"Fhloston Paradise" es uno de los cortes del álbum "A Mythmaker's Demise" (2026), con el que el proyecto de rock progresivo francés liderado por el teclista Vivien Lalu celebra sus veinte años de trayectoria, desde su debut con "Oniric Metal" en 2005.
El nombre de la canción hace un guiño directo a "El Quinto Elemento", la película de ciencia ficción de 1997: Fhloston Paradise es el resort espacial de lujo donde transcurre buena parte de la trama. Tomando esa imagen como punto de partida, la letra juega con la idea de un paraíso artificial, un refugio de placer y evasión al que uno querría escapar de la rutina, aunque la música contradiga ese escapismo con un tono mucho más rocoso y urgente de lo que el título sugiere. Musicalmente es de los temas más directos del disco, con un estribillo potente y una base rítmica muy marcada por el batería Simon Phillips (ex Toto), que además fue el primer músico en grabar con Lalu allá por sus inicios. Varios críticos han señalado que el cantante Martin LeMar recuerda en los agudos a Bruce Dickinson (Iron Maiden), especialmente en el estribillo.
Para esta edición aniversario, Vivien Lalu recuperó a LeMar, la voz original del proyecto, junto al guitarrista y bajista Joop Wolters, su colaborador habitual desde hace años. El título del álbum, según ha explicado la banda, es una reflexión sobre la pérdida de la imaginación humana en la era de la inteligencia artificial.
"Overture 1928 / Strange Déjà Vu" es en realidad la unión de dos temas que forman la "Scene Two" del álbum conceptual "Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory" (1999), de Dream Theater. "Overture 1928" es puramente instrumental y sirve de obertura, recuperando y adelantando temáticamente melodías de otras canciones del disco (como "Metropolis", "The Dance of Eternity" o "One Last Time"). Enlaza directamente, sin pausa, con "Strange Déjà Vu", que ya tiene letra y narra el momento en que Nicholas, el protagonista de la historia, empieza a conectar su vida presente con la de Victoria Page, una mujer asesinada en 1928 cuya historia está reviviendo a través de regresiones hipnóticas.
La versión que traigo hoy es en directo, incluida en "Quarantième: Live à Paris", el álbum grabado durante la gira del 40º aniversario de la banda. Dream Theater lleva años tocando esta pieza en vivo como uno de los momentos más celebrados de sus conciertos, tanto por su complejidad técnica como por el arco emocional de la historia de Victoria.
Como curiosidad, el coro de "Strange Déjà Vu" reaparece más adelante en el disco, en la canción "One Last Time", cerrando el círculo narrativo del álbum.
Letra:
Subconscious, strange sensation
Unconscious relaxation
What a pleasant nightmare
And I can't wait to get there again
Every time I close my eyes
There's another vivid surprise
Another whole life waiting
Chapters unfinished, fading (c'mon)
Closer now
Is slowly coming into view
I've arrived
Blinding sunshine beaming through
There's a house I'm drawn to
Familiar settings, nothing new
And there's a pathway leading there
With a haunting chill in the air
There's room at the top of the stairs
Every night I'm drawn up there
There's a girl in the mirror
Her face is getting clearer
Young child, won't you tell me why I'm here?
In her eyes
I sense a story never told
Behind the disguise
There's something tearin' at her soul
Tonight I've been searching for it
A feeling that's deep inside me
Tonight I've been searching for
The one that nobody knows
Trying to break free (sing along)
I just can't help myself
I'm feeling like I'm going out of my head
Tears my heart into two
I'm not the one the sleeper thought he knew
Back on my feet again, eyes open to the real world
Metropolis surrounds me, the mirror's shattered the girl
Why is this other life haunting me every day?
I'd break through to the other side if only I'd find the way
Villagers of Ioannina City es una banda griega de Ioánina, formada en 2007, que mezcla el rock stoner y psicodélico con la música folk tradicional de la región del Épiro, con instrumentos como el clarinete, el kaval o la gaita griega. Son uno de los nombres fuertes del post-stoner y el heavy prog con raíces helénicas.
"Venceremos" es el tema que da título a su nuevo álbum, previsto para el 18 de septiembre de 2026 vía Napalm Records. Es una canción muy directa dentro de su discografía: combina riffs pesados con gaitas y percusiones rituales, y habla de resistencia, exilio y la búsqueda de libertad frente a un futuro distópico marcado por el control y el miedo. La banda la ha definido como una promesa de que, incluso en los momentos más oscuros, la esperanza resiste.
El tema fue grabado y producido por Alex Karametis en Magnanimous X Studio (Grecia), y mezclado y masterizado por Jacob Hansen, productor habitual de bandas de metal escandinavas.
Letra:
Wait for the Sun,
hold till that day.
Our time will come around,
Light finds a way.
That day will come
and we'll dance on the green fields of freedom again.
That day will come,
keep your face to the sun.
That day will come
and we'll stand on the top of the mountains again.
Freedom will come,
it will come in the end.
I know that life seems only hopeless now,
injustice and fear spread all around.
The barest light can kill all the darkness though,
their biggest illusions will be burned to the ground.
That day will come
and we'll dance on the green fields of freedom again.
That day will come,
keep your face to the sun.
That day will come
and we'll stand on the top of the mountains again.
Freedom will come,
it will come in the end.
Now I remember again,
how it started then,
and where it will end.
Life is nothing but a game,
you lose or you play,
a choice that you make.
Don’t be afraid of the end,
what matters that day
is how you stood until then.
Tonight, sing along with your friends,
for freedom again
here’s to our dead.
(We can recall this feeling, it felt like we were dreaming)
I remember now, remember now again
That day will come
and we'll dance on the green fields of freedom again.
That day will come,
keep your face to the sun.
That day will come
and we'll stand on the top of the mountains again.
Toca un tema de la escena phonk, ese subgénero electrónico nacido del funk brasileño que arrasa en TikTok y YouTube.
Detrás de Rushex está un productor turco especializado en phonk y phonk brasileño, que estudió composición clásica en el Conservatorio Estatal de la Universidad Mimar Sinan antes de pasarse a la producción electrónica. Trabaja bajo el sello independiente Project Viral, aunque "Zakhelo" salió a través de Tribal Trap el 13 de marzo de 2026, dentro de un EP homónimo de cuatro temas.
Como suele pasar en el phonk, la canción se construye más a base de samples, bases percutivas y voces cortadas que de una letra al uso, pensada para sonar fuerte en el coche o en un mix de DJ. Del tema circulan varias versiones alternativas (Slowed, Ultra Slowed, Sped Up), muy típicas de esta escena y pensadas para playlists de ambiente.
Esta canción es la versión musical del célebre poema de Mary Elizabeth Frye, escrito en 1932, que se ha convertido en uno de los textos más leídos en funerales de todo el mundo anglosajón. La cantante escocesa Leah (Leah Frances McHenry), conocida por su estilo celta y su voz etérea, le puso música y la incluyó en su álbum Songs of Middle Earth, aunque el tema ha circulado también de forma independiente.
Una curiosidad: durante décadas se disputó la autoría del poema, ya que Frye nunca lo publicó ni lo registró en vida, y llegó a atribuirse erróneamente a autores anónimos nativos americanos. No fue hasta los años 90 que se confirmó documentalmente que la autora era esta ama de casa de Baltimore, que jamás había escrito poesía antes.
Publicada en septiembre de 1979 como avance de su álbum "Drums and Wires", esta canción supuso el gran despegue comercial de XTC, llegando al puesto 17 de las listas británicas.
Lo curioso es que, a diferencia de la mayoría de temas de la banda (normalmente escritos por Andy Partridge), este lo compuso el bajista Colin Moulding, y también es él quien canta. Partridge llegó a reconocer que le sentó mal que su banda dedicara tanto tiempo a pulir esta canción mientras las suyas quedaban de lado.
La letra habla de unos padres controladores que deciden el futuro de su hijo Nigel, incluido un trabajo asegurado en la empresa British Steel. Moulding explicó que la canción es parcialmente autobiográfica: su propio padre lo presionaba para que fuera a la universidad y se cortara el pelo, hasta el punto de intentar arrastrarlo literalmente a la barbería.
El single se publicó con una edición especial en formato de juego de mesa tipo "oca", protagonizado por Nigel y sus padres, aunque nunca llegaron a incluirse las reglas del juego.
La canción ha sido versionada por artistas como Primus, The Rembrandts y Robbie Williams.
Bill Bruford es uno de los bateristas más respetados del rock progresivo, conocido por su paso por Yes y King Crimson. A mediados de los 80 decidió virar hacia el jazz y formó Earthworks, un grupo con el que exploró la fusión y el jazz contemporáneo durante más de veinte años.
Footloose and Fancy Free es una pieza instrumental compuesta para Earthworks, publicada originalmente en el álbum A Part, and yet Apart (1999). El tema se convirtió en un habitual de sus directos, hasta el punto de dar nombre a Footloose and Fancy Free (2002), un doble disco en vivo grabado en el Pizza Express Jazz Club de Londres que recoge lo mejor del repertorio de la banda en esa época.
Una curiosidad: en 2005, la formación ampliada Earthworks Underground Orchestra (un little big band de nueve músicos liderado por el saxofonista Tim Garland) recuperó el tema para un arreglo mucho más orquestal, dentro de su serie de actuaciones "Solo Spotlight".
Vídeo (versión de estudio, A Part, and yet Apart, 1999):
Versión en directo con Earthworks Underground Orchestra (2005), interesante por el arreglo ampliado a formación de big band:
Rocco DeLuca es un músico californiano nacido en Long Beach en 1974, conocido por su voz cálida y por tocar el Dobro, esa guitarra resonadora metálica típica del blues del Delta.
Se dio a conocer como líder de Rocco DeLuca and the Burden a mediados de los 2000, banda fichada por el sello Ironworks, propiedad del actor Kiefer Sutherland y del cantante Jude Cole. Desde 2009 sigue su carrera en solitario, y ha colaborado con nombres como Daniel Lanois, Leonard Cohen o Slash, además de componer para el videojuego Red Dead Redemption 2 y para la banda sonora de Killers of the Flower Moon junto a Robbie Robertson.
Just a Little Further pertenece al disco Rocco DeLuca & His Brothers, grabado en directo en una sola noche en Los Ángeles por el ingeniero Marc Urselli, ganador de varios Grammy.
El álbum busca despojar la música de DeLuca hasta su esencia más elemental, dejando protagonismo a su voz y a su pedal steel Sho-Bud de 12 cuerdas. En este tema en concreto, que dura ocho minutos, DeLuca se estira y respira con calma, como si el título fuera también una declaración de intenciones: seguir un poco más allá.
"Geboren um zu leben" (algo así como "Nacidos para vivir") es el primer sencillo del álbum Grosse Freiheit (2010), de la banda alemana Unheilig, y se convirtió en su canción más exitosa: llegó al número 2 de las listas alemanas y vendió más de 450.000 copias, certificándose triple oro.
Detrás de la canción hay una historia muy personal. Der Graf, líder y voz de la banda, la escribió tras la muerte de un amigo muy cercano, que sufrió un infarto y un derrame cerebral del que no llegó a recuperarse; Der Graf estuvo con él en el momento de su muerte. El tema es un homenaje a esa persona y a la idea de que, aunque ya no esté, le enseñó a valorar la vida.
Unheilig, cuyo nombre significa literalmente "no sagrado" o "profano", nació en la escena gótica alemana, aunque con el paso de los años (y sobre todo con este single) su sonido se acercó mucho más al pop rock y al schlager, alejándose de sus raíces más oscuras. Precisamente por eso la canción generó cierta polémica entre los fans más antiguos, que la vieron como un giro demasiado comercial.
Vídeo oficial:
Merece la pena mencionar también la versión que grabaron en el MTV Unplugged junto a la cantante Cassandra Steen, mucho más íntima y con arreglos de piano y cuerdas:
Raphael Weinroth-Browne es un violonchelista y compositor canadiense, conocido tanto por su carrera en solitario como por ser el violonchelista en directo de Leprous desde 2016, con quien ha tocado más de 200 conciertos. También ha colaborado en más de 200 álbumes de estudio, incluido el disco de Woods of Ypres ganador de un premio Juno, y sus versiones de temas de Opeth, Katatonia o Steven Wilson se hicieron virales.
"Evocation" es el tercer single de su próximo álbum "Empyrean", que sale el 11 de septiembre. Como en el resto del disco, toda la pieza está construida a partir de capas de violonchelo grabadas en directo con loops, sin ningún otro instrumento. La canción mezcla influencias barrocas (con ecos de Bach) con una atmósfera minimalista y cinematográfica.
El origen de "Empyrean" viene de un encargo que recibió en 2024: componer una banda sonora de 80 minutos inspirada en Bach para la compañía de danza James Wilton Dance. De ese trabajo, titulado "BACH Reimagined", nació buena parte del material que ahora forma este álbum.
El videoclip se rodó en el Carleton Dominion-Chalmers Centre de Ottawa, su ciudad natal, el mismo lugar donde presentará el disco en directo este otoño.
El "Dies Irae" es el segundo movimiento de la Messa da Requiem de Giuseppe Verdi, estrenada en 1874 en Milán en memoria del escritor Alessandro Manzoni, a quien Verdi admiraba profundamente. Es probablemente el fragmento más impactante de toda la obra: un estallido orquestal con golpes de bombo, metales a todo volumen y el coro cantando sobre el Juicio Final.
El texto no es de Verdi, sino una secuencia litúrgica latina del siglo XIII atribuida a Tomás de Celano, usada tradicionalmente en las misas de difuntos católicas. Muchos compositores la han musicado (Mozart, Berlioz, Fauré...), pero la versión de Verdi es la más teatral de todas, tanto que algunos críticos de la época la tildaron con sarcasmo de "la mejor ópera de Verdi", por su carácter tan dramático y poco litúrgico.
Un dato curioso: este "Dies Irae" no aparece solo una vez. Verdi lo reintroduce varias veces a lo largo del Requiem, incluso casi al final, en el "Libera me", como si el terror del Juicio Final volviera a irrumpir justo cuando parecía haber pasado.
El fragmento se ha popularizado muchísimo fuera del ámbito clásico, apareciendo en infinidad de películas y anuncios como sinónimo musical de catástrofe o apocalipsis.
Vídeo (Claudio Abbado dirigiendo a la Filarmónica de Berlín):
También merece la pena la versión dirigida por Riccardo Muti con la Sinfónica de la Radio de Baviera, más intensa y con un coro espectacular:
Y para quien quiera ver hasta dónde puede llegar esta pieza, el productor italiano ASCO la ha versionado en clave techno dentro de su proyecto Symphony of CAOS, fusionando el coro original (Coro Ventidio Basso) con un sonido de club y festival:
"Eclipse" cierra "The Dark Side of the Moon" (1973), uno de los álbumes más influyentes de la historia del rock. Escrita y cantada por Roger Waters, la canción enlaza directamente con "Brain Damage": tanto es así que las radios casi siempre las emiten juntas, y muchos fans las consideran una sola pieza en dos partes.
Lo curioso es que "Eclipse" nació casi por accidente. El disco estaba prácticamente terminado pero le faltaba un final, hasta que Waters llegó un día de ensayo y dijo: "he escrito un cierre". La canción, además, iba a dar título a todo el álbum: al principio la banda quería llamarlo "Dark Side of the Moon", pero al enterarse de que el grupo Medicine Head sacaba un disco con ese mismo nombre en 1972, pensaron en rebautizarlo como "Eclipse". Cuando el álbum de Medicine Head pasó sin pena ni gloria, Pink Floyd recuperó el título original y dejó "Eclipse" como nombre de la canción final.
La frase que cierra el disco, "there is no dark side of the moon really, matter of fact it's all dark", no la dice ningún miembro de la banda: es la voz de Gerry O'Driscoll, el portero de los estudios Abbey Road, grabado por Waters mientras recogía frases espontáneas de la gente que pasaba por allí. Y si afinas el oído en el canal derecho, al final del tema se puede escuchar de fondo un fragmento orquestal de "Ticket to Ride" de The Beatles, que sonaba de casualidad en el estudio durante la grabación.
"Eclipse" también tuvo un momento muy especial en 2012, cuando sonó en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres, acompañada de fuegos artificiales y un montaje de atletas británicos.
Editada en noviembre de 1998 dentro de su álbum debut "Hear My Cry", la canción no despegó de inmediato: alcanzó solo el puesto 24 en el Reino Unido. Todo cambió a principios de 2000, cuando un DJ de una radio de Tampa (Florida) empezó a pincharla y el tema explotó en Estados Unidos, llegando al número 8 del Billboard Hot 100. Ese éxito hizo que Universal la relanzara en el Reino Unido, donde esta vez sí llegó al número 1, se mantuvo 14 semanas en el top 40 y terminó siendo el tercer single más vendido de 2000 en el país.
Antes de ser cantante, Sonique (Sonia Clarke) ya era una DJ reconocida en la escena de clubs británica. Sobre la letra, contó que está inspirada en un amor no correspondido: "Es sobre un chico que me gustaba mucho hace años, pero que no sentía lo mismo por mí. Era muy exitoso y yo no, en aquel momento. Él pensaba que yo estaba enamorada de su éxito. Esta canción es solo una forma de declarar que era a él a quien quería".
Al ser relanzada en 2000 se grabó un segundo videoclip, distinto al original de 1998, en el que Sonique interpreta a una camarera que de noche se convierte en DJ.
En 2024, el tema volvió a sonar fuerte gracias a un remix de Matt Sassari y Hugel con la propia Sonique, que también tuvo mucho éxito en clubs y radiofórmulas.
Vídeo oficial (1998):
Remix de Matt Sassari & Hugel ft. Sonique (2024):
Letra:
You always make me smile
When I'm feeling down
You give me such a vibe
I is still totally bona fide, mm
It's not the way you walk
And it ain't the way you talk
It ain't the job you got
That keeps me satisfied
Your love, it feels so good
And that's what takes me high
Higher than I've been before
And your love, it keeps me alive
Thought I should let you know
That your touch, it means so much
When I'm alone at night
It's you I'm always thinking of
That your touch, it means so much
So much, so much
Your love, it feels so good
So much, so much, so much
Ooh, baby
Won't you understand
How I feel, yeah, deep inside? (That your touch, it means -)
4frases es un proyecto musical español que se mueve en el terreno del rock y el punk con mensaje político y social, con guiños directos a bandas como Extremoduro, La Polla Records, Marea o Platero y Tú. No dan la cara con nombres de integrantes, se presentan simplemente como "producción musical", y suelen sacar canciones muy rápido, casi al ritmo de la actualidad, muchas veces con carga satírica (tienen temas como "El Fachapobre" que generaron bastante ruido en redes).
"La Mataviejos en Madrid" es un single que publicaron el 17 de mayo de 2024. La canción construye un personaje de ficción, una especie de villana urbana con toda su familia metida en líos (un novio ladrón, un hermano estafador...), en clave de humor negro y con un estribillo pegadizo tipo himno punk-rock. Es una canción corta, de apenas tres minutos, pensada para pegar fuerte y rápido, muy en la línea del resto de su catálogo.
"The Wind Forest" es un tema instrumental compuesto por Joe Hisaishi para la banda sonora de "Mi vecino Totoro" (1988), la película de Studio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki. En esta versión, la pieza está interpretada al piano por Nobuyuki Tsujii, dentro de su álbum dedicado a las bandas sonoras de Studio Ghibli.
Joe Hisaishi, cuyo verdadero nombre es Mamoru Fujisawa, adoptó su nombre artístico como un homenaje a Quincy Jones, ya que "Joe Hisaishi" puede escribirse con los mismos kanjis que una lectura japonesa de "Quincy". Empezó su carrera musical en los años 70 componiendo para anime, y en 1984 inició su colaboración con Hayao Miyazaki en "Nausicaä del Valle del Viento", relación que se ha mantenido durante cuatro décadas y que incluye prácticamente toda la filmografía del director, hasta "El chico y la garza" (2023), ganadora del Oscar. En una entrevista con Classic FM, el propio Hisaishi contó que compuso el tema principal de Totoro en apenas veinte minutos. Según explicó, su estilo cambia según el proyecto: para las películas de Takeshi Kitano opta por un enfoque minimalista y contenido, mientras que para las películas de Miyazaki busca un tono mucho más emocional.
Nobuyuki Tsujii, conocido como "Nobu", es un pianista japonés ciego de nacimiento. Empezó a tocar de oído con dos años, en un piano de juguete, tras escuchar a su madre tararear una melodía. En 2009 ganó la medalla de oro del Concurso Internacional de Piano Van Cliburn, uno de los certámenes más prestigiosos del mundo, y desde entonces ha actuado con orquestas como la Filarmónica de Berlín o la Sinfónica NHK. Como no puede leer partituras, aprende todo su repertorio de oído.
Mr. Know It All es el single que Teddy Swims lanzó el 10 de abril de 2026 a través de Warner Records, y que da nombre a su nuevo álbum. La canción habla de esa sensación de saber, desde el principio, cómo va a acabar una relación, y de cómo esa capacidad de anticiparse acaba convirtiéndose en una condena: te proteges de antemano, y esa distancia es precisamente lo que hace que la relación fracase.
El propio Swims lo explicó diciendo que el tema explora cómo el amor puede convertirse en una contradicción que se cumple a sí misma: cuando crees que ya sabes cómo va a terminar, te proteges guardando las distancias, y esa distancia acaba siendo la razón del fracaso.
Musicalmente es una mezcla de rock de aire ochentero con producción de R&B, escrita por el propio Swims junto a Alexander Izquierdo, Ed Drewett, Joshua Coleman, Julian Bunetta y Rosie Danvers, y producida por Ammo, Bunetta y John Ryan.
Teddy Swims, de Georgia, se dio a conocer en YouTube haciendo versiones de todo tipo de géneros con su voz soul característica, antes de convertirse en uno de los nombres más grandes del pop y R&B actual gracias a éxitos como Lose Control.
Vídeo oficial:
También existe una versión de piano de la canción, mucho más desnuda e íntima, que merece la pena escuchar:
Letra:
She like the low, she like the high
I've seen it all too many times
Geronimo, she's dropping by
Fork in the road, this fate of mine
I can't act like I don't keep dressing for the storm, then blame the sky
Oh, I know I'm damned if I do, damned if I don't
Wherever I end up, it's never no surprise
Should've told you I could see this coming
Like I'm looking right into a crystal ball
When I fall in love, it's with misfortune
Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All
Give you everything you say you wanted
See the future like it's written on the wall
You're the only thing that's missing from it
Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All
Mr. Know It All (Mr.)
Pulling dominoes from a coffee can
Set 'em up and watch 'em fall, do it over again
Like a tennis ball through a ceiling fan
Bet you never end up falling back in my hands, oh
Should've told you I could see this coming (see this coming)
Like I'm looking right into a crystal ball
When I fall in love, it's with misfortune
Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All
Give you everything you say you wanted (say you wanted)
See the future like it's written on the wall
You're the only thing that's missing from it (missing from it)
Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All
I don't wanna stay (stay), I don't wanna run
I already know what this'll become
I'm watching you dance and falling in love
I'm getting way too close to the sun
Should've told you I could see this coming (coming)
Like I'm lookin' right into a crystal ball
When I fall in love, it's with misfortune (oh, it's with misfortune)
Oh, I wish I wasn't Mr. Know It All
Give you everything you say you wanted (you say you wanted)
See the future like it's written on the wall (written on the wall)
You're the only thing that's missing from it (missing from it)
Polyphia son una banda estadounidense de Texas que se ha convertido en referencia del "djent" instrumental y del rock progresivo moderno, mezclando técnica virtuosa con producción muy pulida y toques de trap y R&B. "Ego Death" es una de las canciones de su álbum Remember That You Will Die (2022) y cuenta con la colaboración de nada menos que Steve Vai, uno de los guitarristas más legendarios e influyentes de la historia.
El tema es un choque generacional de dos formas de entender la guitarra: el estilo más clásico y virtuoso de Vai frente al sonido futurista y digital de Tim Henson y Scott LePage. Según contó el propio Vai, tardó bastante en grabar su parte porque quería aportar algo especial y distinto a lo que suele hacer. Cuando escuchó el resultado final se sorprendió, ya que Polyphia había troceado y manipulado bastante su solo original, algo a lo que no estaba acostumbrado. El resultado gustó tanto que los lectores de Guitar World votaron el solo de Vai en esta canción como el mejor solo de guitarra de 2022.
Es una canción instrumental, así que no hay letra que compartir.
Instrumental. Sin voz, sin letra, solo guitarra que fluye como si nada más importara.
La compuso Mason Williams a mediados de los 60, cuando trabajaba como guionista en el show de los Smothers Brothers. En realidad la escribió como pieza de práctica para guitarra clásica, un simple ejercicio al que llamó Classical Gasoline. Un copista musical acortó el título al pasarlo a partitura y se quedó en Classical Gas.
La versión que todos conocemos, con orquesta y esos arreglos que se te meten en la cabeza, se la debe al productor Mike Post. La anécdota curiosa: la primera vez que Post escuchó la pieza le dijo a Williams que era "lo más sobrecargado de arreglos que había escuchado en su vida". Williams lo echó del estudio. Al día siguiente Post se disculpó y acabó componiendo el puente central del tema, el que le da ese giro tan reconocible.
Técnicamente es una pieza endiablada: cambia entre cuatro compases distintos (3/4, 4/4, 5/4 y 6/4) en apenas tres minutos, y se toca con uñeta de pulgar y dedos a la vez.
Se estrenó en el show de los Smothers Brothers acompañada de un vídeo con miles de imágenes de arte pasando a toda velocidad, titulado 3000 Years of Art, de ahí también parte de la explicación del nombre. Entró en el Hot 100 de Billboard en junio de 1968 y llegó al número 2, solo por detrás de "Hello, I Love You" de The Doors. Ganó dos Grammy.
Hay una versión posterior, de 1987, grabada junto a Mannheim Steamroller, con un aire más new age y orquestal, que también merece la pena.
Y otra muy distinta: la del trío California Guitar Trio, formado por tres guitarristas surgidos de los cursos de Robert Fripp, que la incluyeron en su álbum Pathways de 1998 y la convirtieron en un despliegue de virtuosismo a tres guitarras.
Hoy toca un clásico del rock de los 70: "Crazy on You", de Heart.
La canción abre el álbum debut de la banda, "Dreamboat Annie" (1975), y es una de las composiciones más icónicas de las hermanas Ann y Nancy Wilson. Nancy escribió esa introducción acústica, bautizada como "Silver Wheels", inspirándose en el tema "Question" de The Moody Blues. La grabó con una guitarra Guild Jumbo con la acción tan alta que, según ella misma, era "un infierno" tocarla, y usó una técnica híbrida (púa y dedos a la vez) que la convirtió en una de las intros más complicadas de reproducir del rock clásico.
La letra la escribió Ann mientras estaba enferma con fiebre, inspirada por el caos del mundo de la época (Guerra de Vietnam, crisis del petróleo) y por su relación con Michael Fisher, hermano del guitarrista de la banda, Roger Fisher. La idea era esa sensación de refugiarse en el amor mientras todo alrededor se desmorona.
El tema no fue un éxito arrollador en su momento (llegó al puesto 35 del Billboard Hot 100), pero con los años se convirtió en un himno y en una de las canciones más queridas del catálogo de Heart.
Vídeo (actuación en el programa holandés TopPop, mediados de los 70):
Letra:
If we still have time, we might still get by
Every time I think about it, I wanna cry
With bombs and the Devil, and the kids keep comin'
No way to breathe easy, no time to be young
But I tell myself that I was doin' all right
There's nothin' left to do at night
But go crazy on you
Crazy on you
Let me go crazy, crazy on you, oh
My love is the evenin' breeze touchin' your skin
The gentle, sweet singin' of leaves in the wind
The whisper that calls after you in the night
And kisses your ear in the early moonlight
And you don't need to wonder, you're doing fine
My love, the pleasure's mine
Let me go crazy on you
Crazy on you
Let me go crazy, crazy on you, oh
Wild man's world is cryin' in pain
What you gonna do when everybody's insane?
So afraid of one who's so afraid of you
What you gonna do?
Ooh, crazy on you
Crazy on you
Let me go crazy, crazy on you
I was a willow last night in a dream
I bent down over a clear running stream
Sang you the song that I heard up above
And you kept me alive with your sweet flowing love
Uno de los momentos más íntimos de Violator (1990), el álbum que catapultó a Depeche Mode al estrellato mundial. "Waiting for the Night" es el quinto corte del disco, escrito por Martin Gore, y contrasta con la energía de "Personal Jesus" o "Enjoy the Silence" con una atmósfera lenta, casi hipnótica.
La canción nace de la fascinación de Gore y el productor Flood por Tangerine Dream: quisieron crear una secuencia similar usando un ARP y su secuenciador. El resultado es un tema construido sobre capas de sintetizadores y una cantidad brutal de delays. De hecho, cuando en 2006 remasterizaron el álbum, el ingeniero Kevin Paul reconoció que fue de las canciones más complicadas de reconstruir: contaba con unos 15 delays distintos repartidos entre voces y batería.
Curiosamente, muchos fans la conocen erróneamente como "Waiting for the Night to Fall", pero ese nunca fue el título real. Gore explicó en una entrevista de 1990 que la letra habla de esperar la noche como una especie de "alto perfecto y natural", un refugio frente al día.
El videoclip oficial, dirigido por Anton Corbijn (colaborador habitual de la banda), acompaña esa quietud con imágenes en blanco y negro muy en la línea estética que Corbijn definió para Depeche Mode en esta época.
Versión destacada: la banda sueca Ghost (entonces Ghost B.C.) grabó una versión para la edición japonesa de su álbum If You Have Ghost (2013), con Papa Emeritus II al frente. Es una relectura oscura y teatral, muy fiel al espíritu original pero con ese aire satánico tan suyo.
Vídeo oficial:
Versión de Ghost:
Letra:
I'm waiting for the night to fall
I know that it will save us all
When everything's dark
Keeps us from the stark reality
I'm waiting for the night to fall
When everything is bearable
And there in the still
All that you feel is tranquillity
There is a star in the sky
Guiding my way with its light
And in the glow of the moon
Know my deliverance will come soon
I'm waiting for the night to fall
I know that it will save us all
When everything's dark
Keeps us from the stark reality
I'm waiting for the night to fall
When everything is bearable
And there in the still
All that you feel is tranquillity
And there is a sound in the calm
Someone is coming to harm
I press my hands to my ears
It's easier here just to forget fear
And when I squinted, the world seemed rose-tinted
And angels appeared to descend
To my surprise, with half-closed eyes
Things looked even better than when they were opened
Been waiting for the night to fall (night to fall)
I knew that it would save us all (save us all)
Now everything's dark
Keeps us from the stark reality
Been waiting for the night to fall (night to fall)
Ayer te vi es el nuevo tema de Fux Beat, un productor y DJ puertorriqueño de Aguadilla, nominado al Grammy y ganador del Latin Grammy, que se mueve entre el reggaetón, el house, el indie rock y el ska. Aquí se junta con dos voces muy potentes de la música afrolatina: Cimafunk, el artista cubano que fusiona funk con ritmos afrocubanos y que empezó estudiando medicina antes de dedicarse a la música, y Tostao, miembro del grupo colombiano ChocQuibTown, con quien Fux Beat ya había colaborado antes en el tema "No Me Dejó".
La canción es un lanzamiento muy reciente, del 30 de julio de 2026, bajo el sello Sony Music, y reúne en un mismo tema tres países distintos: Puerto Rico, Cuba y Colombia, todos con raíces en la música negra del Caribe y Latinoamérica.
Dan Byrne es un rockero británico que en 2026 lanzó su primer álbum, This Is Where the Show Begins, a través de Frontiers Music. "She's the Devil" es uno de los singles de adelanto, y el propio Byrne lo describe como el tema más desatado del disco: rock puro, con un toque blues-rock elevado al máximo y un puente que guiña el ojo a Whitesnake.
La canción habla de atracción y peligro: saber que alguien (o algo) es mala idea, y caer de todos modos. Byrne juega con la imagen del diablo tomando forma de mujer, de amante o incluso de una idea, algo que según él conecta con un hilo recurrente en el álbum: usar imaginería religiosa como herramienta literaria para explorar el conflicto humano y el deseo. El tema está producido de nuevo por David Radahd-Jones, colaborador habitual de Byrne, y él mismo ha dicho que es una de las pocas canciones del disco donde pudo soltarse del todo y mostrar el rango completo de su voz.
Letra:
You've got blood on your teeth
And I can not breathe no more
So show me how to rock
And I'll show you how to roll
Cause she's the devil, she's my disease
With her long blonde hair and her little red dress
She can bring me to my knees
A kiss of fire, her serpent teeth
She's Like a fine red wine but I wont give her no time to breathe
She can do what she wants, with her little red horns
And I'll never look back again, 'cause she's the devil
You ain't scared of no priest
But you sure ain't got no soul
And you've got your taste of me
Before you drag me down below
Cause She's the devil, she's hard to please
With her long blonde hair and her little red dress
She can bring me to my knees
A kiss of fire, her serpent teeth
She's Like a fine red wine but I wont give her no time to breathe
She can do what she wants, with her little red horns
And I'll never look back again, 'cause she's the devil
So come and tell me something, while you're on my mind
Oh, I know your trouble, but I can't tell why
You can drag me down, you can make me bleed
Oh, I like a warning, so come and dance with me
With her long blonde hair and her little red dress
She can bring me to my knees
A kiss of fire, her serpent teeth
She's Like a fine red wine but I wont give her no time to breathe
(No time to breathe)
A kiss of fire she's hard to please
But if we're going all night, then she can give a little time to me
"Nightcall" es probablemente el tema más conocido del synthwave moderno, y todo gracias a una película. Kavinsky (Vincent Belorgey) lo publicó como single en 2010, pero su fama internacional llegó en 2011 al abrir los créditos de Drive, la película de Nicolas Winding Refn con Ryan Gosling. Ese arranque nocturno con Los Ángeles iluminado bajo los sintetizadores marcó a toda una generación de aficionados a la estética ochentera.
La canción tardó unos cuatro años en gestarse y nació de una idea de Guy-Manuel de Homem-Christo, de Daft Punk, quien coprodujo el tema. Las voces las pone Lovefoxxx, cantante de la banda brasileña CSS. El propio Kavinsky explicó una vez que la letra habla de un hombre convertido en zombi que vuelve a casa de su ex para decirle que ya no es el mismo, aunque ella ha rehecho su vida y lo rechaza: "tiene remordimientos e intenta ser un buen hombre, pero no puede porque está muerto".
Curiosidad triste: Kavinsky falleció el pasado 28 de julio de 2026, a los 50 años, encontrado sin vida en su casa de París. Se investigan las causas, aunque algunos medios franceses apuntan a un posible ictus.
Vídeo:
Versión: en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de París 2024, "Nightcall" se interpretó en directo con Kavinsky, la banda Phoenix y la cantante belga Angèle asumiendo la voz principal. La actuación disparó las búsquedas del tema en Shazam hasta niveles récord.
Vídeo versión:
Letra:
I'm giving you a night call to tell you how I feel (we'll go all, all, all night long)
I wanna drive you through the night, down the hills (we'll go all, all, all night long)
I'm gonna tell you something you don't want to hear (we'll go all, all, all night long)
I'm gonna show you where it's dark, but have no fear (we'll go all, all, all night long)
There's something inside you
It's hard to explain
They're talking about you, boy
But you're still the same
There's something inside you
It's hard to explain
They're talking about you, boy
But you're still the same
I'm giving you a night call to tell you how I feel (we'll go all, all, all night long)
I wanna drive you through the night, down the hills (we'll go all, all, all night long)
I'm gonna tell you something you don't want to hear (we'll go all, all, all night long)
I'm gonna show you where it's dark, but have no fear (we'll go all, all, all night long)
Segunda entrega del debut de Kate Bush, "The Kick Inside" (1978), aunque en realidad la escribió con solo 13 años y la grabó a los 16. Ahí es nada. El single llegó al número 6 en el Reino Unido y se llevó el Ivor Novello Award a "Mejor Letra Británica" en 1979.
Lo curioso del tema es que todo el mundo se ha preguntado siempre quién es "el hombre con el niño en los ojos". Durante años se especuló que se refería a Steve Blacknell, su primer novio, que en 2010 llegó a poner a la venta las letras manuscritas originales asegurando que era él el protagonista. Sin embargo, la propia Kate lo desmintió en varias entrevistas explicando que la canción hablaba de los hombres en general: esa capacidad que tienen algunos de conservar dentro un niño, esa magia que muchas mujeres pierden al hacerse "demasiado responsables".
Se grabó en los AIR Studios de Londres en 1975 bajo la producción de David Gilmour (sí, el de Pink Floyd), que fue quien ayudó a costear la sesión. Bush ha reconocido que grabar con una orquesta completa a esa edad la aterrorizaba.
El videoclip es de una sencillez absoluta: ella sentada en el suelo, con las piernas cruzadas, cantando casi para sí misma. Según contó la propia Kate, fue idea de su hermano Jay, que la vio ensayando así y le dijo que lo dejara tal cual.
Tony Iommi, el guitarrista fundador de Black Sabbath, ha vuelto a la carga con su primer single en solitario en 21 años. "World Alone" es el adelanto de su nuevo álbum, "From The Dark", que saldrá el 23 de octubre vía BMG y será su tercer disco en solitario tras "Iommi" (2000) y "Fused" (2005).
En esta ocasión Iommi comparte protagonismo con el cantante noruego Jørn Lande (conocido por Masterplan, Avantasia y por sustituir a Ronnie James Dio en la gira de Heaven & Hell en 2010), que pone voz a las ocho canciones del disco y firma también parte de la composición. Completan la banda Becky Baldwin (Mercyful Fate) al bajo y Karl Brazil (Robbie Williams) a la batería.
La canción se presentó en un evento especial en Birmingham, la ciudad natal de Iommi, muy cerca del famoso puente dedicado a Black Sabbath. El videoclip, de ambientación distópica, sigue a un personaje llamado "The Believer" atrapado en un videojuego retrofuturista del que debe escapar para salvar su vida.
El single saldrá también en formato 7 pulgadas el 4 de septiembre, con una versión instrumental en la cara B.
Letra:
Hey, stranger, you run into the wall
Black shadow rises, looming over your life
But you hold on to save the light that shines your hall
Your prison cell, it's just a spell to make you fall
In the waters that you helm, the siren of the heart
Tyrants of the dawning can steal your sun
From the shatter of the quake, inner blackness you unfurl
To burn it with your fire, screaming, you restore your world alone
Above danger, losing ground as time reloads
Man and machine with the soul between, it flies with the heavy load
The liar will shout and drag you straight to hell
Wedlocked in a game that kills, fighting one-man wars
On the waters of your realm, dancing serpents in the dark
Diving without warning, aiming for the heart
As you're laying out your bait, you pull the trigger as they swirl
You know you never needed no one to face the world alone
Devil spawn to your deathblow
Evil will burn
In the waters of your well, life is on the rise
Children to the morning where no one feels
Running wired from the wait, revolution giving birth
They never needed anyone to change the world alone
