Olivia Newton-John - Physical

"Physical" es el tema que definió el año 1981. Escrita por Steve Kipner y Terry Shaddick, en realidad estaba pensada para una voz masculina "macho", como la de Rod Stewart, e incluso se le ofreció antes a Tina Turner a través de su representante Roger Davies. Cuando el mánager de Olivia escuchó la maqueta por casualidad, se la envió directamente a ella, que se enamoró de la canción sin saber que no había sido escrita pensando en una mujer.

El single se convirtió en el más exitoso de toda la década de los 80 en Estados Unidos: pasó diez semanas consecutivas en el número 1 del Billboard Hot 100, empatando entonces el récord histórico. El solo de guitarra corre a cargo de Steve Lukather, guitarrista fundador de Toto.

La letra, con frases como "there's nothing left to talk about, unless it's horizontally", resultó tan explícita para la época que varias emisoras de radio y la recién nacida MTV censuraron o directamente prohibieron el tema. Cuentan que la propia Olivia, preocupada por lo atrevido del contenido, pidió que se retirara el single justo cuando ya arrasaba en las listas; en la discográfica le dijeron que era demasiado tarde.

Para suavizar el mensaje, el videoclip (dirigido por Brian Grant) apostó por el humor: Olivia interpreta a una monitora de gimnasio que intenta poner en forma a un grupo de hombres con sobrepeso. Al final, dos de esos hombres se marchan juntos de la mano, dando a entender que son pareja, uno de los primeros guiños gais en un videoclip mainstream. Aquel vídeo, que coincidió con el nacimiento de MTV y con la explosión de la moda del aeróbic (diademas y mallas incluidas), ganó el Grammy al Vídeo del Año en 1982.

En cuanto al significado, la letra juega con el doble sentido de "physical": aparentemente habla de ponerse en forma en el gimnasio, pero en realidad es una invitación directa al sexo, disfrazada bajo el lenguaje del ejercicio físico.

Letra: 

I'm saying all the things that I know you'll like

Making good conversation

I gotta handle you just right

You know what I mean

I took you to an intimate restaurant

Then to a suggestive movie

There's nothing left to talk about

Unless it's horizontally

Let's get physical, physical

I wanna get physical

Let's get into physical

Let me hear your body talk, your body talk

Let me hear your body talk

Let's get physical, physical

I wanna get physical

Let's get into physical

Let me hear your body talk, your body talk

Let me hear your body talk

I've been patient, I've been good

Tried to keep my hands on the table

It's gettin' hard, this holdin' back

You know what I mean

I'm sure you'll understand my point of view

We know each other mentally

You gotta know that you're bringin' out

The animal in me

Let's get physical, physical

I wanna get physical

Let's get into physical

Let me hear your body talk, your body talk

Let me hear your body talk

Let's get physical, physical

I wanna get physical

Let's get into physical

Let me hear your body talk, your body talk

Let me hear your body talk, ah

Oh, let's get physical, physical

I wanna get physical

Let's get into physical

Let me hear your body talk, your body talk

Let me hear your body talk

Let's get animal, animal

I wanna get animal

Let's get into animal

Let me hear your body talk, your body talk

Let me hear your body talk, ah-ah

Let me hear your body talk (Your body talk)

Let me hear your body talk

Clive Nolan - The Woman from Varteig

Clive Nolan es un músico, compositor y productor británico, pieza clave del rock progresivo desde los años 80. Ha sido teclista habitual de Pendragon y Arena, y también ha escrito varios musicales de rock ("She", "Alchemy", "King's Ransom", "The Mortal Light"). "The Woman from Varteig" es el segundo tema de su nuevo álbum conceptual "Song of the Winter Throne - The Saga of Håkon Håkonsson", que sale el 2 de octubre de 2026 y que narra la vida del rey noruego medieval Håkon Håkonsson.

Curiosidad: no es la primera vez que Nolan se mete en la piel de los vikingos. En 2021 ya publicó "Song of the Wildlands", basado en el poema anglosajón Beowulf. Con este nuevo disco continúa su fascinación por las sagas nórdicas, combinando rock progresivo, folk escandinavo, orquesta y coro.

Significado de la letra: la canción está dedicada a Inga de Varteig, una mujer noruega del siglo XIII que mantuvo una relación con el rey Håkon III. Tras la muerte repentina del rey, Inga dio a luz en secreto a un hijo, Håkon Håkonsson, al que reclamó como heredero legítimo del trono. Su testimonio y el apoyo de los birkebeiner (una facción política noruega) fueron claves para que, años después, ese niño acabara siendo coronado rey. La canción retrata precisamente esa figura: una mujer humilde que, con su valentía, cambió el destino de Noruega.

Hermanos Gutiérrez - El Mar

"El Mar" es el séptimo tema de "8 Años", el disco debut de los hermanos, publicado en enero de 2017. Es una pieza instrumental de 2 minutos y 55 segundos, en tono menor y a 87 BPM. Hoy la encuentras también en plataformas dentro de "Eternamente", con fecha de 2021. 

Hermanos Gutiérrez son Alejandro (guitarra y lap steel) y Estevan (guitarra y percusión), dos hermanos ecuatoriano-suizos que formaron el dúo en Zúrich en 2015. Crecieron en Suiza con madre ecuatoriana y padre suizo, y visitaban a su familia en Playas, Ecuador. Estevan además es surfista. Nadie lo confirma, pero es difícil no pensar en esa costa al escuchar un tema llamado "El Mar". 

Otra curiosidad: el grupo nació de una jam en el apartamento de Alejandro en Zúrich. Años después llegarían a Easy Eye Sound, el sello de Dan Auerbach, con "El Bueno y el Malo" (2022) y "Sonido Cósmico" (2024). Y ahora preparan nuevo disco, "Los Ojos del Cóndor", que sale el 25 de septiembre de 2026. 

Como no tiene letra, todo lo cuenta la guitarra: un tema lento y melancólico, con esa calma inquieta del mar en calma antes de moverse.

Cameron Whitcomb - Kingdom of Fear

Cameron Whitcomb es un cantautor canadiense de 23 años, nacido en Peace River (Alberta) y criado en Nanaimo, en la isla de Vancouver. Mezcla country, folk y rock con un estilo crudo y canciones sobre adicciones, salud mental y relaciones rotas. Su álbum debut, "The Hard Way" (2025), le valió un Juno a mejor álbum country en 2026.

"Kingdom of Fear" salió el 27 de marzo de 2026 como adelanto del EP "Deep Water". La escribió en su casa de Nanaimo con Jack Riley (que también la produjo) y Nolan Sipe, y la terminó en Nashville con Cal Shapiro. Se ha convertido en su mayor éxito: entró por primera vez en el Billboard Hot 100 de EE. UU. y llegó al puesto 3 en el Canadian Hot 100.

Curiosidad: el título no tiene nada que ver con la letra. Lo sacó de un libro de Hunter S. Thompson que estaba leyendo, "Kingdom of Fear", porque le parecía un título genial. Él mismo lo cuenta así: todos vivimos un poco en un reino del miedo, sea por ansiedad, depresión o lo que sea.

El videoclip es un desastre encadenado: un viaje por carretera que se tuerce con un atraco a una gasolinera de por medio, mientras Cameron mantiene una calma casi cómica. Es un reflejo de la idea de la canción: todo se cae a pedazos y aun así hay que seguir adelante.

Significado de la letra: el protagonista dice que está genial cuando le preguntan, pero por dentro no lo está. Vive asustado, evitando mirarse al espejo, y se ha ido construyendo muros demasiado altos. No quiere ser una carga para nadie ni ser el que llama cuando lo está pasando mal, así que se muerde la lengua y finge que todo va bien. Habla de ansiedad, salud mental y sobriedad sin dramatismos.

Letra:

I'll show you what you need to see and nothing more

At least I got the decency to shut the door

You said that you want all of me, but I know you're a liar

Every time I let you in, I start to hear them tires

In the middle of the night, in the back of my mind

Like a chill running down my neck

So I bite my tongue and I lie in self-defense

Ask me how I've been, I'll say I'm great

But under my skin, I'm not okay

Honey, I've been scared to death, looking in the mirror

Just another day in the kingdom of fear

Ask me how it goes, I'll say I'm fine

But if you look close, I ain't doing alright

Honey, I've been scared to death, wipe away the tears

Just another day in the kingdom of fear

The kingdom of fear

Maybe I've been building walls too high to climb

I hope you know it's not your fault, it's by design

I know I've been a lot of things, but I won't be a burden

I won't be that person that calls you when I'm hurting

In the middle of the night, in the back of my mind

Like a chill running down my neck

So I bite my tongue and I lie in self-defense

Ask me how I've been, I'll say I'm great

But under my skin, I'm not okay

Honey, I've been scared to death, looking in the mirror

Just another day in the kingdom of fear

Ask me how it goes, I'll say I'm fine

But if you look close, I ain't doing alright

Honey, I've been scared to death, wipe away the tears

Just another day in the kingdom of fear

Oh, I've been hurting worse than bad

I need someone who's got my back

Oh, I've been hurting worse than bad

I need someone, but if you

Ask me how I've been, I'll say I'm great

But under my skin, I'm not okay

Honey, I've been scared to death, looking in the mirror

Just another day in the kingdom of fear

Ask me how it goes, I'll say I'm fine

But if you look close, I ain't doing alright

Honey, I've been scared to death, wipe away the tears

Just another day in the kingdom of fear

The kingdom of fear

Falling In Reverse - Joseph

"Joseph" es el single que Falling In Reverse lanzó el 14 de septiembre de 2026 vía Epitaph Records, y viene con un notición: reúne por primera vez en una misma canción a Corey Taylor (Slipknot) y Serj Tankian (System Of A Down), junto al líder de la banda, Ronnie Radke.

El título no es casualidad: "Joseph" es el segundo nombre de Radke. El tema mezcla pasajes de piano más íntimos con riffs explosivos y texturas electrónicas, pasando por varios cambios de registro. Corey Taylor aporta sus gritos rápidos y agresivos marca de la casa (incluso aparece con su máscara de Slipknot en el videoclip), mientras que Serj Tankian entra en la parte más melódica, con ese toque característico de System Of A Down.

Es la tercera colaboración de peso que sacan tras el álbum "Popular Monster" (2024), después de "God Is A Weapon" con Marilyn Manson y "All My Life" con Jelly Roll. El videoclip, dirigido por Jensen Noen, es puro cine: Radke convertido en una especie de héroe de acción enfrentándose a esqueletos y demonios, con Taylor y Tankian metidos también en la trama.

Sobre el significado: la letra habla de la muerte y el miedo a lo que viene después, con imágenes de guerra y destrucción de fondo ("nos dicen que iremos al infierno por la eternidad mientras lanzan sus bombas desde máquinas de guerra"). Hay un contraste entre el deseo de aceptar el final ("no hay nada mejor que la sensación de la eternidad") y el rechazo instintivo a morir ("no quiero ir al cielo, no quiero ver...").

Letra: 

They say we’re all going to hell for eternity 

While they drop their bombs on us from their war machines 

Are you ready to die? 

Are you ready to bleed for me? 

And now we’re out of time 

There is nothing better 

Than the feeling of forever 

When your body decomposes 

And lighter than a feather 

And you pray

“I don’t wanna go”

He don’t wanna die 

I don’t wanna go to heaven 

I don’t wanna see the light 

(Welcome to end of the road you fucking degenerate pieces of shit) 

Fuck the world with loaded gun 

Shots ring out everybody better duck 

Blame it on bad luck 

(Do do do)

Watch the bodies drop 

Now you're own your own 

It’s social suicide  

Breaking down the walls 

Stand tall my friend we will meet again 

You were meant to live for so much more 

I’m so sick and tired of the way we’re livin'

We’re bombing schools just to build a prison 

Shoot to kill in a crowded lot 

One by one till the bodies drop 

Now you're own your own 

This bullet knows your name 

Breaking down the walls 

And you cannot escape your fate 

So what the fuck are you gonna do?

War, pride 

Blood was spilled 

Genocide 

Hope 

All gone 

But no matter what it is not enough for them 

Repeat the cycle 

Bless the martyr 

Love thy neighbor 

Kill your father 

Repeat the cycle 

Kill your idols 

Love thy neighbor 

Repeat the cycle now

Free - Wishing Well

Free fue una banda británica de blues rock formada en Londres en 1968, con Paul Rodgers a la voz y Paul Kossoff a la guitarra como sus grandes estandartes. "Wishing Well" se publicó como single en diciembre de 1972 y forma parte de Heartbreaker, el sexto y último disco de estudio del grupo. Llegó al puesto 7 de las listas británicas, siendo su último gran éxito antes de la disolución de la banda en 1973.

La canción se grabó en un momento delicado: el bajista Andy Fraser acababa de dejar el grupo y Kossoff arrastraba una fuerte adicción que le impidió participar en la gira posterior (fue sustituido por Wendell Richardson). Precisamente por eso, "Wishing Well" aparece firmada por los cinco miembros de la banda como gesto simbólico, algo poco habitual en su catálogo.

Sobre el significado de la letra corrió mucho rumor: muchos la interpretaron como un mensaje dirigido al propio Kossoff y su adicción. Sin embargo, Rodgers, autor de la letra, lo negó en su día, asegurando que era "una canción sobre un personaje imaginario", aunque más adelante reconoció que, sin buscarlo, podía estar inspirada en gente que conocía. La imagen del "wishing well" (el pozo de los deseos) funciona como metáfora de alguien con "un pie en la tumba", atrapado en una espiral autodestructiva de la que un amigo intenta sacarlo.

Merece la pena mencionar la versión que grabó la banda de southern rock Blackfoot a finales de los 70, bastante fiel al espíritu del original pero con un punto más crudo.

Letra:

Take off your hat

Kick off your shoes,

I know you ain't going anywhere.

Run 'round the town

Singing your blues

I know you ain't going anywhere.

You have always been

A good friend of mine

But you're always saying farewell

And the only time that you are satisfied

Is with your feet in the wishing well.

Throw down your gun

You might shoot yourself,

Or is that what you are tryin' to do,

Put up a fight

You believe to be right

And someday the sun will shine through.

You have always got

Something to hide

Something you just can't tell

And the only time that you are satisfied

Is with your feet in the wishing well.

Oh!

But I know what you're wishing for

Love and a peaceful world

Yeah

Love and a peaceful world

Oh! Yeah

Love and a peaceful world

You have always been

A good friend of mine

But you're always saying farewell

And the only time that you are satisfied

Is with your feet in the wishing....well.

Yes

I wish you well

I wish you well

Everybody has a wish

Everybody has a dream

I wish you well.

Phil Collins - In the Air Tonight

"In the Air Tonight" fue el primer single de Phil Collins como solista, incluido en su álbum debut "Face Value" (1981), producido junto a Hugh Padgham. Llegó al número 2 en las listas británicas y al número 1 en países como Alemania, Austria, Suecia y Suiza.

La canción nació tras el divorcio de Collins de su primera esposa, Andrea Bertorelli. El propio Collins ha contado que escribió la letra de forma completamente espontánea, sin saber muy bien de qué trataba, aunque reconoce que refleja la rabia, la frustración y el desconcierto que sentía en ese momento.

Alrededor del tema circula una famosa leyenda urbana: que Collins presenció cómo alguien se ahogaba sin poder ayudarle, y que años después habría localizado a esa persona para cantarle la canción en directo. El propio artista ha desmentido esta historia en numerosas ocasiones, calificándola de pura invención.

El famoso break de batería que aparece a mitad de canción, con ese sonido tan característico logrado gracias al "gated reverb", se convirtió en uno de los momentos más reconocibles de la música pop de los 80 y ha sido imitado y sampleado infinidad de veces.

Sobre el significado de la letra: habla de una espera larga y cargada de tensión hacia un momento decisivo, casi como un ajuste de cuentas. El narrador se dirige a alguien que le ha traicionado o mentido, dejando claro que ya no está dispuesto a ayudarle ("Well, if you told me you were drowning, I would not lend a hand"). Es la cara más amarga y airada de una ruptura.

Una versión destacable es la que interpretó en solitario, a piano y voz, en el Live Aid de 1985.

Letra:

I can feel it coming in the air tonight, oh Lord

I've been waiting for this moment all my life, oh Lord

Can you feel it coming in the air tonight, oh Lord

Oh Lord

Well, if you told me you were drowning

I would not lend a hand

I've seen your face before, my friend

But I don't know if you know who I am

Well, I was there and I saw what you did

I saw it with my own two eyes

So you can wipe off the grin, I know where you've been

It's all been a pack of lies

I can feel it coming in the air tonight, oh Lord

I've been waiting for this moment for all my life, oh Lord

Can you feel it coming in the air tonight, oh Lord

I've been waiting for this moment for all my life, oh Lord

Oh Lord

Well, I remember, I remember to my way

How could I ever forget the first time?

The last time we ever met

But I know the reason why you keep your silence up

No, you don't fool me

The hurt doesn't show, but the pain still grows

It's no stranger to you or me

I can feel it coming in the air tonight, oh Lord

I've been waiting for this moment for all my life, oh Lord

Can you feel it coming in the air tonight, oh Lord

I've been waiting for this moment for all my life, oh Lord

Oh Lord

Steven Wilson - Requiem for a Village

"Requiem for a Village" es el tema que da título al noveno álbum de estudio de Steven Wilson, que se publicará el 6 de noviembre de 2026 a través de Fiction Records. Tras The Overview (2025), donde exploraba la inmensidad del espacio, aquí Wilson da un giro radical de escala: se encierra en un pueblo ficticio, fuera del tiempo y del lugar, llamado Larkstone.

La canción dura casi ocho minutos y arranca como un aluvión de baterías, bajo insistente y guitarras ásperas, hasta desembocar en algo parecido a la banda sonora de un apocalipsis. El disco entero está narrado por el actor David Tennant (conocido por Doctor Who), con textos escritos junto a Andy Partridge, de XTC.

Una curiosidad: para grabar el álbum, Wilson decidió renunciar a la inteligencia artificial y a las correcciones digitales de estudio, apostando por instrumentación orgánica —incluso con sus imperfecciones— y aprendiendo a tocar instrumentos que no domina, como el violín o el oboe, dejando que el error formara parte del resultado. Le acompañan el multiinstrumentista Randy McStine, el batería Russell Holzman y la cantante Katherine Priddy.

El imaginario del disco bebe del hauntology británico: los cuadros de Stanley Spencer, los relatos de M. R. James y Algernon Blackwood, y la serie de culto Children of the Stones. Para promocionarlo, Wilson lanzó incluso una web ficticia con forma de página de ayuntamiento rural, la del propio Larkstone.

Sobre el significado: la narración describe un pueblo detenido en el tiempo, con piedras que "duermen como la gente calcificada a la sombra del campanario" y un día de mercado en el que el sol despierta a sus pálidos habitantes. Es una imagen de comunidad rural atrapada entre lo vivo y lo fosilizado, un lugar que parece resucitar solo a ratos.

Vídeo: 

Letra:

Born, never asked

Sun cuts through the fog, radiates in requiem

Tending the graves, six feet under with no mark except to rise and glance

Weekend love, kissing down by the cemetery

They rise and they dance with supremacy

They scream at the traffic on the motorway

Folklore making way for what's necessary

Did you dress like you've got some authority

I don't think you understand the severity

In the club where you lost your virginity

Now it's all just a question of paternity

They got kids vaping down by the nursery

Parents drown in helplessness and entropy

In the words of a man from the mental institution

Making movies for independent distribution

A trolley is standing at the edge of the seventies

Amount of people who can do just as they please

Behind the curtains of a boat collecting data buzzes

Swear to secrecy, the consequences of their surprises

Did you dress like you've got some authority

I don't think you understand the severity

In the club where you lost your virginity

Now it's all just a question of paternity

Living in the country, we're all fucked up

All dressed up like monkeys, we breed like dogs

We live in the past, we don't advance

Won't ever rest

So come with us

Living in the country, we're all fucked up

All dressed up like monkeys, we breed like dogs

We live in the past, we don't advance

Won't ever rest

So come with us

Lágrimas de Sangre - Huele

"Huele" pertenece a *Armónico Desorden* (2022), el cuarto álbum de Lágrimas de Sangre (LDS), grupo de rap combativo nacido en 2006 en el Maresme y Barcelona. Formados originalmente por Neidos, Microbio, Kaiz y Enigmah, con el tiempo el proyecto se ha consolidado con Neidos, Still Ill y Microbio a las voces, Acid Lemon en la producción y Ramón Anglada a la guitarra. Mezclan hip-hop con rock y reggae, alejándose del sonido más norteamericano del género, y se han ganado fama de banda de directo arrollador, con festivales como Viña Rock o el Cruïlla entre sus grandes citas.

"Armónico Desorden" salió el 25 de marzo de 2022 bajo Guspira Records, en plena consolidación de LDS como uno de los grupos de rap más sólidos del panorama estatal, con discos de oro y platino en su trayectoria.

Sobre la letra: "Huele" es una canción de crítica política directa, sin medias tintas. El tema arremete contra la extrema derecha y su normalización social: habla de discursos que confunden democracia con censura, de la manipulación mediática y de la superficialidad de ciertos personajes públicos. El estribillo, repetido a modo de mantra ("Huele a facha"), funciona como señalador: cualquier discurso que hable de libertad sin pensar en los demás, dicen, "huele a facha". Es un tema de denuncia social con la rabia y la ironía como herramientas.

Letra:

Huele a facha, huele a facha

Huele a facha, huele a facha

E-e-es la guerra a la estupidez ¿ves?

Desde siempre, es una y otra vez., Va

Una rojigualda implica desigualdad

Díselo a tu prima, que la cuelga en la fachada

Fachas cachas campan a sus anchas

Son formas de vida súper subdesarrolladas y aún están

Caminando entre nosotros como si se merecieran

El pan que comen o el aire que respiran

Hoy te dirán que en España hay democracia

Mañana que Valtonyc representa una amenaza

Su baza es que Cuba es el enemigo

Y la matanza en Gaza pues tan solo es un conflicto

Cayetano y TikTok cóctel vomitivo

Demasiadas pocas balas para tanto cretino

Y esto no lo digo para abanderar algo

Pero no vengas al bolo si no te ha quedado claro

Harto ando de tanto cuñado

Que asevera sin dudar lo que ha escuchado en Telecinco

Tanto asno que idolatra a Florentino

Ignorancia voluntaria como forma de fascismo

¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!

La agitación es necesaria

¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!

Protege el barrio y el amor que irradia

¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!

Poner barricadas, quitar las tapias

¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!

Y la música revolucionaria

Ay-ay-ay-hay gente que es tan mierda que mancha

Y vivir enfadado es tan cansado que acabas dándoles cancha

Pero cuando ellos campan a sus anchas

Empieza la violencia y al final un día te linchan

Te hablo de franquistas, fascistas, neonazis, falangistas

Machistas, catalanófobos y toda la ristra

Católico, apostólico y romano

Que te mete miedo apocalíptico antes de meterte mano

Y claro, claro que me rallo cuando veo que el problema es global

Te hablan de Venezuela, de Colombia ya tal

Y allí desaparece gente

Aquí pueden matarte a palos a los 24 años entre 13

No llaman odio a que te llamen maricón

Antes de asesinarte en plena calle sin razón

Odio es una canción, una de Pablo Hasél

Pero él pediría justicia para Samuel

Si pudieran matarían lo distinto

De acabarse lo distinto matarían al igualpor puro instinto

Y yo esto no lo hago para abanderar nada

Es que no quiero vivir como si no me importara y punto

Es mi rebote, digo: claro que noto el rebrote

Los ricos son más ricos, los pobres más pobres

Dejamos votar al que no quiere que se vote

Al cateto que te quiere someter sin que se note, joder

¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!

La agitación es necesaria

¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!

Protege el barrio y el amor que irradia

¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!

Poner barricadas, quitar las tapias

¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!

Y la música revolucionaria

Ya, ya ya eh-están metidos por todas partes

Si está en tu interior será cuestión de matarle

Apagar su Vox y silenciarles

Cuando se disfracen de Youtubers e Instagramers.

Y si el odio se comparte en parte

Es por mensajes que imparte esta prensa repipi

Al proclamarse tolerante

Buscando culpables en base a prejuicios miserables

Claro que el estado está en mal estad

Como caducado ni se ha molestado

Consume preferentemente al ciudadano estancado

Ni quiero abanderarlo ni me callo

Depende que norma rompas

Cuando haces arte para él estorbas

Nos quieren por el cauce porque controlan la presa

Pero siempre llega un día en que el rio se desborda

¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!

La agitación es necesaria

¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!

Protege el barrio y el amor que irradia

¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia!

No importa el container, importa l'àvia

¡Basta ya! ¡Va a estallar la rabia

Y la música revolucionaria

Si habla de libertad sin pensar en los demás

Huele a facha, huele a facha

Si dice que no es racista pero sí pone un pero

Huele a facha, huele a facha

Si exhibe la bandera con orgullo en su avatar

Huele a facha, huele a facha

Si solo critica a los países socialistas

Huele a facha, nunca falla.

Si desayuna con el Marca

Huele a facha, huele a facha

Si en agosto va con camisa y corbata

Huele a facha, huele a facha

Y si le ha comprado un Luisvi su mamá

Huele a facha, huele a facha

Si va mucho por Pachá y saluda al segurata

Huele a facha, nunca falla

Milo J - Tiny Desk concert

Milo J es Camilo Joaquín Villaruel, cantante y rapero argentino de Morón, Buenos Aires, con apenas 19 años. Viene del mundo de las batallas de freestyle porteñas pero se ha hecho enorme mezclando trap, rap y folclore argentino. En diciembre llegó a llenar dos veces el estadio Vélez (45.000 personas) y ya es uno de los nombres más grandes del rap en español.

El 30 de abril de 2026 debutó en el mítico Tiny Desk de NPR, la serie de conciertos íntimos grabados en las oficinas de la radio en Washington D.C. Fue el quinto artista argentino en tocar ahí, después de Nicki Nicole, Bizarrap con Shakira, Nathy Peluso y Ca7riel & Paco Amoroso. En apenas seis días su vídeo superó los 4,5 millones de visitas.

Lo curioso de esta sesión es la puesta en escena: además de su banda, Milo J se hizo acompañar por Agárrate Catalina, un grupo de murga uruguaya con décadas de trayectoria en el Carnaval de Montevideo, y sumó instrumentos como el charango, el tiple y vientos típicos del folclore argentino. El resultado es una versión mucho más despojada y acústica de su repertorio, alejada de la energía de estadio.

El repertorio, de unos 16-17 minutos, está formado principalmente por temas de su álbum La vida era más corta, y arranca con "Recordé" y el inédito "Cuestiones", dos baladas acústicas con mucha percusión. Después llegan "Solifican12", "Bajo de la piel" y "Niño", donde se nota su gusto por sonoridades folclóricas como la chacarera, el chamamé y la zamba, pasadas por un filtro poético y moderno. Entre canción y canción, Milo J presentó a su banda y a Agárrate Catalina mientras tomaba unos mates, muy en su línea.

Al ser un set con varias canciones distintas, no hay una única letra que resumir aquí: cada tema toca temas propios (el paso del tiempo, la memoria, la identidad), pero el hilo conductor de todo el Tiny Desk es esa mirada juvenil sobre el tiempo y las raíces culturales del Río de la Plata.

Living Colour - Elvis Is Dead

Canción incluida en "Time's Up" (1990), el segundo álbum de la banda neoyorquina Living Colour. Fue el tercer single del disco y cuenta con dos invitados de lujo: Little Richard a la voz y Maceo Parker al saxofón. Incluso Mick Jagger pone su voz en la parte del "velatorio". El tema fue escrito por el guitarrista Vernon Reid y producido por Ed Stasium.

Una curiosidad: la canción incorpora samples de "Graceland" de Paul Simon, "Fight the Power" de Public Enemy y del célebre anuncio "Elvis Has Left the Building" de Horace Logan, la frase que se pronunciaba tras los conciertos de Elvis para dispersar al público. El videoclip arranca con la banda charlando sentados en un banco sobre supuestos avistamientos de Elvis, y a lo largo del vídeo aparece un imitador del Rey del Rock.

En cuanto a la letra, "Elvis Is Dead" es una crítica satírica a la mitificación y comercialización de Elvis Presley tras su muerte. Se burla de los rumores sensacionalistas sobre avistamientos del cantante (convertido casi en una figura fantasmal) y recuerda, con la repetición constante de "Elvis is dead", que la leyenda ya no está. La canción también toca un tema más incómodo: cómo Elvis aprendió gran parte de su estilo de músicos negros y fue coronado "Rey" mientras esa herencia quedaba invisibilizada, para acabar siendo "limpiado" y convertido en un producto de Las Vegas. En su parte rapeada, Little Richard reconoce el talento de Elvis como artista pero pide respeto: que le dejen descansar y deja de exprimir su nombre para hacer caja.

Video:

Vídeo: (actuación en directo en el show de Arsenio Hall, con Little Richard y Angelo Moore de Fishbone al saxo)

Letra: 

Yo, Corey, man

Yeah, man. What's up?

I saw Elvis the other day

Get outta here, man!

Tabloids scream "Elvis seen at a shopping mall"

That's the kind of talk that makes my stomach crawl

Picture a zombie Elvis in a tacky white jump suit

Just imagine a rotting Elvis shopping for fresh fruit

He can't 'cause

Elvis is dead, Elvis is dead

Elvis is dead, give it to me, Elvis is dead

Elvis is dead, Elvis is dead

Elvis is dead, Elvis is dead

When the King died he was all alone

I heard that when he died he was sittin' on his throne

Alas, poor Elvis, they made us know you well

Now you dwell forever in that heartbreak hotel

'Cause Elvis is dead, Elvis is dead

Elvis is dead, Elvis is dead, give it to me

Elvis is dead, Elvis is dead

Elvis is dead, Elvis is dead, band!

Elvis Presley!

From rock!

Elvis is-

Elvis was a hero to most, but that's beside the point

A black man taught him how to sing

And then he was crowned King (what?)

The pelvis of Elvis, too dangerous for the masses

They cleaned him up and sent him to Vegas

And now the masses are his slave (slave?)

Yes, slave, even from the grave

Elvis is dead

Elvis is dead

Elvis is dead

Elvis est mort

Presley was a good performer, on stage he was electrifying

When he was ill, his fans got sick and moaned when he had died

Elvis is dead

To all you pimps making money on his name

How do you sleep, don't you feel the shame?

He went through the test, he's out of this mess

Be my guest and let him rest

Elvis is dead

Elvis está muerto

Elvis has left the building!

Hit me, give it to me, give it to me

Listen up, hit it up

I've got a reason to believe we all won't be received at Graceland, yeah

I've got a reason to believe we all won't be received at Graceland

I've got a reason to believe we all won't be received at Graceland

I've got a reason to believe I won't be received at Graceland

No, not you, my brother, 'cause

Elvis is dead, Elvis is dead

Elvis is dead, give it to me, Elvis is dead, give it to me

Elvis is dead, Elvis is dead

Elvis is dead, yeah, Elvis is dead

Toyah, Robert Fripp - Mothership

Hoy toca una rareza recién salida del horno: "Mothership", un tema inédito de Toyah Willcox y Robert Fripp que ha visto la luz justo hoy, 11 de septiembre de 2026, dentro de la serie "Robert Fripp @ 80".

Esta serie es un proyecto que el sello DGM (propiedad del propio Fripp) puso en marcha para celebrar el 80 cumpleaños del guitarrista, que cumplió años el pasado 16 de mayo. Cada semana publican una pieza rescatada de su extenso archivo —colaboraciones, grabaciones en solitario, rarezas— acompañada de un comentario del propio Fripp y de David Singleton explicando su origen. "Mothership" es la entrega número 18 de esa serie, y según la nota que acompaña al lanzamiento, nos lleva de vuelta a los años 80, "a cuando Robert conoció a Toyah".

Y ese dato no es casualidad: Fripp y Willcox se conocieron en 1985 en las oficinas de EG Records, trabajando juntos en un disco benéfico llamado "The Lady Or The Tiger". Fripp quedó tan prendado que le propuso matrimonio a la semana de volver a Inglaterra, y se casaron en 1986. De esa época y de esa complicidad musical surgiría después el proyecto conjunto Sunday All Over the World, con el que grabaron el álbum "Kneeling at the Shrine"(1991). "Mothership" parece pertenecer a ese mismo entorno creativo de mediados de los 80, aunque había permanecido guardada en el cajón hasta ahora.

Al tratarse de un inédito recién desenterrado, todavía no hay letra disponible en ningún sitio fiable, así que no puedo contaros con seguridad qué cuenta la canción.

Buhos - Sempre dempeus

"Sempre dempeus" es la canción que abre y da título al séptimo disco de Buhos, publicado el 3 de enero de 2025 bajo el sello Halley Records. El grupo, originario de Calafell (Baix Penedès), lleva desde 2005 liderando la escena de música festiva catalana, y con este tema recuperan su vertiente más reivindicativa: un himno electrónico y festivo que reclama el orgullo de pertenencia a la tierra catalana.

El propio cantante, Guillem Solé, explicó en una entrevista que con esta canción les gustaría que su país continuara "siempre en pie" (esa es la traducción literal del título). El tema fue de los más votados por el público de la banda para ser el primer avance del disco, y Buhos lo definieron como una canción "con una pinta brutal", pensada para sonar fuerte en los conciertos.

En cuanto a la letra, el mensaje gira en torno a la resistencia y la identidad colectiva: la idea de mantenerse en pie, con dignidad y sin rendirse, pase lo que pase. Es un canto de afirmación y pertenencia, en la línea de otros himnos populares catalanes del grupo, que combina la fiesta con el mensaje de fondo.

Letra: 

La tramuntana és el vent

La mar és brava i daurada

Què volen aquesta gent

Que truquen de matinada?

Vull parlar la meva llengua

No ho vull donar per perdut

Qui l'estima i la respecta

Aquí sempre és benvingut

Soc d'un país tan petit

Que ara em té malalt d'amor

I quan marxo lluny d'aquí

Me l'emporto dins del cor

Vull sentir-te amb mi a la pinya

Vull viure amb la teva llum

Veure madurar la vinya

I saltar junts per Patum

Catalunya és el meu país

La meva bandera té un estel

Amb la meva llengua crido fort

Sempre dempeus

Catalunya és el meu país

La meva bandera té un estel

Amb la meva llengua crido fort

Sempre dempeus

Tots els seus camins

Tots els seus cims

Em tornen a la infantesa

He estat tan feliç

En el meu país

Adoro la seva bellesa

I només units

Amb els ulls humits

Ho vam tocar amb la punta dels dits

I jo vull més nits

De soroll i crits

Sé que tu tampoc t'has rendit

Catalunya és el meu país

La meva bandera té un estel

Amb la meva llengua crido fort

Sempre dempeus

Catalunya és el meu país

La meva bandera té un estel

Amb la meva llengua crido fort

Sempre dempeus

Catalunya és el meu país

La meva bandera té un estel

Amb la meva llengua crido fort

Sempre dempeus

Leon Bridges - Illusion

"Illusion" es uno de los primeros adelantos del quinto álbum de Leon Bridges, "Happiness Anytime", publicado en 2026 vía Columbia Records. El tema nace de la colaboración del cantante de soul de Texas con J. Lloyd y Lydia Kitto, del dúo británico Jungle, que además de componer se encargan de la producción. Este nuevo disco supone un giro hacia sonidos más bailables y coloridos, alejándose del tono más introspectivo de su anterior trabajo, "Leon" (2024), e inspirándose en artistas como Fela Kuti, Paul Simon (la etapa de "The Rhythm of the Saints") y Jorge Ben.

En la letra, Bridges habla de liberarse de las cargas materiales y las apariencias ("dinero", "de rodillas", "raza en extinción") para centrarse en vivir el presente, un paso a la vez. Todo lo que atrapa y agobia —el dinero, el estatus, la validación externa— se plantea como una simple "ilusión", mientras el estribillo insiste en quedarse anclado al "aquí y ahora". Encaja con el espíritu general del álbum, pensado para el baile y la celebración inmediata.

Mary J. Blige / NGØ - Lets get it (family affair)

NGØ es un productor y DJ de música electrónica que se mueve en el circuito de los "edits" o versiones no oficiales para pistas de baile. No es un artista con gran trayectoria ni biografía pública: apenas hay datos sobre su identidad real, y su presencia se reduce a plataformas como Spotify y SoundCloud, donde ronda los 60.000 oyentes mensuales.

"Lets get it" (también aparece bajo el título "Lets get it (family affair)") es en realidad un edit de baile construido sobre el gancho vocal de "Family Affair", el clásico de Mary J. Blige de 2001. La canción se subió a Spotify en mayo de 2026 y llegó a SoundCloud en julio del mismo año, donde se hizo viral gracias a TikTok, acumulando rápidamente miles de reproducciones y comentarios de la escena de baile británica. Es habitual en este tipo de producciones que el propio archivo original circule con nombres técnicos (tonalidad y BPM) antes de bautizarlo oficialmente, señal de que nació como un edit para pinchar en sesiones de DJ antes de publicarse como single.

En cuanto al significado: al tratarse de un edit sobre "Family Affair", hereda el espíritu de la canción original, un himno de celebración despreocupada que invita a dejar el drama a un lado, bailar sin prejuicios y disfrutar del momento sin dar explicaciones a nadie.

Si quieres conocer el tema original en el que se basa, merece la pena escuchar "Family Affair" de Mary J. Blige, producido por Dr. Dre, su único número 1 en el Billboard Hot 100 y considerado uno de los grandes himnos de baile de los 2000:

Y aquí tienes el vídeo de la versión:

Letra: 

Let's get it crunk up on

Have fun up on up in this dancery

We got ya'll open, now ya floatin'

So you gots to dance for me

Don't need no hateration, holleration

In this dancery

Let's get it perculatin' while you're waiting

So just dance for me

Come on everybody get on up

'Cause you know we gots to get it crunk

Mary J. is in the spot tonight

And I'ma make you feel alright (make you feel alright)

Come on, baby, just party with me

Let loose and set your body free

Leave your situations at the door

So when you step inside, jump on the floor

Let's get it crunk up on

Have fun up on up in this dancery

We got ya'll open, now ya floatin'

So you gots to dance for me

Don't need no hateration, holleration

In this dancery

Let's get it perculatin' while you're waiting

So just dance for me

It's only gonna be about a matter of time

Before you get loose and start to lose your mind

Cop you a drink, go 'head and rock your ice

'Cause we're celebrating no more drama in our life

With a Dre track pumpin', everybody's jumpin'

Go ahead and twist your back and get your body bumpin'

I told you leave your situations at the door

So grab somebody and get your ass on the dance floor

Let's get it crunk up on

Have fun up on up In this dancery

We got ya'll open, now ya floatin'

So you gots to dance for me

Don't need no hateration, holleration

In this dancery

Let's get it perculatin' while you're waiting

So just dance for me

We don't need no haters (y'all, we don't need, no)

Just tryin' to love one another (love)

We just want y'all have a good time (mm-hm)

No more drama in your life (mm-mm, no)

Work real hard to make a dime

If you got beef, your problem, not mine

Leave all that BS outside

We're gonna celebrate all night (all night)

Let's have fun tonight, no fights

Turn the Dre track way up high (turn it up, turn it up)

Making you dance all night and I (all night long)

Got some real heat for ya this time (real heat, boy)

Doesn't matter if you're white or black (doesn't matter, doesn't matter)

Let's get crunk 'cause Mary's back

Let's get it crunk up on (let's get crunked up on)

Have fun up on up in this dancery (in this dancery)

We got ya'll open, now ya floatin'

So you gots to dance for me (so you gotta dance for me)

Don't need no hateration, holleration (dance for me)

In this dancery (dance for me)

Let's get it perculatin' while you're waiting (let's get it, let's get it)

So just dance for me

Let's get it crunk up on (dance for me)

Have fun up on up in this dancery (let's get crunk up on)

We got ya'll open, now ya floatin' (all I want y'all to do)

So you gots to dance for me (is just dance, just dance)

Don't need no hateration, holleration (c'mon, c'mon)

In this dancery (c'mon)

Let's get it perculatin' while you're waiting

So just dance for me

Let's get it crunk up on

Have fun up on up in this dancery (oh, yeah)

We got ya'll open, now ya floatin'

So you gots to dance for me (you gotta dance for me)

Don't need no hateration, holleration (just dance for me)

In this dancery (just dance for me)

Let's get it perculatin' while you're waiting

So just dance for me

Let's get it crunk up on (dance for me)

Have fun up on up in this dancery (c'mon y'all, dance)

We got ya'll open, now ya floatin' (dance, dance, dance)

So you gots to dance for me

Don't need no hateration, holleration

In this dancery

Let's get it perculatin' while you're waiting

So just dance for me

Escolania de Montserrat · Johan Duijck · Llorenç Castelló · Jacint Verdaguer - Blanca i pura

Hoy toca música coral, algo distinto a lo habitual. "Blanca i pura" forma parte de La Verge de Montserrat, Op. 41, una obra para coro a cappella del compositor flamenco Johan Duijck sobre poemas de Jacint Verdaguer, interpretada por la Escolania de Montserrat bajo la dirección de Llorenç Castelló.

Johan Duijck (Brujas, 1954) es pianista, compositor y director de coro, con una trayectoria ligada al Coro de Radio Flandes y también a España, donde desde hace años es profesor en la Escola Superior de Música de Catalunya y colabora con el Coro de RTVE. Su música coral combina una estética contemporánea con raíces en la tradición literaria catalana, de ahí que haya musicado a autores como Verdaguer, Ramon Llull o Joan Maragall.

El texto es de Jacint Verdaguer, mossèn Cinto, el gran poeta de la Renaixença catalana, autor de obras como Canigó o L'Atlàntida y una figura clave en la creación del imaginario moderno de Montserrat. Sus poemas marianos sobre la Moreneta, entre ellos los que integran este ciclo, forman parte de un extenso corpus de textos dedicados a la Virgen de la montaña, muchos de los cuales han sido musicados por distintos compositores a lo largo del siglo XX y XXI.

Sobre el significado: como buena parte de la poesía montserratina de Verdaguer, el poema es una alabanza mariana, una invocación a la Virgen usando imágenes de pureza y luz, en la línea de otros textos suyos como el conocido Virolai.

Si queréis escuchar también el Virolai, aquí tenéis a la Escolania interpretándolo:

Novelists - Ravage

Novelists son una banda francesa de metalcore, formada en París y muy activa en la escena europea desde hace más de una década. Actualmente la voz del grupo es Camille Contreras, que se incorporó en 2023 tras la salida de Tobias Rische, y que aporta un registro capaz de moverse entre el metal más contundente y el pop. El grupo edita su música a través de su propio sello, ACKOR Music, creado junto a sus compatriotas de LANDMVRKS.

"Ravage" es su single más reciente, publicado el 3 de septiembre de 2026, el primero desde su álbum 'CODA' (2025). La propia banda ha explicado que con este tema quisieron evitar "jugar sobre seguro": llevaron la canción a un punto más pesado, más melódico y más salvaje, hasta el punto de meter un chelo de estilo barroco en mitad de la tormenta metalcore.

El videoclip, dirigido por Bastien Sablé (que también ha trabajado con Aya Nakamura) a partir de una idea de la propia Camille Contreras, fue producido en gran parte por ellos mismos pese a tener presupuesto para encargarlo a una productora grande. Según cuentan, es algo muy característico de Novelists: complicarse la vida con tal de que el resultado final sea exactamente como lo imaginaban.

El lanzamiento llega justo antes del arranque de su gira norteamericana como teloneros de Bilmuri, y en medio de una temporada muy intensa de festivales (Hellfest, Graspop, Download UK...) y giras por Europa, Estados Unidos y China.

La letra habla de alguien que aparenta fuerza (el trono, la katana) pero por dentro está rota por el trauma. La sensación de ahogarse ("hard to breathe underwater") representa el agobio de fingir entereza estando rodeada de gente que no la conoce de verdad. Es la crónica del colapso de alguien que ya no puede sostener más esa máscara perfecta.

Letra: 

Poor little queen on a throne that’s made of trauma

Screams at the mirror, blames the karma

Walks in the scene with a hand on her katana

And fades away in the dark

Bent spine

Burns like lava

Gold bled

Hail the mantra

Breathe in, Breathe out

Why’d you have to come right here and drag me to the ground

Breathe in, Breathe out

Won’t you just drop the guillotine?

It’s getting hard to breathe underwater

Dead Weight

Dressed in Designer

Spit

Thin grace

Sick to your blood and soul

Breathe in, Breathe out

Why’d you have to come right here and drag me to the ground

Breathe in, Breathe out

Won’t you just drop the guillotine?

It’s getting hard to breathe underwater

Lost in a room full of faces that don’t know her

Choke on the silence, drawn on sorrow

Hidden in silk, but the cracks begin to show now

And break apart in the dark

Come right here and drag me to the ground

It’s getting hard to breathe underwater

Breathe in, Breathe out

Why’d you have to come right here and drag me to the ground

Breathe in, Breathe out

Won’t you just drop the guillotine?

It’s getting hard to breathe underwater

RAYE - Nightingale Lane

RAYE es la cantante y compositora británica Rachel Keen, que después de años atrapada en un contrato discográfico se independizó y se convirtió en una de las voces más aclamadas del pop y soul británico actual, ganadora de múltiples Brit Awards. "Nightingale Lane" es el segundo single de su segundo álbum, This Music May Contain Hope, publicado en febrero de 2026.

La canción nace de una anécdota muy concreta: RAYE ha contado que el título hace referencia a un pub llamado The Nightingale, en el barrio de Balham (sur de Londres), que frecuentaba un antiguo amor suyo. De ahí que la canción arranque con ella diciendo directamente "esta es una canción sobre el peor desamor que he conocido". Musicalmente mezcla jazz orquestal y soul británico, con guiños al clásico "A Nightingale Sang In Berkeley Square".

En cuanto a la letra, habla de pasar por una calle concreta del sur de Londres y que ese lugar le siga trayendo el recuerdo de una relación ya cerrada. Aunque reconoce que esa historia nunca llegó a funcionar del todo, agradece haber aprendido, gracias a ella, que es capaz de volver a querer a alguien con esa misma intensidad.

Vídeo: 

También merece la pena la versión en directo grabada en los Abbey Road Studios, mucho más desnuda y orquestal: 

Letra: 

This is a song about the greatest heartbreak I have ever known

This song is called "Nightingale Lane."

On a street in the South London suburbs

Where my first love kissed me goodbye

His lips where thin (thin) and beer-stained (beer-stained) and tear-stained

Was a pain that made me colder now

After the oceans, I cried, I'm made of steel

Just floating now, mh-mh

But when I drive (when I drive)

Down this road, I (down this road, ooh)

I reminisce (lose my mind)

I drive slow, I've let him go now (I, I, I)

Just see a ghost town

And sometimes at red lights (with closed eyes)

I tell myself

I dare myself to go on, just say

Somebody loved me once (loved me once)

And someday somebody will again

Like the way you loved me (take me back in your arms, love me right, just tonight)

On Nightingale Lane (Nightingale Lane, Nightingale Lane)

Although we never made it

Stranger, you showed me it's true

I'm capable of loving someone the way I loved you

It was right there (and it was) early June (right next to)

Next to Old Park Avenue (on Nightingale Lane)

Standing in the rain, I watched him walk away

Da-da, whoa, whoa

Took me long, hard years to get over you

It was an aching I refuse to feel again

And looking back now

We never were quite right for each other, baby

But in the absence of passion in my life

I remember how alive love once was

And I sigh when I drive (when I drive, when I drive)

Down this road, I (down this road, ooh)

I reminisce (lose my mind)

I drive slow, I've let him go now (I, I, I)

Just see a ghost town

And sometimes at red lights (with closed eyes)

I tell myself

In fact, I dare myself

To go on, just say it

Somebody loved me once (loved me once)

Someday, somebody will again

Like the way you loved me (take me back in your arms, love me right, just tonight)

On Nightingale Lane (Nightingale Lane, Nightingale Lane)

And though we never made it

Stranger, you showed me it's true

I'm capable of loving someone the way I loved you

It was right there (and it was) in June (right next to)

Next to Old Park Avenue (on Nightingale Lane)

Standing in the rain, I watched him walk away

Yeah, yeah-yeah-yeah, yeah, da-da-da-day

I've, I've dabbled in love since

Maybe every other summer, it never lasts long

They never stick around

I'm made of steel now (I'm made of steel)

I believe someday someone gon' come along

And knock them walls down (down, down)

And knock them walls down

When I drive down this road (road)

I'm reminded, though I've let him go now

Right here in this ghost town

Right here on this ground is where

Someone once loved me and someday someone will again

Someone will

I know, I know it, I know it

Someone will love me

Like the way you loved me

On Nightingale Lane

Cassandra Wilson / Neil Young - Harvest Moon

Cassandra Wilson falleció el pasado 2 de septiembre en Jackson, Mississippi, a los 70 años. Su manager confirmó que se fue en paz, rodeada de familia y amigos cercanos. Dos veces ganadora de un Grammy y nombrada NEA Jazz Master en 2022, fue una de las voces más singulares y personales del jazz de las últimas décadas.

Wilson tenía una habilidad única para apropiarse de canciones ajenas y convertirlas en algo completamente suyo. Buena muestra de ello es la versión de "Harvest Moon" que incluyó en 1995 en su álbum New Moon Daughter, uno de los discos que la consagraron tras su etapa como cofundadora del colectivo M-Base junto a Steve Coleman y su posterior giro hacia un sonido más acústico con Blue Note Records.

El original es de Neil Young, publicado en 1992 como tema principal del álbum homónimo, escrito como declaración de amor a su entonces esposa Pegi, con Linda Ronstadt en los coros. Wilson hace justo lo contrario que Young: despoja la canción de su tono luminoso y festivo y la convierte en algo lento, oscuro y casi susurrado, con guitarra acústica, resonador y percusión envolviendo esa voz grave y ahumada que la hizo inconfundible.

La letra habla de un amor duradero: el narrador le pide a su pareja que baile con él bajo la luna de la cosecha, como celebración de los años compartidos y de un cariño que sigue vivo pese al paso del tiempo. En la voz de Wilson, esa celebración suena casi a despedida, a algo frágil que se aferra al presente. Escuchada hoy, con esta noticia tan reciente, resulta inevitable sentir esa capa extra de melancolía.

Vídeo (versión de Cassandra Wilson): 

Como siempre, merece la pena volver también al original de Neil Young, mucho más cálido y acústico: 

Letra: 

Come a little bit closer

Hear what I have to say

Just like children sleeping

We could dream this night away

But there's a full moon rising

Let's go dancing in the light

We know where the music's playing

Let's go out and feel the night

Because I'm still in love with you

I want to see you dance again

Because I'm still in love with you

On this harvest moon

When we were strangers

I watched you from afar

When we were lovers

I loved you with all my heart

But now it's getting late

And the moon is climbing high

I want to celebrate

See it shining in your eye

Because I'm still in love with you

I want to see you dance again

Because I'm still in love with you

On this harvest moon

Because I'm still in love with you

I want to see you dance again

Because I'm still in love with you

On this harvest moon

Juan Arenosa - Cordelia

Juan Arenosa es un joven pianista y compositor nacido en Santander hace apenas 20 años. Empezó a estudiar piano clásico con su madre y su abuela con solo 5 años, y compuso su primera pieza a los 8. Tras formarse en el conservatorio, en 2021 comenzó a subir vídeos de piano a TikTok, donde hoy suma más de 1,3 millones de seguidores, lo que lo ha convertido en uno de los pianistas jóvenes más populares de las redes.

Cordelia es una de sus composiciones para piano, publicada en 2024 dentro del single del mismo nombre. Se enmarca en un estilo neoclásico y cinematográfico, con melodías líricas que recuerdan al piano contemporáneo de artistas como Ludovico Einaudi. El título hace referencia a Cordelia, la hija menor y más leal del rey en la tragedia El rey Lear de Shakespeare, un nombre que Arenosa suele usar para sus piezas de inspiración literaria (también tiene composiciones llamadas Ofelia o Lancelot).

Al ser una pieza instrumental, no tiene letra, así que la "historia" que cuenta queda abierta a la interpretación de quien la escuche.

Vídeo oficial: 

También existe una versión en cover de piano bastante bonita, interpretada por otro pianista, que podéis escuchar aquí: