidats, són com fulles que el vent s'emporta enllà i capriciós les fa tornar,
tornaràs a mentir, tornaràs a pregar, t
ornaràs a creure, tornaràs a fer-ho veure, tornaràs a volar.
Si no hi ha res etern, la ressaca de dia i la botella de nit,
els somriures forçats, els sanglots fingits, són com paraules al vent,
malentesos passats que arreglaràs qui sap quan,
tornaràs a sentir, tornaràs a plorar, tornaràs a veure,
Abre "Far and Wide", el decimosexto álbum de estudio de The Pineapple Thief, publicado el 9 de octubre de 2026 con su nuevo sello, InsideOut Music. Se estrenó como single en agosto, junto al anuncio del disco, con un videoclip dirigido por George Laycock, colaborador habitual de la banda.
La banda la formó en 1999 Bruce Soord en Yeovil, Somerset. Hoy son cuatro: Soord (voz y guitarras), Jon Sykes (bajo), Steve Kitch (teclados) y Gavin Harrison (batería). Harrison, que también ha tocado en King Crimson y Porcupine Tree, entró en 2017, y este disco celebra una década de su llegada.
Con este álbum quisieron sonar más como una banda de rock y trasladar al estudio la energía del directo. Soord cuenta que se dieron cuenta de que no hacían falta más de dos guitarras a la vez, y eso se nota: la canción suena directa y contundente, con un groove marcado, sin perder la atmósfera de siempre.
La letra habla de la inquietud ante el estado del mundo. Soord avisa de que se está desmontando ante nuestros ojos todo lo que dábamos por sentado. Su voz suave contrasta con el ritmo agresivo de fondo, y eso aumenta la sensación de agitación. Encaja con el tono de su disco anterior, "It Leads To This" (2024), donde ya le preocupaba el mundo que heredarán las nuevas generaciones.
Letra:
Confined to the dark
They're coming in to daylight
They're coming after everything we've ever known to be
"Blue Jean" fue el single que Bowie lanzó en 1984 para adelantar su álbum "Tonight", el sucesor del exitoso "Let's Dance". Es uno de los dos temas del disco escritos íntegramente por él y, para muchos, lo mejor de un álbum bastante flojo. Es un rock and roll sencillo, de aire cincuentero, ligeramente inspirado en Eddie Cochran y con un aire a "The Jean Genie". Fue un éxito en Reino Unido y Estados Unidos.
La letra cuenta cómo el narrador se queda prendado de una chica llamada Blue Jean, a la que ve como alguien fascinante y fuera de su alcance, y la persigue. Es una canción de flirteo y deseo sin mayor profundidad. El propio Bowie la describió años después, medio en broma, como "rock and roll sexista".
Curiosidades: para promocionarla se rodó "Jazzin' for Blue Jean", un cortometraje de 21 minutos dirigido por Julien Temple, en el que Bowie interpreta a dos personajes: Vic, un tipo normal que intenta impresionar a una chica, y Screaming Lord Byron, la estrella de rock engreída. Ese corto ganó el Grammy al mejor vídeo musical de formato corto en 1985, el único Grammy que Bowie recibió en vida. El videoclip "normal" es simplemente el fragmento donde Byron canta el tema, y existe una tercera versión rodada unos días después en el Wag Club de Londres.
Vídeo:
Versión que merece la pena: el cortometraje completo "Jazzin' for Blue Jean", que cuenta la historia entera y es una pequeña joya de los 80.
Letra:
Blue Jean, I just met me a girl named Blue Jean
Blue Jean, she got a camouflaged face and no money
Remember they always let you down when you need 'em
Oh, Blue Jean, is Heaven any sweeter than Blue Jean?
She got a police bike
She got a turned up nose
Sometimes I feel like (oh, the whole human race)
Jazzin' for Blue Jean (oh, and when my blue jean's blue)
Blue Jean can send me (oh, somebody send me)
Somebody send me (oh, somebody send me)
One day I'm gonna write a poem in a letter
One day I'm gonna get that faculty together
Remember that everybody has to wait in line
Oh, Blue Jean, look out world, oh, you know I've got mine
She got Latin roots
She got everything
Sometimes I feel like (oh, the whole human race)
Jazzin' for Blue Jean (oh, and when my blue jean's blue)
Blue Jean can send me (oh, somebody send me)
Somebody send me (oh, somebody send me)
Sometimes I feel like (oh, the whole human race)
Jazzin' for Blue Jean (oh, and when my blue jean's blue)
Esta sí que es una balada de las de 1988: sintetizadores, estribillo enorme y un solo de guitarra de Eddie Van Halen. "When It's Love" es del disco "OU812" y fue el segundo single, tras "Black and Blue". Salió en junio de 1988 y llegó al número 5 del Billboard Hot 100.
Fue la primera canción que se compuso para el disco. Eddie y Alex le enseñaron a Sammy Hagar una base de teclado y batería, y Sammy cuenta que se le puso la piel de gallina. Él mismo ha dicho que la desarrollaron "al estilo Genesis". Lo curioso es que el primer tema que escribieron para un disco de Van Halen no fue un rockazo, sino una balada.
Eddie dijo que el solo de guitarra es un homenaje a Eric Clapton. La canción acabó en la lista de las 25 mejores power ballads de VH1.
Otra ironía es que Sammy escribió esta letra tan romántica justo cuando su matrimonio con Betsy se estaba rompiendo, porque ella sufría problemas de ansiedad y salud mental.
El título del álbum también tiene su historia. Iba a llamarse "Bone", pero Sammy vio un camión con la matrícula "OU812" ("oh you ate one too") y les hizo gracia. De paso, sonaba a pullita a David Lee Roth, el anterior cantante.
El videoclip se grabó en un bar entre fechas de gira. La banda toca mientras una pareja baila lento, y en un momento dado Michael Anthony le planta un beso en la mejilla a Eddie.
Significado de la letra: la pregunta de siempre, cómo saber cuándo es amor de verdad. La canción distingue entre una atracción pasajera y algo más profundo, y dice que cuando lo es, simplemente lo sabes.
Letra:
Everybody's lookin' for somethin'
Somethin' to fill in the holes
We think a lot but don't talk much about it
'Til things get out of control
Oh, how do I know when it's love
I can't tell you but it lasts forever
How does it feel when it's love
It's just something you feel together
When it's love
You look at every face in a crowd
Some shine and some keep you guessin'
Waiting for someone to come into focus
Teach you your final love lesson
How do I know when it's love
I can't tell you but it lasts forever
How does it feel when it's love
It's just something you feel together
Oh oh oh oh
Oh when it's love
Oh oh oh oh
You can feel it yeah
Oh oh oh oh
Nothing's missing, yeah
Oh oh oh oh
Yeah, you can feel it
Oh oh oh oh
Oh when it's love
Oh oh oh oh
Nothing's missing
How do I know when it's love
I can't tell you but it lasts forever
Uh, how does it feel when it's love
It's just something you feel together
Hey, how do I know when it's love
I can't tell you but it lasts forever
When it's love
Uh, when it's love
Hey it lasts forever
(Na, na, na, na, na) when it's love
(Na, na, na, na, na)
(Na, na, na, na, na)
(Na, na, na, na, na) give it up
We're gonna feel this thing together (na, na, na, na, na)
Hell On Earth cierra "Senjutsu" (2021), el decimoséptimo álbum de estudio de Iron Maiden, grabado en París y publicado en plena pandemia. Con más de 11 minutos, es una de las composiciones largas de Steve Harris, que firma la canción en solitario. Empieza con un arranque suave y casi melancólico, va creciendo poco a poco y acaba en un final épico y muy heavy, marca de la casa. Es un cierre de disco que parece una despedida.
Curiosidad: Hell On Earth es la tercera pieza de más de diez minutos del disco y de las que mejor funcionan en directo. Ha estado en el repertorio de la gira "Future Past" y sonó en el último concierto de Nicko McBrain con la banda, en São Paulo en diciembre de 2024, antes de que se retirara de las giras.
Significado de la letra: habla del horror de la guerra y de sus víctimas. Menciona a niños armados, a gente que lucha en nombre de un dios y a la propaganda de las batallas. También habla de quienes sobrevivieron, de lo que han visto y de lo que han perdido. El mensaje final deja un rayo de esperanza, pero sin quitar peso a la tragedia.
Versión en directo (São Paulo, 2024, último concierto con Nicko McBrain):
Letra:
Beginning of a sunrise bores a big hole in the sky
Not to reason why that armed children are in this world
Una canción de despertar lento, de esas mañanas en las que el mundo todavía no te ha pedido nada. Gabrielle Aplin la publicó como single el 1 de septiembre de 2017 y fue el adelanto de su EP "Avalon", que salió en octubre de ese año. La escribió junto a Peter Rycroft y la producción es de Lostboy. La versión original suena a pop electrónico con aire ochentero, y el videoclip sigue esa línea, con Gabrielle paseando por la calle con ropa de los 80 en un ambiente de ensueño.
La versión de piano llegó poco después y es la que traemos hoy. Quita todo el brillo y deja la voz y las teclas, y la canción gana intimidad. Es la misma canción, pero más desnuda.
Una curiosidad: Gabrielle empezó subiendo versiones acústicas a YouTube con apenas 11 o 12 años, y de ahí pasó a firmar con Parlophone en 2012. Esta versión de piano es un poco volver a sus orígenes. Además, Popjustice la incluyó entre las mejores canciones pop de 2017.
La letra habla de una relación en la que se está bien sin prisas. Es esa sensación de despertarse junto a alguien sin necesidad de nada más, de quedarse en la cama y dejar que el día llegue despacio. Es una canción sobre la calma de querer y sentirse querida.
Versión piano:
Versión original:
Letra:
Heaven help me
My mind changes like the wind
Please excuse me
I don't know where to begin
But I didn't think I cared
I could be your friend
But I'm unprepared
Oh, I've never felt like this
I was unaware
That you were lighting flares
Now I'm running scared
Oh, how did it come to this?
You know I've never been so lonely on my own
And it shows
'Cause I don't see you like I used to
Now I'm going back on the things that I know
Oh, all my nights taste like gold
Yeah, when I'm with you it's like everything glows
And all my days, we can lay low
Yeah, when we're waking up, we're waking up slow
I could rearrange
Would you do the same?
I don't wanna change
But you're just too good to miss
'Cause I'm intertwined
And I'm running blind
But I don't mind
I'm so glad it came to this
You know I've never been so lonely on my own
And it shows
'Cause I don't see you like I used to
Now I'm going back on the things that I know
Oh, all my nights taste like gold
Yeah, when I'm with you it's like everything glows
All my days, we can lay low
Yeah, when we're waking up, we're waking up slow
It's a little bit clearer now
I love you like the sun came out, oh
We're waking up, we're waking up slow
It's like I never had a doubt
I love you like the sun came out
We're waking up, we're waking up
Like I told ya
Don't look backwards
'Cause now I see you here
Nothing else matters
Like I told ya
Don't look backwards
'Cause now I see you here
I'm going back on the things that I know
All my nights taste like gold
Yeah, when I'm with you it's like everything glows
"Lights" abre "Infinity" (1978), el primer álbum de Journey con Steve Perry como cantante. Perry entró en el grupo en octubre de 1977 para sustituir a Robert Fleischman, y el disco, producido por Roy Thomas Baker, cambió el rumbo de una banda que hasta entonces tocaba una fusión más instrumental y no acababa de vender. La firman Steve Perry y Neal Schon, y salió como single en 1978.
Tiene una anécdota muy buena: Perry la escribió casi entera en Los Ángeles y hablaba de Los Ángeles. El verso decía "el sol brilla sobre L.A." y no le convencía, así que la dejó aparcada. Cuando se mudó a San Francisco para unirse a Journey, cambió L.A. por "la bahía" y la canción encajó. Según contó, la idea le vino viendo amanecer en el Observatorio Griffith mientras las luces de la ciudad se apagaban. Schon la terminó con él en unos 20 minutos.
Al principio solo llegó al puesto 68 de la lista Billboard, pero con los años se ha vuelto uno de los temas más reconocibles de la banda, con doble platino en Estados Unidos. Es casi un himno de San Francisco y suena en los partidos de los Giants, incluso con Perry cantándola en las Series Mundiales de 2010, 2012 y 2014. Desde 2017, Schon la dedica a Perry en los conciertos.
La letra habla de añorar tu ciudad y querer volver a ella, con el amanecer sobre la bahía como imagen. Es una canción de nostalgia y de pertenencia, sin dramatismo.
Este año ha vuelto a sonar gracias a la versión de Donna Missal para la película de Netflix "Voicemails for Isabelle" (2026), que se publicó el 19 de junio de 2026 y abre su banda sonora. La película está ambientada en San Francisco y la canción aparece en una escena de concierto en directo. Es una versión más íntima y contenida que la de Journey, que cambia el brillo del rock por un tono más melancólico.
Letra:
When the lights go down in the city
And the sun shines on the bay
Ooh, I wanna be there, yeah, in my city
Oh, whoa, oh
Oh, oh, oh, whoa, oh
So you think you're lonely
Well, my friend, I'm lonely, too
I wanna get back to my city by the bay
Oh, oh, oh, whoa, oh
It's sad
Oh, there's been mornings out on the road without you
"Follow You Follow Me" se publicó el 24 de febrero de 1978 como primer single de "...And Then There Were Three...", el primer disco de Genesis tras la marcha de Steve Hackett. Ya convertidos en trío (Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford), les dio su primer gran éxito: número 7 en Reino Unido y número 23 en Estados Unidos.
Nació de un riff de guitarra de Rutherford, al que Banks añadió acordes y Collins dio forma. Banks la describe como su único tema compuesto de verdad entre los tres. El sonido de la intro es de un pedal flanger MXR, y se grabó en los estudios Relight, en Países Bajos.
Rutherford escribió la letra en unos diez minutos (aunque insiste en que "no tanto"), pensando en su mujer, Angie, a la que veía poco por las giras. Dice que le pareció que no podía ser buena, pero que ahí estaba el encanto. Además, la banda quería llegar a más público femenino, y según Rutherford lo consiguió: después de este tema, los chicos podían decirle a sus novias "esta es la canción que te gusta".
La letra es una declaración de amor sencilla: la promesa de acompañar a la persona amada y de estar siempre a su lado, pase lo que pase. Fue la primera canción de amor tan directa de la banda, que hasta entonces se movía entre historias largas y fantasías.
El videoclip es una actuación mimada de la banda grabada en los Shepperton Studios. Collins aparece con una especie de shaker mientras canta, pero también se grabó por separado tocando la batería.
Vídeo:
Merece la pena la versión en directo de Londres de 1980, con la banda ya más rodada y Collins en plena forma:
Letra:
Stay with me
My love, I hope you'll always be
Right here by my side if ever I need you
Oh, my love
In your arms
I feel so safe and so secure
And everyday is such a perfect day to spend
Alone with you
I will follow you, will you follow me?
All of the days and nights that we know will be
I will stay with you, will you stay with me?
Just one single tear in each passing year
With the dark
Oh, I see so very clearly now
All my fears are drifting by me so slowly now
Fading away
I can say
The night is long, but you are here
Close at hand, oh, I'm better for the smile you give
And while I live
I will follow you, will you follow me?
All of the days and nights that we know will be
I will stay with you, will you stay with me?
Just one single tear in each passing year there will be
Brian May compuso este tema para la película "Highlander" (1986) después de ver imágenes de la escena en que el protagonista, inmortal, ve morir de vejez a su esposa. La canción apareció ese mismo año en el álbum "A Kind of Magic" y se publicó como single, pero solo llegó al puesto 24 en las listas del Reino Unido. Con el tiempo se ha convertido en una de las baladas más queridas de la banda.
Detalles que merecen mención: la grabación cuenta con la National Philharmonic Orchestra, dirigida y arreglada por Michael Kamen junto a May. En la versión del álbum cantan tanto May como Freddie Mercury, mientras que en la película es Mercury quien canta todas las partes. El videoclip, dirigido por David Mallet, muestra a la banda con la orquesta rodeada de velas. Roger Taylor es el único que no va vestido para la ocasión, y contó que bebió bastante durante el rodaje y no recordaba sus partes. En 2025 volvió a sonar en el tráiler de la última temporada de "Stranger Things".
La letra habla de lo efímero del amor y de la vida. Se pregunta quién querría vivir para siempre si eso significa perder a quien amas, y reclama que lo único que tenemos es el tiempo que nos toca. Es una mezcla de dolor, resignación y aceptación, y escuchada con Freddie Mercury cantándola, el mensaje pesa todavía más.
Vídeo:
En 1996 la banda alemana Dune convirtió esta balada en un tema de eurodance, y fue un gran éxito de ventas. Cambia por completo el tono del original, pasando de la solemnidad orquestal a los ritmos de pista de baile, pero la melodía sigue siendo inconfundible. Si quieres comprobar hasta dónde aguanta una gran canción, aquí la tienes.
Versión de Dune:
Letra:
There's no time for us
There's no place for us
What is this thing that builds our dreams, yet slips away from us
Who wants to live forever
Who wants to live forever
Oh ooo oh
There's no chance for us
It's all decided for us
This world has only one sweet moment set aside for us
Hoy toca un tema instrumental de bajista canadiense afincado en Londres. "The Seventh Extinction" es el cuarto corte de "Borromean Odyssey" (2019), el sexto álbum en solitario de Antoine Fafard, y dura 5:28. Es un rock progresivo con mucho aire de jazz fusion, de los que tienen un groove sólido y mucha técnica.
Fafard tocó todo el bajo y las guitarras, y en la batería está Todd Sucherman (el batería de Styx) y en los teclados Gary Husband. Antoine empezó con la banda de rock progresivo Spaced Out en los 2000 y desde 2011 publica discos con su nombre, siempre rodeado de grandes baterías como Vinnie Colaiuta, Dave Weckl, Simon Phillips o Gavin Harrison. De hecho, en 2025 sacó "Circle of Eight", un vinilo recopilatorio con ocho temas que destacan a ocho baterías con los que ha grabado, y "The Seventh Extinction" es el tema de Sucherman.
Al no tener letra, el significado queda en el título. Mi lectura es que alude a una hipotética nueva extinción masiva, la que vendría después de la sexta que muchos científicos dicen que ya estamos viviendo, y la música le pone la tensión y el dramatismo.
Merece la pena ver también la versión en directo que Todd Sucherman tocó en el UK Drum Show 2025 junto a Gary Husband. Se nota todavía más lo que se le exige a la batería en este tema:
Green Lung son una banda londinense de rock oculto y doom formada en 2017, famosa por mezclar folklore británico, terror de la Hammer y riffs de la vieja escuela. "Ozymandias" es el séptimo tema de "Necropolitan", su cuarto álbum, publicado el 11 de septiembre de 2026 con Nuclear Blast. Lo grabaron en Rockfield con Tom Dalgety como productor.
El disco es una carta de amor a la Londres gótica: cementerios victorianos, el tren de los muertos y fantasmas. Dentro de ese ambiente, "Ozymandias" se sale del tiesto porque parte de un poema de verdad, el soneto de Percy Bysshe Shelley de 1818. La crítica la señala como una de las mejores del álbum. Tiene riffs a lo Iommi, un toque funky, coros a lo Iron Maiden y un órgano Hammond protagonista. Dura 5:35 y va creciendo hasta un final muy teatral.
Curiosidades:
- El poema de Shelley nació de la fama de una estatua fragmentada de Ramsés II, que llegó a Londres en 1821, años después de escribirse.
- Shelley lo escribió casi en un duelo con su amigo Horace Smith, que publicó su propio soneto sobre el mismo tema.
- Tom Templar, el vocalista, es el responsable de unas letras llenas de referencias y guiños literarios.
Significado de la letra: habla de la vanidad del poder. Un rey que se creía eterno solo deja una estatua rota en medio del desierto, con su "Look on my Works, ye Mighty, and despair!" convertido en ironía. Los imperios caen y la naturaleza se queda. Encaja con el resto del álbum, que reflexiona sobre cómo lo natural acaba sobreviviendo al dominio humano.
"Revolution, Revolutions" es el tema que da título al noveno álbum de Jean-Michel Jarre, "Revolutions", publicado en septiembre de 1988 y lanzado como primer sencillo. Fue un disco de cambio de rumbo: Jarre dejó el sonido más etéreo de "Oxygène" y "Équinoxe" por algo más rítmico, urbano y cercano al synth-pop.
La canción mezcla sintetizadores y cajas de ritmos con instrumentos de la tradición árabe. Aparece el ney, la flauta turca, a cargo de Kudsi Erguner, y en el disco también hay un canto de muecín y un conjunto de música clásica árabe. Es uno de los primeros encuentros entre la música electrónica y los sonidos del mundo árabe.
Otra curiosidad es que las "voces" no son cantantes. Son voces de ordenador creadas con vocoder por el propio Jarre y por Michel Geiss, su colaborador habitual.
El tema fue el centro de la presentación del álbum en directo, "Destination Docklands". Fueron dos conciertos, el 8 y el 9 de octubre de 1988, en los muelles de Londres, con unas 100.000 personas cada noche. El escenario era una barcaza flotante de 1.000 toneladas sobre el Támesis. El álbum está inspirado en la historia industrial de esa zona. En el Reino Unido llegó al puesto 52 de las listas.
Sobre la letra, es mínima. Las voces robóticas repiten la idea de "revolución" como un cántico. La palabra juega con los dos sentidos del término: las vueltas que da una máquina y los grandes cambios históricos. El tema funciona como un himno a la era industrial y tecnológica, y a cómo las máquinas han marcado la forma de vivir y de pensar.
"Tomorrow" es el gran número del musical "Annie" (Broadway, 1977), con música de Charles Strouse y letra de Martin Charnin. Annie la canta en un momento bajo, cuando acaba de escaparse del orfanato y le habla a un perro callejero de los días mejores que vendrán. Más tarde se repite en el número del gabinete de Roosevelt y en el final del musical. La versión original la cantó Andrea McArdle, que hacía de Annie con 13 años.
Curiosidades:
- Strouse la tenía guardada en un cajón: es una versión reciclada de una canción suya anterior llamada "Replay".
- La historia se sitúa en plena Gran Depresión. El guionista Thomas Meehan la ambientó ahí porque el ánimo de los años 70 (Vietnam, la crisis de Nueva York) era igual de sombrío.
- "Annie" estuvo en cartel 2.377 funciones y ganó siete premios Tony, entre ellos Mejor Musical.
- McArdle empezó siendo la suplente de Annie en las pruebas y acabó quedándose con el papel antes del estreno en Broadway.
Significado de la letra: es un himno al optimismo. Habla de aguantar hoy porque mañana saldrá el sol, y de afrontar los días grises y solitarios con la barbilla en alto y una sonrisa. Dentro del musical funciona como una pequeña terapia para un país hundido por la Depresión.
Versiones que merecen la pena:
La de la película de 1982, con Aileen Quinn como Annie. Es la que muchos conocen, y la de 2014, con Quvenzhané Wallis, la moderniza.
La de Sydnie Christmas, de su álbum debut "My Way" (2024). Con esta canción consiguió el Golden Buzzer de Amanda Holden en su audición de "Britain's Got Talent" 2024, un programa que acabó ganando. Su audición acumula más de 40 millones de visualizaciones en redes. Ella cuenta que "Tomorrow" fue la primera canción que cantó de verdad, subida a un banco en el patio del colegio con solo cuatro o cinco años.
"Inbetween Days" salió el 19 de julio de 1985 como primer single de "The Head on the Door", el álbum con el que The Cure se abrieron al gran público. Fue su primer tema en entrar en el Billboard Hot 100 de EE. UU. (puesto 99) y llegó al número 15 en Reino Unido.
Robert Smith la definió como lo más simple que había escrito desde "Boys Don't Cry". Todo gira en torno a una guitarra acústica rasgada a toda velocidad y unos teclados brillantes. Curiosamente, en esa época Smith seguía siendo guitarrista de Siouxsie and the Banshees y compaginaba ambas bandas.
El videoclip lo dirigió Tim Pope y se rodó el 18 de junio de 1985 en los estudios Fulham, en Londres. La banda aparece maquillada con colores fluorescentes, con calcetines dibujados flotando por detrás y cámaras giratorias, algunas sujetas al propio Smith y a Porl Thompson. Smith contó que quisieron mostrarse tal como eran, sin glamour. Es uno de sus clips más recordados.
La canción ha aparecido en varias listas de las mejores de la banda. Mojo la colocó en el puesto 2 en 2023.
Significado de la letra: bajo la melodía alegre hay una canción de pérdida. Smith la describió como una típica historia de "se va y vuelve" entre chico y chica. El narrador siente pánico ante la idea de que la otra persona se marche y no sabe cómo dejar de aferrarse a ella. También dijo que la letra gira en torno a tríos de cosas: días, personas, lugares, edades. Es la mezcla de música luminosa y letra triste tan típica de The Cure.
Versión: Ben Folds hizo una versión sustituyendo las guitarras por piano, y Superchunk también la versionaron en 2010.
Después de "The Cutter", los de Liverpool publicaron este single el 8 de julio de 1983, justo antes de "The Killing Moon". Salió suelto y no pertenecía a ningún álbum de estudio. Hasta 1985 no entró en un disco, el recopilatorio "Songs to Learn & Sing".
Es de los temas más bailables de su carrera. Mezcla las guitarras de Will Sergeant, las cuerdas y un pulso casi de pista de baile. La firman los cuatro miembros: Ian McCulloch, Will Sergeant, Les Pattinson y Pete de Freitas. Poco después de salir el single, el grupo lo tocó en Top of the Pops.
La letra habla de una relación y de la necesidad de no rendirse. Hay un tono de súplica y de orgullo a la vez: el amor que has encontrado no debe parar, y nadie debe decirte cuándo parar. Es una canción sobre la insistencia, aunque no se sepa muy bien hacia dónde se va.
Una versión que vale la pena: "Never Stop (Discotheque)", la mezcla de la edición en 12 pulgadas, más larga y más discotequera. Esa versión sonó en la película "The History Boys" (2006) y aparece en su banda sonora.
"La Gent que Estimo" es una colaboración de Oques Grasses con Rita Payés, trombonista y cantante de jazz nacida en 1999. Salió como single en 2021 y forma parte del álbum "A tope amb la vida". La firman Josep Montero, líder del grupo, y la propia Rita. En 2022 ganó el premio Enderrock a la mejor canción.
Curiosidades: la portada del disco muestra a los miembros del grupo convertidos en ancianos, un guiño a los más castigados por la pandemia. La canción también sonó en la película de Netflix "A través de mi ventana: Mirándote a ti". Y en directo era un momento de abrazos y lágrimas, hasta el punto de que hay quien recuerda la primera nota como una explosión de emoción colectiva.
Oques Grasses se formó en Osona en 2010 y fue uno de los grupos más grandes de la música catalana. En noviembre de 2025 anunciaron su disolución, y esta semana se han despedido con cuatro conciertos en el Estadi Olímpic de Barcelona. El de hoy, 10 de octubre de 2026, ha sido el último, poniendo punto final a 16 años de carrera. Una canción que habla de despedidas y de agradecer lo vivido no podía ser más oportuna para el día de hoy.
Significado de la letra: es una canción de amor y memoria. Habla de cargar con las palabras de alguien que ya no está, o que ya no es lo mismo, y de querer mucho y tener miedo a la vez. Entre las dudas y el "que todo se vaya a la mierda", acaba en una idea optimista: vivimos entre el milagro y el desastre, y seguir aquí ya es una suerte.
"Refugees" abrió la cara más melancólica de Van Der Graaf Generator. Aparece en el álbum "The Least We Can Do Is Wave to Each Other" (1970), el segundo de la banda y el primero en el que suenan con personalidad propia. La compuso Peter Hammill, y la flauta de David Jackson le da un aire frágil que contrasta con la fama de oscuros y densos que tenían.
Curiosidades:
- Mike y Susie, los que salen en la letra, son Mike McLean y la actriz Susan Penhaligon. Hammill compartió piso con ellos seis meses y, cuando llegó el momento de separarse, escribió la canción.
- Se convirtió en una de las canciones más emblemáticas del grupo. La han tocado en directo mil veces, tanto ellos como Hammill en solitario.
- Robert Fripp llegó a comparar a Hammill con Hendrix, pero cantando. Y a los punks británicos, que odiaban casi todo el rock progresivo, esta banda les caía bien.
Significado de la letra: empieza recorriendo los puntos cardinales como etapas de una vida: el norte frío, el sur seco, el este luminoso. Acaba en el oeste, que es el lugar del reencuentro con los amigos, el hogar y el final del camino. Hammill empezó hablando de la nostalgia de una mudanza y terminó hablando de algo más grande. Lo resumió él mismo: todos somos refugiados y no hay más hogar que la esperanza.
Videoclip (promo de 1970, versión single):
Versión: ese mismo año salió una versión single, más corta (5:24) y con cuerdas y clavicémbalo en la segunda mitad. Suena más solemne que la del álbum, aunque hay quien la encuentra algo sobrecargada. Aquí el audio:
Hoy toca copla de las que encogen el corazón. "Con los bracitos en cruz" es una nana-bolero compuesta por Manuel Naranjo, José Alfonso Sánchez y Andrés Molina Moles. La versión que más suena de la Niña de Antequera figura fechada en 1964.
María Barrús Martínez, que es el nombre real de la Niña de Antequera, nació en 1921. Aunque tomó el apodo de Antequera, se crió en Jaén y empezó a cantar con doce años. Fue cancionista y cantaora, y llegó a recibir en Madrid la Banda del Estrellato. Murió en 1972 en un accidente de tráfico en Sevilla.
La letra la canta una madre soltera a su bebé mientras duerme. Le promete cariño y le pide que la quiera aunque la gente murmure. Asume la culpa de que el niño no tenga el apellido del padre y jura que irá a buscarlo, "con los bracitos en cruz", como quien suplica. El tema retrata el estigma social de las madres solteras de la época y la condena que pesaba sobre ellas.
Versiones: la canción ha tenido una segunda vida gracias a Antonio Cortés, que la grabó en su disco "Lo que a mí me está pasando" (2010), el que salió tras su paso por "Se Llama Copla" y que llegó a disco de oro. Según un blog especializado en copla, en su interpretación aparece también una nana popular rumana. También la ha cantado Antoñita Peñuela.
"Dolores" es el tema que abre el disco "Matricular una galera" (2019), el segundo álbum de El Pony Pisador, un grupo de folk de Barcelona que mezcla música celta, shanties marineras y mucho humor. Es una pieza instrumental de más de seis minutos que enlaza tres jigs tradicionales irlandeses: "Calliope House", "When The Cock Crows It Is Day" y "Up Leitrim".
El título es un homenaje a Dolores, la madre de Ramon, uno de los miembros del grupo. Les dejó ensayar en su casa durante tres años y fue muy amable con ellos, y la banda hace extensivo el agradecimiento a las familias de todos, que también los aguantaron ensayando. Con el tema quisieron mostrar su amor por la música celta y contar musicalmente la historia del grupo: empiezan Adrià y Ramon, enseguida se suma Guillem con el banjo y los tres tocan juntos la melodía del primer jig. El videoclip lo grabó y montó Adrià González, "Pintamones".
Curiosidades del grupo: el nombre sale de la posada "El Pony Pisador" (The Prancing Pony), en el pueblo de Bree de "El Señor de los Anillos". La idea de montar la banda se les ocurrió a Ramon y Adrià en el bachillerato, y al principio imaginaban tocar "música para fiestas de hobbits". Cantan sobre todo en inglés y catalán, y nunca han ido al mar de verdad.
Otra anécdota: en 2025 el grupo denunció en redes que una banda británica, The Old Time Sailors, había publicado un tema llamado también "Dolores" que sonaba, según ellos, nota por nota igual que el suyo. Decían que solo habían cambiado un poco el tempo y añadido instrumentos, sin acreditarles. Además de este tema, denunciaban parecidos con otros del repertorio y con su forma de actuar en directo.
