David Bowie - Blue Jean

"Blue Jean" fue el single que Bowie lanzó en 1984 para adelantar su álbum "Tonight", el sucesor del exitoso "Let's Dance". Es uno de los dos temas del disco escritos íntegramente por él y, para muchos, lo mejor de un álbum bastante flojo. Es un rock and roll sencillo, de aire cincuentero, ligeramente inspirado en Eddie Cochran y con un aire a "The Jean Genie". Fue un éxito en Reino Unido y Estados Unidos.

La letra cuenta cómo el narrador se queda prendado de una chica llamada Blue Jean, a la que ve como alguien fascinante y fuera de su alcance, y la persigue. Es una canción de flirteo y deseo sin mayor profundidad. El propio Bowie la describió años después, medio en broma, como "rock and roll sexista".

Curiosidades: para promocionarla se rodó "Jazzin' for Blue Jean", un cortometraje de 21 minutos dirigido por Julien Temple, en el que Bowie interpreta a dos personajes: Vic, un tipo normal que intenta impresionar a una chica, y Screaming Lord Byron, la estrella de rock engreída. Ese corto ganó el Grammy al mejor vídeo musical de formato corto en 1985, el único Grammy que Bowie recibió en vida. El videoclip "normal" es simplemente el fragmento donde Byron canta el tema, y existe una tercera versión rodada unos días después en el Wag Club de Londres.

Vídeo: 

Versión que merece la pena: el cortometraje completo "Jazzin' for Blue Jean", que cuenta la historia entera y es una pequeña joya de los 80.

Letra: 

Blue Jean, I just met me a girl named Blue Jean

Blue Jean, she got a camouflaged face and no money

Remember they always let you down when you need 'em

Oh, Blue Jean, is Heaven any sweeter than Blue Jean?

She got a police bike

She got a turned up nose

Sometimes I feel like (oh, the whole human race)

Jazzin' for Blue Jean (oh, and when my blue jean's blue)

Blue Jean can send me (oh, somebody send me)

Somebody send me (oh, somebody send me)

One day I'm gonna write a poem in a letter

One day I'm gonna get that faculty together

Remember that everybody has to wait in line

Oh, Blue Jean, look out world, oh, you know I've got mine

She got Latin roots

She got everything

Sometimes I feel like (oh, the whole human race)

Jazzin' for Blue Jean (oh, and when my blue jean's blue)

Blue Jean can send me (oh, somebody send me)

Somebody send me (oh, somebody send me)

Sometimes I feel like (oh, the whole human race)

Jazzin' for Blue Jean (oh, and when my blue jean's blue)

Blue Jean can send me (oh, somebody send me)

Somebody send me (oh, somebody send me)

Somebody, somebody (oh, somebody send me)

Somebody send me (oh, somebody send me)

Van Halen - When It's Love

Esta sí que es una balada de las de 1988: sintetizadores, estribillo enorme y un solo de guitarra de Eddie Van Halen. "When It's Love" es del disco "OU812" y fue el segundo single, tras "Black and Blue". Salió en junio de 1988 y llegó al número 5 del Billboard Hot 100.

Fue la primera canción que se compuso para el disco. Eddie y Alex le enseñaron a Sammy Hagar una base de teclado y batería, y Sammy cuenta que se le puso la piel de gallina. Él mismo ha dicho que la desarrollaron "al estilo Genesis". Lo curioso es que el primer tema que escribieron para un disco de Van Halen no fue un rockazo, sino una balada.

Eddie dijo que el solo de guitarra es un homenaje a Eric Clapton. La canción acabó en la lista de las 25 mejores power ballads de VH1.

Otra ironía es que Sammy escribió esta letra tan romántica justo cuando su matrimonio con Betsy se estaba rompiendo, porque ella sufría problemas de ansiedad y salud mental.

El título del álbum también tiene su historia. Iba a llamarse "Bone", pero Sammy vio un camión con la matrícula "OU812" ("oh you ate one too") y les hizo gracia. De paso, sonaba a pullita a David Lee Roth, el anterior cantante.

El videoclip se grabó en un bar entre fechas de gira. La banda toca mientras una pareja baila lento, y en un momento dado Michael Anthony le planta un beso en la mejilla a Eddie.

Significado de la letra: la pregunta de siempre, cómo saber cuándo es amor de verdad. La canción distingue entre una atracción pasajera y algo más profundo, y dice que cuando lo es, simplemente lo sabes.

Letra: 

Everybody's lookin' for somethin'

Somethin' to fill in the holes

We think a lot but don't talk much about it

'Til things get out of control

Oh, how do I know when it's love

I can't tell you but it lasts forever

How does it feel when it's love

It's just something you feel together

When it's love

You look at every face in a crowd

Some shine and some keep you guessin'

Waiting for someone to come into focus

Teach you your final love lesson

How do I know when it's love

I can't tell you but it lasts forever

How does it feel when it's love

It's just something you feel together

Oh oh oh oh

Oh when it's love

Oh oh oh oh

You can feel it yeah

Oh oh oh oh

Nothing's missing, yeah

Oh oh oh oh

Yeah, you can feel it

Oh oh oh oh

Oh when it's love

Oh oh oh oh

Nothing's missing

How do I know when it's love

I can't tell you but it lasts forever

Uh, how does it feel when it's love

It's just something you feel together

Hey, how do I know when it's love

I can't tell you but it lasts forever

When it's love

Uh, when it's love

Hey it lasts forever

(Na, na, na, na, na) when it's love

(Na, na, na, na, na)

(Na, na, na, na, na)

(Na, na, na, na, na) give it up

We're gonna feel this thing together (na, na, na, na, na)

When it's love, oh (na, na, na, na, na)

When it's love, baby (na, na, na, na, na)

(Na, na, na, na, na)

You can feel it, yeah

(Na, na, na, na, na)

(Na, na, na, na, na)

We'll make it last forever

(Na, na, na, na, na)

(Na, na, na, na, na)

Oh, it's love

Iron Maiden - Hell On Earth

Hell On Earth cierra "Senjutsu" (2021), el decimoséptimo álbum de estudio de Iron Maiden, grabado en París y publicado en plena pandemia. Con más de 11 minutos, es una de las composiciones largas de Steve Harris, que firma la canción en solitario. Empieza con un arranque suave y casi melancólico, va creciendo poco a poco y acaba en un final épico y muy heavy, marca de la casa. Es un cierre de disco que parece una despedida.

Curiosidad: Hell On Earth es la tercera pieza de más de diez minutos del disco y de las que mejor funcionan en directo. Ha estado en el repertorio de la gira "Future Past" y sonó en el último concierto de Nicko McBrain con la banda, en São Paulo en diciembre de 2024, antes de que se retirara de las giras.

Significado de la letra: habla del horror de la guerra y de sus víctimas. Menciona a niños armados, a gente que lucha en nombre de un dios y a la propaganda de las batallas. También habla de quienes sobrevivieron, de lo que han visto y de lo que han perdido. El mensaje final deja un rayo de esperanza, pero sin quitar peso a la tragedia.

Versión en directo (São Paulo, 2024, último concierto con Nicko McBrain):

Letra:

Beginning of a sunrise bores a big hole in the sky

Not to reason why that armed children are in this world

And fighting in the name of God's way

Mourning bleak and utter waste

The vanity of the world is assured now

Prey upon the weak no more

The spirits of those who are gone

Propaganda of the battles

That are lost or won

And count your blessings still alive

Of those who managed to survive

Inside oblivion of that hell on Earth

All you have been, all you have seen

Lost in somewhere in your dreams

How the angels they have fallen

All is nothing what it seems

And the voices that you hear now

And the voices in your head

Now are thinking of a lifetime

You can never feel again

I wish I could go back

I'll never be the same again

Bled for all upon this hell on Earth

And when I leave this world

I hope to see you all again

On the other side of hell on Earth

Upon the eyes of good

I'm following the light again

In between the dark of hell on Earth

On the other side, I'll see again in heaven

So far away from this hell on Earth

You dance on the graves who bled for us

Do you really think they'll come for us?

Knowledge and virtue, taken by lust

Live on the edge of those that you trust

You think that you have all the answers for all

In your arrogant way only one way to fall

Burning a lamp that is fire in your hands

Taking you further from these lands

Love in anger, life in danger

Lost in anger, life in danger

Love in anger, life in danger

Lost in anger, life in danger

Gabrielle Aplin - Waking Up Slow (Piano Version)

Una canción de despertar lento, de esas mañanas en las que el mundo todavía no te ha pedido nada. Gabrielle Aplin la publicó como single el 1 de septiembre de 2017 y fue el adelanto de su EP "Avalon", que salió en octubre de ese año. La escribió junto a Peter Rycroft y la producción es de Lostboy. La versión original suena a pop electrónico con aire ochentero, y el videoclip sigue esa línea, con Gabrielle paseando por la calle con ropa de los 80 en un ambiente de ensueño.

La versión de piano llegó poco después y es la que traemos hoy. Quita todo el brillo y deja la voz y las teclas, y la canción gana intimidad. Es la misma canción, pero más desnuda.

Una curiosidad: Gabrielle empezó subiendo versiones acústicas a YouTube con apenas 11 o 12 años, y de ahí pasó a firmar con Parlophone en 2012. Esta versión de piano es un poco volver a sus orígenes. Además, Popjustice la incluyó entre las mejores canciones pop de 2017.

La letra habla de una relación en la que se está bien sin prisas. Es esa sensación de despertarse junto a alguien sin necesidad de nada más, de quedarse en la cama y dejar que el día llegue despacio. Es una canción sobre la calma de querer y sentirse querida.

Versión piano:

Versión original:

Letra: 

Heaven help me

My mind changes like the wind

Please excuse me

I don't know where to begin

But I didn't think I cared

I could be your friend

But I'm unprepared

Oh, I've never felt like this

I was unaware

That you were lighting flares

Now I'm running scared

Oh, how did it come to this?

You know I've never been so lonely on my own

And it shows

'Cause I don't see you like I used to

Now I'm going back on the things that I know

Oh, all my nights taste like gold

Yeah, when I'm with you it's like everything glows

And all my days, we can lay low

Yeah, when we're waking up, we're waking up slow

I could rearrange

Would you do the same?

I don't wanna change

But you're just too good to miss

'Cause I'm intertwined

And I'm running blind

But I don't mind

I'm so glad it came to this

You know I've never been so lonely on my own

And it shows

'Cause I don't see you like I used to

Now I'm going back on the things that I know

Oh, all my nights taste like gold

Yeah, when I'm with you it's like everything glows

All my days, we can lay low

Yeah, when we're waking up, we're waking up slow

It's a little bit clearer now

I love you like the sun came out, oh

We're waking up, we're waking up slow

It's like I never had a doubt

I love you like the sun came out

We're waking up, we're waking up

Like I told ya

Don't look backwards

'Cause now I see you here

Nothing else matters

Like I told ya

Don't look backwards

'Cause now I see you here

I'm going back on the things that I know

All my nights taste like gold

Yeah, when I'm with you it's like everything glows

All my days, we can lay low

Yeah, when we're waking up, we're waking up slow

It's a little bit clearer now

I love you like the sun came out, oh

We're waking up, we're waking up slow

It's like I never had a doubt

I love you like the sun came out

We're waking up, we're waking up

Journey - Lights

"Lights" abre "Infinity" (1978), el primer álbum de Journey con Steve Perry como cantante. Perry entró en el grupo en octubre de 1977 para sustituir a Robert Fleischman, y el disco, producido por Roy Thomas Baker, cambió el rumbo de una banda que hasta entonces tocaba una fusión más instrumental y no acababa de vender. La firman Steve Perry y Neal Schon, y salió como single en 1978.

Tiene una anécdota muy buena: Perry la escribió casi entera en Los Ángeles y hablaba de Los Ángeles. El verso decía "el sol brilla sobre L.A." y no le convencía, así que la dejó aparcada. Cuando se mudó a San Francisco para unirse a Journey, cambió L.A. por "la bahía" y la canción encajó. Según contó, la idea le vino viendo amanecer en el Observatorio Griffith mientras las luces de la ciudad se apagaban. Schon la terminó con él en unos 20 minutos.

Al principio solo llegó al puesto 68 de la lista Billboard, pero con los años se ha vuelto uno de los temas más reconocibles de la banda, con doble platino en Estados Unidos. Es casi un himno de San Francisco y suena en los partidos de los Giants, incluso con Perry cantándola en las Series Mundiales de 2010, 2012 y 2014. Desde 2017, Schon la dedica a Perry en los conciertos.

La letra habla de añorar tu ciudad y querer volver a ella, con el amanecer sobre la bahía como imagen. Es una canción de nostalgia y de pertenencia, sin dramatismo.

Este año ha vuelto a sonar gracias a la versión de Donna Missal para la película de Netflix "Voicemails for Isabelle" (2026), que se publicó el 19 de junio de 2026 y abre su banda sonora. La película está ambientada en San Francisco y la canción aparece en una escena de concierto en directo. Es una versión más íntima y contenida que la de Journey, que cambia el brillo del rock por un tono más melancólico.

Letra: 

When the lights go down in the city

And the sun shines on the bay

Ooh, I wanna be there, yeah, in my city

Oh, whoa, oh

Oh, oh, oh, whoa, oh

So you think you're lonely

Well, my friend, I'm lonely, too

I wanna get back to my city by the bay

Oh, oh, oh, whoa, oh

It's sad

Oh, there's been mornings out on the road without you

Without your charms

Oh, whoa, oh

My, my, my, my, my, my

Oh, oh, oh, whoa, oh

When the lights go down in the city

And the sun shines on the bay

Ooh, I wanna be there, yeah, in my city

Oh, whoa, oh

Oh, oh, oh, whoa, oh

When the lights go down in the city

And the sun shines on the bay

Ooh, I wanna be there, yeah, in my city

Oh, whoa, oh

Oh, oh, oh, whoa, oh

Mm

Oh, oh, oh, whoa, oh

Genesis - Follow You Follow Me

"Follow You Follow Me" se publicó el 24 de febrero de 1978 como primer single de "...And Then There Were Three...", el primer disco de Genesis tras la marcha de Steve Hackett. Ya convertidos en trío (Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford), les dio su primer gran éxito: número 7 en Reino Unido y número 23 en Estados Unidos.

Nació de un riff de guitarra de Rutherford, al que Banks añadió acordes y Collins dio forma. Banks la describe como su único tema compuesto de verdad entre los tres. El sonido de la intro es de un pedal flanger MXR, y se grabó en los estudios Relight, en Países Bajos.

Rutherford escribió la letra en unos diez minutos (aunque insiste en que "no tanto"), pensando en su mujer, Angie, a la que veía poco por las giras. Dice que le pareció que no podía ser buena, pero que ahí estaba el encanto. Además, la banda quería llegar a más público femenino, y según Rutherford lo consiguió: después de este tema, los chicos podían decirle a sus novias "esta es la canción que te gusta".

La letra es una declaración de amor sencilla: la promesa de acompañar a la persona amada y de estar siempre a su lado, pase lo que pase. Fue la primera canción de amor tan directa de la banda, que hasta entonces se movía entre historias largas y fantasías.

El videoclip es una actuación mimada de la banda grabada en los Shepperton Studios. Collins aparece con una especie de shaker mientras canta, pero también se grabó por separado tocando la batería.

Vídeo:

Merece la pena la versión en directo de Londres de 1980, con la banda ya más rodada y Collins en plena forma:

Letra: 

Stay with me

My love, I hope you'll always be

Right here by my side if ever I need you

Oh, my love

In your arms

I feel so safe and so secure

And everyday is such a perfect day to spend

Alone with you

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year

With the dark

Oh, I see so very clearly now

All my fears are drifting by me so slowly now

Fading away

I can say

The night is long, but you are here

Close at hand, oh, I'm better for the smile you give

And while I live

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year there will be

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year

Queen - Who Wants to Live Forever

Brian May compuso este tema para la película "Highlander" (1986) después de ver imágenes de la escena en que el protagonista, inmortal, ve morir de vejez a su esposa. La canción apareció ese mismo año en el álbum "A Kind of Magic" y se publicó como single, pero solo llegó al puesto 24 en las listas del Reino Unido. Con el tiempo se ha convertido en una de las baladas más queridas de la banda.

Detalles que merecen mención: la grabación cuenta con la National Philharmonic Orchestra, dirigida y arreglada por Michael Kamen junto a May. En la versión del álbum cantan tanto May como Freddie Mercury, mientras que en la película es Mercury quien canta todas las partes. El videoclip, dirigido por David Mallet, muestra a la banda con la orquesta rodeada de velas. Roger Taylor es el único que no va vestido para la ocasión, y contó que bebió bastante durante el rodaje y no recordaba sus partes. En 2025 volvió a sonar en el tráiler de la última temporada de "Stranger Things".

La letra habla de lo efímero del amor y de la vida. Se pregunta quién querría vivir para siempre si eso significa perder a quien amas, y reclama que lo único que tenemos es el tiempo que nos toca. Es una mezcla de dolor, resignación y aceptación, y escuchada con Freddie Mercury cantándola, el mensaje pesa todavía más.

Vídeo: 

En 1996 la banda alemana Dune convirtió esta balada en un tema de eurodance, y fue un gran éxito de ventas. Cambia por completo el tono del original, pasando de la solemnidad orquestal a los ritmos de pista de baile, pero la melodía sigue siendo inconfundible. Si quieres comprobar hasta dónde aguanta una gran canción, aquí la tienes.

Versión de Dune:

Letra: 

There's no time for us

There's no place for us

What is this thing that builds our dreams, yet slips away from us

Who wants to live forever

Who wants to live forever

Oh ooo oh

There's no chance for us

It's all decided for us

This world has only one sweet moment set aside for us

Who wants to live forever

Who wants to live forever

Ooh

Who dares to love forever

Oh oo woh, when love must die

But touch my tears with your lips

Touch my world with your fingertips

And we can have forever

And we can love forever

Forever is our today

Who wants to live forever

Who wants to live forever

Forever is our today

Who waits forever anyway?

Antoine Fafard - The Seventh Extinction

Hoy toca un tema instrumental de bajista canadiense afincado en Londres. "The Seventh Extinction" es el cuarto corte de "Borromean Odyssey" (2019), el sexto álbum en solitario de Antoine Fafard, y dura 5:28. Es un rock progresivo con mucho aire de jazz fusion, de los que tienen un groove sólido y mucha técnica.

Fafard tocó todo el bajo y las guitarras, y en la batería está Todd Sucherman (el batería de Styx) y en los teclados Gary Husband. Antoine empezó con la banda de rock progresivo Spaced Out en los 2000 y desde 2011 publica discos con su nombre, siempre rodeado de grandes baterías como Vinnie Colaiuta, Dave Weckl, Simon Phillips o Gavin Harrison. De hecho, en 2025 sacó "Circle of Eight", un vinilo recopilatorio con ocho temas que destacan a ocho baterías con los que ha grabado, y "The Seventh Extinction" es el tema de Sucherman.

Al no tener letra, el significado queda en el título. Mi lectura es que alude a una hipotética nueva extinción masiva, la que vendría después de la sexta que muchos científicos dicen que ya estamos viviendo, y la música le pone la tensión y el dramatismo.

Merece la pena ver también la versión en directo que Todd Sucherman tocó en el UK Drum Show 2025 junto a Gary Husband. Se nota todavía más lo que se le exige a la batería en este tema:

Green Lung - Ozymandias

Green Lung son una banda londinense de rock oculto y doom formada en 2017, famosa por mezclar folklore británico, terror de la Hammer y riffs de la vieja escuela. "Ozymandias" es el séptimo tema de "Necropolitan", su cuarto álbum, publicado el 11 de septiembre de 2026 con Nuclear Blast. Lo grabaron en Rockfield con Tom Dalgety como productor.

El disco es una carta de amor a la Londres gótica: cementerios victorianos, el tren de los muertos y fantasmas. Dentro de ese ambiente, "Ozymandias" se sale del tiesto porque parte de un poema de verdad, el soneto de Percy Bysshe Shelley de 1818. La crítica la señala como una de las mejores del álbum. Tiene riffs a lo Iommi, un toque funky, coros a lo Iron Maiden y un órgano Hammond protagonista. Dura 5:35 y va creciendo hasta un final muy teatral.

Curiosidades:

- El poema de Shelley nació de la fama de una estatua fragmentada de Ramsés II, que llegó a Londres en 1821, años después de escribirse.

- Shelley lo escribió casi en un duelo con su amigo Horace Smith, que publicó su propio soneto sobre el mismo tema.

- Tom Templar, el vocalista, es el responsable de unas letras llenas de referencias y guiños literarios.

Significado de la letra: habla de la vanidad del poder. Un rey que se creía eterno solo deja una estatua rota en medio del desierto, con su "Look on my Works, ye Mighty, and despair!" convertido en ironía. Los imperios caen y la naturaleza se queda. Encaja con el resto del álbum, que reflexiona sobre cómo lo natural acaba sobreviviendo al dominio humano.

Letra: 

A traveller from an antique land

Wandering alone

Told me he found a ruin in the sand

Two vast legs of stone

The pharaoh's statue lay there

Three thousand years undisturbed

A pedestal loomed, monumental

Upon it were written these words

My name is Ozymandias, King of Kings

Look on my works, ye Mighty, and despair

Yeah, Ozymandias, King of Kings

He rules a desert boundless and bare

Yeah

The traveller stared at the face of the king

Shattered in the sand

Under the crown of the cobra coiled

He sneered with cold command

His kingdom once had been endless

Like that of Ashurbanipal

Now he looked out at a desert

One day all empires must fall

My name is Ozymandias, King of Kings

Look on my works, ye Mighty, and despair

Yeah, Ozymandias, King of Kings

He rules a desert boundless and bare

Yeah

Look on my works, ye Mighty, and despair

Look on my works, ye Mighty, and despair

My name is Ozymandias, King of Kings

Look on my works, ye Mighty, and despair

Yeah, Ozymandias, King of Kings

He rules a desert boundless and bare

Yeah

My name is Ozymandias, King of Kings

My name is Ozymandias, King of Kings

Jean-Michel Jarre - Revolution, Revolutions

"Revolution, Revolutions" es el tema que da título al noveno álbum de Jean-Michel Jarre, "Revolutions", publicado en septiembre de 1988 y lanzado como primer sencillo. Fue un disco de cambio de rumbo: Jarre dejó el sonido más etéreo de "Oxygène" y "Équinoxe" por algo más rítmico, urbano y cercano al synth-pop.

La canción mezcla sintetizadores y cajas de ritmos con instrumentos de la tradición árabe. Aparece el ney, la flauta turca, a cargo de Kudsi Erguner, y en el disco también hay un canto de muecín y un conjunto de música clásica árabe. Es uno de los primeros encuentros entre la música electrónica y los sonidos del mundo árabe.

Otra curiosidad es que las "voces" no son cantantes. Son voces de ordenador creadas con vocoder por el propio Jarre y por Michel Geiss, su colaborador habitual.

El tema fue el centro de la presentación del álbum en directo, "Destination Docklands". Fueron dos conciertos, el 8 y el 9 de octubre de 1988, en los muelles de Londres, con unas 100.000 personas cada noche. El escenario era una barcaza flotante de 1.000 toneladas sobre el Támesis. El álbum está inspirado en la historia industrial de esa zona. En el Reino Unido llegó al puesto 52 de las listas.

Sobre la letra, es mínima. Las voces robóticas repiten la idea de "revolución" como un cántico. La palabra juega con los dos sentidos del término: las vueltas que da una máquina y los grandes cambios históricos. El tema funciona como un himno a la era industrial y tecnológica, y a cómo las máquinas han marcado la forma de vivir y de pensar.

Letra: 

Revolution!

Human, Not Human

Freedom, No Freedom

Change, No Change

Revolution!

Employment, No Employment

Choice, No Choice

Memory, No Memory

Revolution!

Revolution!

Sex, No Sex

TV, No TV

Furture, No Future

Revolution!

Computer, No, No Computer

Sex; No, No, No Sex

Memory, No, No, No Memory

Revolution!

Choice, No Choice

Freedom, No, No Freedom

TV, No, No, No TV

Change, No, No Change

Revolution!

Andrea McArdle - Tomorrow

"Tomorrow" es el gran número del musical "Annie" (Broadway, 1977), con música de Charles Strouse y letra de Martin Charnin. Annie la canta en un momento bajo, cuando acaba de escaparse del orfanato y le habla a un perro callejero de los días mejores que vendrán. Más tarde se repite en el número del gabinete de Roosevelt y en el final del musical. La versión original la cantó Andrea McArdle, que hacía de Annie con 13 años.

Curiosidades:

- Strouse la tenía guardada en un cajón: es una versión reciclada de una canción suya anterior llamada "Replay".

- La historia se sitúa en plena Gran Depresión. El guionista Thomas Meehan la ambientó ahí porque el ánimo de los años 70 (Vietnam, la crisis de Nueva York) era igual de sombrío.

- "Annie" estuvo en cartel 2.377 funciones y ganó siete premios Tony, entre ellos Mejor Musical.

- McArdle empezó siendo la suplente de Annie en las pruebas y acabó quedándose con el papel antes del estreno en Broadway. 

Significado de la letra: es un himno al optimismo. Habla de aguantar hoy porque mañana saldrá el sol, y de afrontar los días grises y solitarios con la barbilla en alto y una sonrisa. Dentro del musical funciona como una pequeña terapia para un país hundido por la Depresión.

Versiones que merecen la pena:

La de la película de 1982, con Aileen Quinn como Annie. Es la que muchos conocen, y la de 2014, con Quvenzhané Wallis, la moderniza.

La de Sydnie Christmas, de su álbum debut "My Way" (2024). Con esta canción consiguió el Golden Buzzer de Amanda Holden en su audición de "Britain's Got Talent" 2024, un programa que acabó ganando. Su audición acumula más de 40 millones de visualizaciones en redes. Ella cuenta que "Tomorrow" fue la primera canción que cantó de verdad, subida a un banco en el patio del colegio con solo cuatro o cinco años.

Videoclip (Andrea McArdle, Broadway): 

Versión película 1982 (Aileen Quinn): 

Versión Sydnie Christmas (audición BGT): 

Letra: 

The sun'll come out

Tomorrow

Bet your bottom dollar

That tomorrow

There'll be sun!

Just thinkin' about

Tomorrow

Clears away the cobwebs

And the sorrow

'Til there's none!

When I'm stuck with a day

That's grey

And lonely

I just stick out my chin

And grin

And say

Oh!

The sun'll come out

Tomorrow

So ya gotta hang on

'Til tomorrow

Come what may

Tomorrow, tomorrow!

I love ya tomorrow!

You're always

A day

Away!

When I'm stuck with a day

That's grey

And lonely

I just stick out my chin

And grin

And say

Oh!

The sun'll come out

Tomorrow

So ya gotta hang on

'Til tomorrow

Come what may

Tomorrow, tomorrow!

I love ya tomorrow!

You're always

A day

Away!

Tomorrow, tomorrow!

I love ya tomorrow!

You're always

A day

Away!

The Cure - Inbetween Days

"Inbetween Days" salió el 19 de julio de 1985 como primer single de "The Head on the Door", el álbum con el que The Cure se abrieron al gran público. Fue su primer tema en entrar en el Billboard Hot 100 de EE. UU. (puesto 99) y llegó al número 15 en Reino Unido.

Robert Smith la definió como lo más simple que había escrito desde "Boys Don't Cry". Todo gira en torno a una guitarra acústica rasgada a toda velocidad y unos teclados brillantes. Curiosamente, en esa época Smith seguía siendo guitarrista de Siouxsie and the Banshees y compaginaba ambas bandas.

El videoclip lo dirigió Tim Pope y se rodó el 18 de junio de 1985 en los estudios Fulham, en Londres. La banda aparece maquillada con colores fluorescentes, con calcetines dibujados flotando por detrás y cámaras giratorias, algunas sujetas al propio Smith y a Porl Thompson. Smith contó que quisieron mostrarse tal como eran, sin glamour. Es uno de sus clips más recordados.

La canción ha aparecido en varias listas de las mejores de la banda. Mojo la colocó en el puesto 2 en 2023.

Significado de la letra: bajo la melodía alegre hay una canción de pérdida. Smith la describió como una típica historia de "se va y vuelve" entre chico y chica. El narrador siente pánico ante la idea de que la otra persona se marche y no sabe cómo dejar de aferrarse a ella. También dijo que la letra gira en torno a tríos de cosas: días, personas, lugares, edades. Es la mezcla de música luminosa y letra triste tan típica de The Cure.

Versión: Ben Folds hizo una versión sustituyendo las guitarras por piano, y Superchunk también la versionaron en 2010.

Letra: 

Yesterday, I got so old

I felt like I could die

Yesterday, I got so old

It made me want to cry

Go on, go on, just walk away

Go on, go on, your choice is made

Go on, go on, and disappear

Go on, go on, away from here

And I know I was wrong when I said it was true

That it couldn't be me and be her in between

Without you

Without you

Yesterday, I got so scared

I shivered like a child

Yesterday, away from you

It froze me deep inside

Come back, come back, don't walk away

Come back, come back, come back today

Come back, come back, why can't you see?

Come back, come back, come back to me

And I know I was wrong when I said it was true

That it couldn't be me and be her in between

Without you

Without you

Without you

Without you

Without you

Without you

Without you

Without you

Echo & The Bunnymen - Never Stop

Después de "The Cutter", los de Liverpool publicaron este single el 8 de julio de 1983, justo antes de "The Killing Moon". Salió suelto y no pertenecía a ningún álbum de estudio. Hasta 1985 no entró en un disco, el recopilatorio "Songs to Learn & Sing".

Es de los temas más bailables de su carrera. Mezcla las guitarras de Will Sergeant, las cuerdas y un pulso casi de pista de baile. La firman los cuatro miembros: Ian McCulloch, Will Sergeant, Les Pattinson y Pete de Freitas. Poco después de salir el single, el grupo lo tocó en Top of the Pops.

La letra habla de una relación y de la necesidad de no rendirse. Hay un tono de súplica y de orgullo a la vez: el amor que has encontrado no debe parar, y nadie debe decirte cuándo parar. Es una canción sobre la insistencia, aunque no se sepa muy bien hacia dónde se va.

Una versión que vale la pena: "Never Stop (Discotheque)", la mezcla de la edición en 12 pulgadas, más larga y más discotequera. Esa versión sonó en la película "The History Boys" (2006) y aparece en su banda sonora.

Letra: 

Good God, you said

Is that the only thing you care about

Splitting up the money

And share it out

The cake's being eaten

Straight through the mouth

Poison Poised to come back in

Season For all the ones who lack

Reason

Measure by measure, drop by drop

And pound for pound, we're taking stock

Of all the treasure still unlocked

The love you found must never stop

The king is dead

And long live the people who aim above

All the simple stuff never understood

Like right from bad and wrong from good

Deny That you were ever tempted by the

Lie That there's an answer in the

Sky

Measure by measure, drop by drop

And pound for pound, we're taking stock

Of all the treasure still unlocked

The love you found must never stop

Oh, oh Oh, oh Oh, oh Oh, oh

Never stop Never stop

Never stop Never stop

Never stop Never stop

Never stop Never stop Never stop

Measure by measure, drop by drop

And pound for pound, we're taking stock

Of all the treasure still unlocked

The love you found must never

Measure by measure, drop by drop

And pound for pound, we're taking stock

Of all the treasure still unlocked

The love you found must never stop

Never stop

(Stop stop) Never stop (Stop)

Never stop (Stop stop)

Never stop (Stop stop stop)

Never stop (Stop stop stop)

Never stop

Oques Grasses & Rita Payés - La Gent que Estimo

"La Gent que Estimo" es una colaboración de Oques Grasses con Rita Payés, trombonista y cantante de jazz nacida en 1999. Salió como single en 2021 y forma parte del álbum "A tope amb la vida". La firman Josep Montero, líder del grupo, y la propia Rita. En 2022 ganó el premio Enderrock a la mejor canción.

Curiosidades: la portada del disco muestra a los miembros del grupo convertidos en ancianos, un guiño a los más castigados por la pandemia. La canción también sonó en la película de Netflix "A través de mi ventana: Mirándote a ti". Y en directo era un momento de abrazos y lágrimas, hasta el punto de que hay quien recuerda la primera nota como una explosión de emoción colectiva.

Oques Grasses se formó en Osona en 2010 y fue uno de los grupos más grandes de la música catalana. En noviembre de 2025 anunciaron su disolución, y esta semana se han despedido con cuatro conciertos en el Estadi Olímpic de Barcelona. El de hoy, 10 de octubre de 2026, ha sido el último, poniendo punto final a 16 años de carrera. Una canción que habla de despedidas y de agradecer lo vivido no podía ser más oportuna para el día de hoy.

Significado de la letra: es una canción de amor y memoria. Habla de cargar con las palabras de alguien que ya no está, o que ya no es lo mismo, y de querer mucho y tener miedo a la vez. Entre las dudas y el "que todo se vaya a la mierda", acaba en una idea optimista: vivimos entre el milagro y el desastre, y seguir aquí ya es una suerte.

Letra: 

Porto amb mi les coses que em vas dir

El teu amor, el meu verí

Una part de tu em floreix a dins

El meu amor, el meu destí

Sóc feliç

Prop del perill

Només sóc com un desig

Com un desig

Queda amor

En aquest món

I t'estimo molt

I t'estimo molt

I també tinc por

Sempre porto un tros d'ahir

I un altre cop m'escapo

I un altre cop m'escapo

Sempre porto un tros d'ahir

I un altre cop m'escapo

Van plorant els núvols grisos

I ens fan enyorar el bon temps

El record del quе vam ser

Que tot se'n vagi a la mеrda

Eh-eh-eh

Recordo que t'ho vaig dir

Que seria millor així

No sé res però m'ho vull creure

Que al final sé decidir

Si en el fons som la veritat

De tot el que ens ha passat

Som la sort de seguir aquí

Tan estrany I tan bonic

Entre el miracle I el desastre és on vivim

Cel de llums per fer-te feliç

Brilla la nit I ho fa per tu perquè ets aquí

Tan estrany I tan bonic

Entre el miracle I el desastre és on vivim

Cel de llums per fer-te feliç

Brilla la nit I ho fa per tu perquè ets aquí

Segur que sí

Sempre porto un tros d'ahir

I un altre cop m'escapo

I un altre cop m'escapo

Sempre porto un tros d'ahir

I un altre cop m'escapo

I un altre cop m'escapo

Van Der Graaf Generator - Refugees

"Refugees" abrió la cara más melancólica de Van Der Graaf Generator. Aparece en el álbum "The Least We Can Do Is Wave to Each Other" (1970), el segundo de la banda y el primero en el que suenan con personalidad propia. La compuso Peter Hammill, y la flauta de David Jackson le da un aire frágil que contrasta con la fama de oscuros y densos que tenían.

Curiosidades:

- Mike y Susie, los que salen en la letra, son Mike McLean y la actriz Susan Penhaligon. Hammill compartió piso con ellos seis meses y, cuando llegó el momento de separarse, escribió la canción.

- Se convirtió en una de las canciones más emblemáticas del grupo. La han tocado en directo mil veces, tanto ellos como Hammill en solitario.

- Robert Fripp llegó a comparar a Hammill con Hendrix, pero cantando. Y a los punks británicos, que odiaban casi todo el rock progresivo, esta banda les caía bien.

Significado de la letra: empieza recorriendo los puntos cardinales como etapas de una vida: el norte frío, el sur seco, el este luminoso. Acaba en el oeste, que es el lugar del reencuentro con los amigos, el hogar y el final del camino. Hammill empezó hablando de la nostalgia de una mudanza y terminó hablando de algo más grande. Lo resumió él mismo: todos somos refugiados y no hay más hogar que la esperanza.

Videoclip (promo de 1970, versión single): 

Versión: ese mismo año salió una versión single, más corta (5:24) y con cuerdas y clavicémbalo en la segunda mitad. Suena más solemne que la del álbum, aunque hay quien la encuentra algo sobrecargada. Aquí el audio: 

Letra: 

North was somewhere years ago and cold:

Ice locked the people's hearts and made them old.

South was birth to pleasant lands, but dry:

I walked the waters' depths and played my mind.

East was dawn, coming alive in the golden sun:

The winds came, gently, several heads became one

In the summertime, though August people sneered;

We were at peace, and we cheered.

We walked alone, sometimes hand in hand,

Between the thin lines marking sea and sand;

Smiling very peacefully,

We began to notice that we could be free,

And we moved together to the West.

West is where all days will someday end;

Where the colours turn from grey to gold,

And you can be with the friends.

And light flakes the golden clouds above all;

West is Mike and Susie,

West is where I love.

There we shall spend our final days of our lives;

Tell the same old stories: yeah well,

At least we tried.

Into the West, smiles on our faces, we'll go;

Oh, yes, and our apologies to those

Who'll never really know the way.

We're refugees, walking away from the life

That we've known and loved;

Nothing to do or say, nowhere to stay;

Now we are alone.

We're refugees, carrying all we own

In brown bags, tied up with string;

Nothing to think, it doesn't mean a thing,

But we'll be happy on our own.

West is Mike and Susie;

West is where I love,

West is refugees' home.

Niña de Antequera - Con los bracitos en cruz

Hoy toca copla de las que encogen el corazón. "Con los bracitos en cruz" es una nana-bolero compuesta por Manuel Naranjo, José Alfonso Sánchez y Andrés Molina Moles. La versión que más suena de la Niña de Antequera figura fechada en 1964.

María Barrús Martínez, que es el nombre real de la Niña de Antequera, nació en 1921. Aunque tomó el apodo de Antequera, se crió en Jaén y empezó a cantar con doce años. Fue cancionista y cantaora, y llegó a recibir en Madrid la Banda del Estrellato. Murió en 1972 en un accidente de tráfico en Sevilla.

La letra la canta una madre soltera a su bebé mientras duerme. Le promete cariño y le pide que la quiera aunque la gente murmure. Asume la culpa de que el niño no tenga el apellido del padre y jura que irá a buscarlo, "con los bracitos en cruz", como quien suplica. El tema retrata el estigma social de las madres solteras de la época y la condena que pesaba sobre ellas.

Versiones: la canción ha tenido una segunda vida gracias a Antonio Cortés, que la grabó en su disco "Lo que a mí me está pasando" (2010), el que salió tras su paso por "Se Llama Copla" y que llegó a disco de oro. Según un blog especializado en copla, en su interpretación aparece también una nana popular rumana. También la ha cantado Antoñita Peñuela.

Enlace (Niña de Antequera): 

Versión de Antonio Cortés: 

Letra: 

Cubierto en blancos pañales

Mi niño duerme en su cuna

Mientras besan los cristales

Los rayitos de la luna

A la nanita mi niño

No llores ni tengas pena

Yo te daré mi cariño

Porque soy una mare buena

Si tienes un apellío

La culpa es mía na má

Porque perdí mi sentío

Una pura madrugá

Déjame que ponga un beso en tu frente

Quiéreme aunque murmure la gente

Yo te he llevao en mis entrañas

Te di sangre de mis venas

Dime tú a mí, rey de España

Si no es grande mi condena

Con los bracitos en cruz

Iré a buscar a tu padre

Lo juro por mi salud

Pa que siempre sepas tú

Lo buena que es una mare.

El Pony Pisador - Dolores

"Dolores" es el tema que abre el disco "Matricular una galera" (2019), el segundo álbum de El Pony Pisador, un grupo de folk de Barcelona que mezcla música celta, shanties marineras y mucho humor. Es una pieza instrumental de más de seis minutos que enlaza tres jigs tradicionales irlandeses: "Calliope House", "When The Cock Crows It Is Day" y "Up Leitrim".

El título es un homenaje a Dolores, la madre de Ramon, uno de los miembros del grupo. Les dejó ensayar en su casa durante tres años y fue muy amable con ellos, y la banda hace extensivo el agradecimiento a las familias de todos, que también los aguantaron ensayando. Con el tema quisieron mostrar su amor por la música celta y contar musicalmente la historia del grupo: empiezan Adrià y Ramon, enseguida se suma Guillem con el banjo y los tres tocan juntos la melodía del primer jig. El videoclip lo grabó y montó Adrià González, "Pintamones".

Curiosidades del grupo: el nombre sale de la posada "El Pony Pisador" (The Prancing Pony), en el pueblo de Bree de "El Señor de los Anillos". La idea de montar la banda se les ocurrió a Ramon y Adrià en el bachillerato, y al principio imaginaban tocar "música para fiestas de hobbits". Cantan sobre todo en inglés y catalán, y nunca han ido al mar de verdad.

Otra anécdota: en 2025 el grupo denunció en redes que una banda británica, The Old Time Sailors, había publicado un tema llamado también "Dolores" que sonaba, según ellos, nota por nota igual que el suyo. Decían que solo habían cambiado un poco el tempo y añadido instrumentos, sin acreditarles. Además de este tema, denunciaban parecidos con otros del repertorio y con su forma de actuar en directo.

Bad Omens - Like a Villain

"Like a Villain" es el sexto tema de "The Death of Peace of Mind" (2022), el tercer álbum de Bad Omens, publicado por Sumerian Records. Se estrenó como sencillo el 19 de enero de 2022, más de un mes antes del disco. El videoclip llegó el 2 de febrero.

Es una canción de contrastes: estrofas de voz limpia y atmosférica, un bajo con mucho groove, un estribillo muy emo y un final con un breakdown distorsionado. Es una buena muestra de cómo mezclan metalcore, rock alternativo y electrónica.

Curiosidades sobre el grupo:

- Se formaron en 2015 en Richmond (Virginia), aunque hoy se les asocia con Los Ángeles.

- El nombre "Bad Omens" iba a ser el título de una de sus primeras canciones, que acabó llamándose "Glass Houses".

- Con este álbum, su vocalista Noah Sebastian dijo que se sintió libre como artista, porque escribió sin pensar en lo que se esperaba de ellos.

Significado de la letra: habla de alguien al que otra persona le ha colgado la etiqueta de "malo" para tener dónde descargar su dolor y empezar de cero. El narrador se niega a aceptar ese papel con la idea de "no necesité ser el villano, el papel me necesitó a mí". Es una canción sobre relaciones tóxicas y sobre cómo la culpa se reparte de forma injusta.

Hay una versión en directo de 2024 que también vale la pena escuchar, para ver cómo suena con más crudeza.

Letra: 

Look into my face, then look again

We are not the same, we're different

To tell your tales and fables, you couldn't wait

You need a new clean slate without the dents

A place to put your pain, your consequence

When you look into the mirror, are you even there?

I don't wanna know all your secrets 'cause I'll tell

It's hard enough being alone with myself

I don't know how long I'll be holding on

I know you tried your hardest, I know that you meant well

But you pushed me to the edge and I slipped, and then I fell

I don't know how long I'll be holding on

So write a brand-new page, then write again

I know your act is staged yet you pretend

All while you're turning tables with missing legs

I think you've overstayed your welcome in

So go the fuck away, don't come again

I'll see your face in the fire and burn it out

I don't wanna know all your secrets 'cause I'll tell

It's hard enough being alone with myself

I don't know how long I'll be holding on

I know you tried your hardest, I know that you meant well

But you pushed me to the edge and I slipped, and then I fell

I don't know how long I'll be holding on

Like a villain, I couldn't be

I didn't need it, it needed me

Like a villain, I couldn't be

I didn't need it, it needed me

I didn't need it, it needed me

I don't wanna know all your secrets 'cause I'll tell

It's hard enough being alone with myself

I don't know how long I'll be holding on

I know you tried your hardest, I know that you meant well

But you pushed me to the edge and I slipped, and then I fell

I don't know how long I'll be holding on

I didn't need it, it needed me

Milo J - Cuando el agua hirviendo

"Cuando el agua hirviendo" es el segundo tema de "La vida era más corta", el tercer álbum en solitario de Milo J, publicado el 25 de septiembre de 2025 por Sony Music Latin. El disco tiene 15 canciones y lo produjo el propio Milo junto a Tatool y Santiago Alvarado. Mezcla trap con folclore argentino, tango y electrónica, y cuenta con invitados como Mercedes Sosa, Silvio Rodríguez, Trueno, Soledad Pastorutti y Cuti y Roberto Carabajal.

Curiosidades:

Milo J se llama en realidad Camilo Joaquín Villarruel, es de Morón y tenía solo 18 años cuando sacó este disco. Lo cumplió siendo ya uno de los nombres más grandes del trap argentino, y poco después se convirtió en el artista más joven en llenar el estadio de Vélez.

La canción no es un trap al uso. Tiene una base rítmica alegre y unos coros de estilo murguero que, según la crítica, recuerdan a Agarrate Catalina, la murga uruguaya que aparece en los créditos del álbum.

Dura 2:56 y no tiene videoclip como tal. El álbum se acompañó de visualizers grabados en un único plano secuencia, y este es uno de ellos.

De qué va:

Es una canción sobre el arrepentimiento y la soledad. Habla de ese momento en que ya no te duele lo que antes quemaba, en que miras atrás y ves lo tonto que fuiste y lo equivocado que sigues estando. Hay una persona que fue feliz sin darse cuenta de que nada dura para siempre, y que ahora vive con miedo a volver a amar. En la segunda parte Milo da el giro y habla en primera persona, admitiendo que siente el malestar de querer ser alguien que ya no está. Ahí encuentra el "porqué" de su soledad.

Letra: 

Cuando el agua hirviendo no queme más

Y seas esclavo de tu historial

Cuando te sinceres con esas lágrimas mal tiradas

Cuando suene raro escuchar un sí

Y pidas al tiempo volver atrás

Cuando veas las páginas no leídas que están pasadas

Cuando veas lo tonto que fuiste ayer

Y lo equivocado que aún estás

Fuiste tan feliz que no comprendiste que no es por siempre

Solo estás y solo aprendiste a estar

Por vivir con miedo a volver a amar

Ojalá te quieran como quisiste

Tres golpes, tres golpes, tres golpes no más

Y al son de la Villa Nueva, tres golpes no más

Tres golpes, tres golpes, tres golpes no más

Y al son de la Villa Nueva, tres golpes no más

Ahora estoy sintiendo ese malestar

De querer ser alguien que ya no está

Justo ahí es el cuándo de mi porqué

Y ese es el porqué de mi soledad

Dando pasos cortos hacia el altar

Pero pasos largos a progresar

En el juego sucio de ser feliz sin sufrir el doble

Solo estás y solo aprendiste a estar

Por vivir con miedo a volver a amar

Ojalá te quieran como quisiste

Qué mal se debe estar vivo pa que el fin no nos asuste

No encuentro un puto velero en el camino de las luces

Sigo enojado conmigo, estoy malauguriando con el cuerpo de otra gente

Por los rincones oscuros del camino de las luces

Tres golpes, tres golpes, tres golpes no más (ayudame con esto)

Y al son de la Villa Nueva, tres golpes no más (no me des más consejos)

Tres golpes, tres golpes, tres golpes no más (miro el peso del tiempo)

Y al son de la Villa Nueva, tres golpes no más

Cuando el agua hirviendo no queme más

Y seas esclavo de tu historial

Cuando te sinceres con esas lágrimas mal tiradas

Solo estás y solo aprendiste a estar

Por vivir con miedo a volver a amar

Ojalá te quieran

Izal - Pausa

"Pausa" es el segundo adelanto de "Autoterapia", el cuarto álbum de Izal, que salió el 9 de marzo de 2018. Fue el último tema que compusieron para el disco y la apuesta es el "menos es más": muy pocos elementos y un ritmo lento. De hecho, se considera probablemente la canción más lenta de su discografía.

Curiosidades:

- El videoclip se estrenó el 23 de febrero de 2018 y lo protagoniza la patinadora olímpica Sonia Lafuente, que hace una exhibición de patinaje artístico en un único plano secuencia, sin cortes.

- Lo dirigieron Ángela y Manu Notario, de AfterliVe.

- Entró en tendencias de YouTube el día de su estreno y superó las 200.000 reproducciones en pocos días.

- El grupo, madrileño y con Mikel Izal al frente, hoy ya es historia, y "Pausa" sigue siendo una de sus canciones más recordadas.

Significado de la letra: habla de las ganas de detener el tiempo, de tomarse un respiro del ruido y de la prisa, y de quedarse en un momento concreto con alguien. Es una canción de calma y de emoción contenida, abierta a que cada oyente la lleve a su terreno.

Videoclip: 

Hay una versión que merece la pena, la grabada en los "Estudios Reno" de Madrid. Es más íntima y desnuda, y funciona muy bien con la canción: 

Letra: 

Yo solo pido pausa y tú me das ojos de huracán

Yo solo pido calma y tú haces espuma el agua del mar

Solo pido silencio y gritas que no digo la verdad

¿Tú qué sabrás?

Si despiertas lejos de esta casa

¿Tú qué sabrás?

Si no vives dentro de esta jaula

Yo solo quiero pausa (tú, rebobinar)

Yo solo busco un ritmo lento, tú velocidad

Yo solo pido una dulce mentira, tú toda la verdad

¿Tú qué sabrás?

Si despiertas lejos de esta casa

¿Y tú qué sabrás?

Si no vives dentro de esta jaula

¿Tú qué sabrás?

Si nunca nadaste en mis entrañas

¿Tú qué sabrás?

Si no vives dentro de esta jaula

Falling In Reverse - The Drug in Me Is Reimagined

Versión reimaginada de "The Drug in Me Is You", el tema que da nombre al álbum debut de Falling In Reverse, publicado en 2011 por Epitaph Records. Se lanzó el 13 de febrero de 2020 para celebrar que el disco alcanzó el disco de oro en Estados Unidos. Aquí Ronnie Radke cambia el post-hardcore por un piano y cuerdas, y la canción va creciendo hasta un final explosivo.

Ronnie dijo que no la hizo para ganar fans nuevos, sino para los de siempre. Quería desnudar la música para que se notara lo crudas que son las letras. Y funciona: sin las guitarras, la voz queda totalmente expuesta.

Una curiosidad: Falling In Reverse nació tras la salida de Ronnie de Escape the Fate y después de pasar por la cárcel, algo que marcó la etapa de este primer disco. Repitió la jugada en 2021 con "I'm Not a Vampire (Revamped)", otra revisión de un tema del mismo álbum, con un videoclip de estética gótica.

Significado de la letra: habla de una relación tóxica y de la adicción. La otra persona funciona como una droga: te hace daño, lo sabes y aun así no puedes dejarla. En esta versión suena más a confesión y menos a rabia.

Letra: 

I heard a knock upon my door the other day

I opened it to find death staring in my face

The feel of mortal stalking still reverberates

Everywhere I go, I drag this coffin just in case

My body's trembling, sends shivers down my spine

Adrenaline kicks in, shifts into overdrive

Your secrets keep you sick, your lies keep you alive

Snake eyes every single time you roll with crooked dice

I felt the darkness as it tried to pull me down

The kind of dark that haunts a hundred-year-old house

I wrestle with my thoughts, I shook the hand of doubt

Running from my past, I'm praying, "Feet, don't fail me now"

I've lost my goddamn mind, it happens all the time

I can't believe I'm actually meant to be here

Trying to consume, the drug in me is you

And I'm so high on misery, can't you see?

I've got these questions always running through my head

So many things that I would like to understand

If we are born to die and we all die to live

Then what's the point of living life if it just contradicts?

I felt the darkness as it tried to pull me down

The kind of dark that haunts a hundred-year-old house

I wrestle with my thoughts, I shook the hand of doubt

Running from my past, I'm praying, "Feet, don't fail me now"

I've lost my goddamn mind, it happens all the time

I can't believe I'm actually meant to be here

Trying to consume, the drug in me is you

And I'm so high on misery, can't you see?

I've lost myself

You tried to reach me, but you just can't help me

So long, goodbye

You tried to save me, it won't work this time 'cause now

I've lost my fucking mind, and there's no fucking time

I can't believe I'm actually meant to be here

Trying to consume, the drug in me is you

And I'm so high on misery, can't you see?

Can't you see?

Can't you see?

Can't you, can't you, can't you see?

Can't you see?