Penny Arcadia son un grupo sueco formado por músicos veteranos de la escena rock escandinava. La cara más conocida es Anders "Boba Fett" Lindström, guitarrista de los Hellacopters. Le acompañan el baterista Rickard "Hux" Nettermalm, que ha trabajado con artistas tan dispares como Peter Jöback y Ghost, y Odd Ahlgren al frente del micrófono, un cantante con una presencia que se sale.
En 2025 publicaron su EP debut, "Behold, I Will Do A New Thing", bajo el sello Ella Ruth Institutet. "Blessings" pertenece a "Mutants Arise!" (2026), su primer álbum largo, un disco que suena a rock psicodélico con el Hammond de Deep Purple, algo de Lou Reed y el descaro que uno esperaría de gente con ese currículum.
Adriano Celentano llevaba años obsesionado con la música americana. No hablaba inglés, pero le encantaba cómo sonaba. En 1972 decidió llevar esa fascinación al extremo: grabó una canción que suena exactamente como inglés con acento americano, pero en la que ninguna palabra significa nada. Puro galimatías fonético. La única excepción: "all right", que se repite en el estribillo. La grabó improvisando sobre un bucle de cuatro tiempos de batería en el estudio, junto a los coros de su mujer, Claudia Mori. Quería demostrar que la incomunicación también tiene ritmo, que el sonido puede atrapar aunque el significado brille por su ausencia. Y lo demostró.
La canción entró en las listas de varios países europeos y, con cierta ironía, también en las de Estados Unidos, donde los oyentes entendían exactamente lo mismo que los italianos: nada. En Italia, curiosamente, tardó dos años más en triunfar. Lo hizo en 1974, cuando Celentano la interpretó en televisión y bailó con Raffaella Carrà, que hacía playback con la voz de Claudia Mori. Celentano siempre ha dicho, con toda la seriedad del mundo, que con esta canción inventó el rap.
El tema se incluyó en el álbum "Nostalrock" (1973). Años más tarde, en 2016, Celentano sacó una nueva versión con producción de Benny Benassi y con Mina en los coros. También grabó una versión en italiano real llamada "Il Seme del Rap" para el álbum "Quel Punto" (1994), que funcionaba como parodia del hip hop. La versión original ha aparecido en series como "Fargo" y "Ted Lasso", y en 2026 suena en un anuncio de EasyJet.
TodoMal es un proyecto de doom metal atmosférico nacido en 2020 de la colaboración entre el músico angloespañol Christopher B. Wildman y el productor y compositor Javier Fernández Milla, dos veteranos de la escena underground española. Su nombre lo dice todo: "todo mal". Un sonido construido sobre la solemnidad del doom clásico, la amplitud del space rock, el eco del cine de Morricone y referencias que van de Vangelis a Nick Cave.
"Humanised Gods" es el segundo single de su tercer álbum, "Graveyards of Joy", que sale el 3 de julio de 2026 a través de Season of Mist. Este disco cierra una trilogía que comenzó con "Ultracrepidarian" (2021) y continuó con "A Greater Good" (2023), escrita en soledad tras una tragedia personal y grabada entre los pueblos fantasma y las llanuras despobladas del interior de España.
La canción arranca en la Roma imperial, en la dinastía Claudia, donde los emperadores eran tratados como semidioses y sobre los que se proyectaban deseos y adoraciones. De ahí salta al presente: el culto al yo, el individualismo como religión, el vacío que deja la admiración cuando se convierte en deificación. Dentro del disco es, según la banda, un momento de relativo alivio: más melódica y directa que el resto, casi sin guardia.
Anekdoten es una banda sueca de rock progresivo formada por el guitarrista/vocalista Nicklas Barker, la violonchelista/teclista Anna Sofi Dahlberg, el bajista/vocalista Jan Erik Liljeström y el batería Peter Nordins. Son conocidos por el uso del mellotron y su sonido pesado dominado por un bajo contundente, y su música se asocia con la tradición del rock progresivo de los 70, especialmente con King Crimson.
La banda surgió en Borlänge (Suecia) cuando los miembros fundadores transitaron de ser un grupo tributo de King Crimson llamado King Edward a crear material propio tras la incorporación de Dahlberg en 1991.
"Sad Rain" es una de las joyas más buscadas de su catálogo. Apareció como bonus track en la edición japonesa de su álbum debut Vemod (1993), con una duración de casi diez minutos, una de las composiciones más largas que la banda ha escrito, y está empapada de cuerdas y flauta de mellotron. Fue además la primera canción que Anekdoten escribió, en 1991.
En 2009, la banda incluyó una versión alternativa — Sad Rain (Alt Mix) — en su recopilación doble "Chapters", editada en el sello Kscope. Una oportunidad de escuchar la misma canción con otra mirada, más introspectiva si cabe.
Oscura, hipnótica y devastadoramente bella. Una de esas canciones que hacen que el tiempo se detenga.
Peter Schilling es el alemán que en 1982 puso a todo el mundo a cantar "Major Tom", su himno synthpop sobre un astronauta a la deriva. Dos años después volvió con "Terra Titanic", primer single de su álbum "120 Grad", y demostró que el espacio exterior no era su única obsesión: también le atraían los desastres con moraleja.
La canción usa el hundimiento del Titanic como metáfora de la arrogancia humana: el capitán llena su vaso de whisky tranquilamente mientras el iceberg aparece en el horizonte. Todo está a punto de irse al fondo, y él ajusta el esmoquin. La imagen es perfecta.
Curiosidades:
- Fue escrita junto al compositor alemán Ulf Krüger y llegó al puesto #26 en las listas alemanas, donde permaneció 18 semanas.
- Curiosamente, en 2003 volvió a entrar en las listas alemanas, alcanzando el #95.
- El SOS que suena en la canción está codificado en morse real — uno de esos detalles que no notas a primera escucha pero que, cuando lo descubres, ya no puedes desoírlo.
- La canción existe en dos versiones: la original en alemán y una en inglés ("Lost to the Sea"), grabada para el mercado anglosajón.
Versión original en alemán:
Versión en inglés – Lost to the Sea:
Das Radar hat's vorausgeseh'n, das Echolot hat gewarnt.
Souverän füllt der Kapitän das Whiskey-Glas in der Hand bis zum Rand.
Auf dem Sonnendeck ist der Eisberg zu seh'n,
majestätisch, bedrohlich und unheimlich schön.
Man spürt die Gefahr, aber man kann sie nicht seh'n.
Terra-Titanic — verloren im Meer,
S-O-S kommt nie an.
Leuchtsignale sieht keiner mehr,
Endstation Ozean.
Der Gigant bäumt sich stöhnend auf, die Tänzerin bleibt zurück.
Explosion im Maschinenraum — das letzte Boot hatte Glück, hatte Glück.
Die Ratten verlassen das sinkende Schiff,
doch der Käpt'n im Smoking beachtet sie nicht.
Mit dem Glas in der Hand — und die Flut löscht das Licht.
1995. Rollo Armstrong le dio el título a Maxi Jazz una tarde. Veinte minutos después, Maxi tenía la letra. La grabó al día siguiente en unos 25 minutos. Así nació uno de los himnos más grandes de la música electrónica.
La primera vez que se publicó, en 1995, llegó al número 27 en el UK Singles Chart. Al reeditarla en 1996, subió hasta el número 3 en el Reino Unido y lideró las listas de Finlandia, Noruega, Suiza y los charts de baile de EE.UU. y Canadá.
Hay una anécdota que dice mucho del momento: la primera línea original era "I only smoke weed when I need to", pero Maxi Jazz la cambió por "Deep in the bosom of the gentle night" por presión de MTV.
Mixmag la votó como el quinto mejor disco de dance de todos los tiempos en 2013, y en 2023 fue certificada triple platino por la BPI. En diciembre de 2022 fallecía Maxi Jazz. Sister Bliss y Rollo siguen siendo Faithless.
En diciembre de 2025, con motivo del 30 aniversario de la canción, la orquesta Symphony of Unity —el proyecto orquestal de Tomorrowland— publicó una versión que lleva en sus directos desde su primer concierto hace diez años. Cuerdas, metales, coros y electrónica, con ese silencio icónico antes del drop. Una versión que ya se ha escuchado en el Sphere de Las Vegas y en Tomorrowland.
Deep in the bosom of the gentle night
Is when I search for the light
Pick up my pen and start to write
I struggle, fight dark forces
In the clear moonlight
Without fear, insomnia
I can't get no sleep
I used to worry, thought I was goin' mad in a hurry
1985. El dúo formado por Manolo García y Quimi Portet publica su primer álbum, "Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana", y en él viene escondido lo que acabará siendo uno de los grandes himnos del pop español.
La historia tiene dos polos. En uno, la letra narra la muerte de un soldado llamado Adrián en un frente de guerra anónimo, y la carta de amor que llevaba encima dirigida a su novia Milagros. En el otro está Quimi Portet con su propia confesión: "La escribí de cachondeo, para hacer una parodia de los cantautores trágicos y hacer reír a varios amigos. Nunca imaginé que la gente se la tomaría tan en serio, que lloraría con ella. Cuando me di cuenta de los sentimientos que provocaba, se acabó la coña."
El videoclip fue producido por "La Bola de Cristal", el icónico programa de TVE que lo estrenó, y la canción quedó clasificada en el puesto 87 de las 200 mejores canciones del pop-rock español según "Rolling Stone" en 2010.
Y el 3 de mayo de 2026, treinta años después de su disolución, 56.000 personas llenaron el Estadio Olímpico de Barcelona para verles reunidos de nuevo. "Querida Milagros" sonó, como no podía ser de otra manera, entre los primeros temas de la noche.
Esta mañana al salir a patrullar, hallamos muerto al soldado Adrián.
Como manda el reglamento procedimos a buscar los objetos que llevara.
Sólo hallamos esta carta:
Querida Milagros, llevo seis días aquí.
Te echo de menos, no puedo vivir sin ti.
He visto las explosiones brillando a mi alrededor.
Tengo miedo, no lo oculto, sólo me queda tu amor.
Por ahora la suerte me ha sonreído,
necesito verte, aquí no hay amigos.
No estaría de más que alguien me explicara
qué tiene esto que ver contigo y conmigo.
Querida Milagros, queda tanto por vivir.
Sería absurdo dejarse la piel aquí.
Querida Milagros, aún no he podido dormir.
Un sueño frío me anuncia que llega el fin.
Cuando leas esta carta háblales a las estrellas,
desde que he llegado aquí sólo he hablado con ellas.
Seattle, 1990. Alice in Chains grababa su álbum debut "Facelift" y necesitaba algo que los definiera. Lo encontraron sin buscarlo demasiado.
La letra la escribió Layne Staley después de una cena con ejecutivos de Columbia Records que eran vegetarianos y le explicaron cómo se crían los terneros en cajas pequeñas. Esa imagen, combinada con su rabia contra la censura mediática y gubernamental, dio forma al texto. Años después, en una entrevista con MuchMusic, Staley lo resumió con honestidad: "Estaba muy, muy colocado cuando lo escribí, así que significaba algo diferente entonces", dijo riéndose.
El efecto de guitarra distorsionado y casi vocal que abre la canción no es un pedal convencional: es un "talk box". La idea se le ocurrió al productor Dave Jerden de camino al estudio, cuando sonó "Livin' on a Prayer" de Bon Jovi en la radio.
En las notas del recopilatorio "Music Bank" (1999), Jerry Cantrell dijo: "Ese ritmo y ese peso fue cuando empezamos a encontrarnos a nosotros mismos; ayudó a Alice a convertirse en lo que fue."
El último concierto de Alice in Chains con Layne Staley, el 3 de julio de 1996, lo cerraron con esta canción. Un final que, visto desde hoy, tiene todo el peso del mundo.
2010. Rihanna acaba de cerrar el ciclo oscuro de "Rated R" y llama a los productores noruegos "Stargate" con un encargo claro: quiero algo alegre, bailable, con energía. El resultado fue tan bueno que Katy Perry también lo quiso. Los propios Stargate lo contaron: "Sabíamos que teníamos algo especial cuando las dos reaccionaron así, pero la canción era de Rihanna desde el principio."
Fue la primera canción compuesta para el álbum "Loud", y Rihanna la eligió para el disco antes incluso de grabar su voz. En términos de producción, hizo historia: fue una de las primeras canciones pop en radio en aplicar el "beat drop" en el coro, dejando 16 compases sin bajo ni batería antes del estallido. Una técnica habitual en la música de club que nadie había usado así en una canción mainstream.
Debutó en el puesto 75 del Billboard Hot 100 y tardó 11 semanas en llegar al número 1 — la primera vez en la historia del chart que el segundo single de un álbum llegó al número 1 antes que el primero, y luego el primero lo alcanzó igualmente. Ese año Rihanna logró cuatro números uno, la primera artista femenina en conseguirlo en un mismo año natural.
Ganó el Grammy a la Mejor Grabación Dance en 2011.
La-la-la-la
La-la-la-la
La-la-la-la (Uh, yeah)
La-la-la-la
I want you to love me
Like I'm a hot guy (Uh, yeah)
Be thinking of me (Uh)
Doing what you like (Haha)
So, boy, forget about the world
'Cause it's gon' be me and you tonight (Yeah)
I wanna make you beg for it
Then I'ma make you swallow your pride (Oh)
Want you to make me feel
Like I'm the only girl in the world
Like I'm the only one that you'll ever love
Like I'm the only one who knows your heart
Only girl in the world
Like I'm the only one that's in command
'Cause I'm the only one who understands
How to make you feel like a man, yeah
Want you to make me feel
Like I'm the only girl in the world
Like I'm the only one that you'll ever love
Like I'm the only one who knows your heart
Only one
Want you to take it (Uh)
Like a thief in the night (Uh)
Hold me like a pillow (Yeah)
Make me feel right (Uh)
Baby, I'll tell you all the secrets that I'm keeping
You can come inside (Yeah)
And when you enter, you will never leave
Be my prisoner for the night (Oh)
Want you to make me feel
Like I'm the only girl in the world
Like I'm the only one that you'll ever love
Like I'm the only one who knows your heart
Only girl in the world
Like I'm the only one that's in command
'Cause I'm the only one who understands
Like I'm the only one who knows your heart
Only one
Take me for a ride, ride
Oh, baby, take me high, high
Let me make you burst, burst
I'll make it last all night, night
Take me for a ride, ride
Oh, baby, take me high, high
Let me make you burst, burst
Make it last all night
Want you to make me feel
Like I'm the only girl in the world
Like I'm the only one that you'll ever love
Like I'm the only one who knows your heart
Only girl in the world
Like I'm the only one that's in command
'Cause I'm the only one who understands
Like I'm the only one who knows your heart
Only girl in the world
Girl in the world
Only girl in the world
Girl in the world
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Versiones que vale la pena escuchar:
"Boyce Avenue feat. Alex Goot (2011)" — Una versión acústica con piano que demuestra la solidez de la melodía despojada de toda la electrónica. Sorprende lo bien que funciona en formato íntimo.
"Rihanna – Super Bowl LVII (2023)" — No es una versión en sí, pero merece mención: Rihanna la recuperó en el halftime show mezclada con "Where Have You Been", ante 100 millones de espectadores y embarazada de su segundo hijo. Una de las actuaciones más comentadas de los últimos años.
"Katy Perry (California Dreams Tour, 2011)" — La misma artista que la quiso para ella acabó cantándola en directo, en un mashup acústico junto a "Whip My Hair" de Willow Smith. La ironía perfecta.
Veinticinco años dando caña desde Barcelona y Vincent Black Shadow siguen sin pedir permiso a nadie. La banda liderada por Mariano Gil y Nacho Oliver lleva desde 2001 construyendo su propio universo de pure rock al margen de modas: guitarras poderosas, letras en castellano con tintes de ciencia ficción y un sonido que mezcla la brutalidad de Black Sabbath, el garaje de The Stooges y la psicodelia de Hawkwind y Blue Öyster Cult.
"Dr. Frankenstein" es el sexto corte de "Veni Vidi Vincent" (2026), su nuevo álbum que celebra esas dos décadas y media de trayectoria. Un trabajo que en lugar de mirar atrás con nostalgia, suena a banda que sabe perfectamente lo que es y adónde va.
La formación actual —Mariano Gil a la guitarra solista, Nacho Oliver a la voz y guitarra rítmica, Javier Duclosson a la batería y Adrià Guerrero al bajo— es quizás la más compacta y sólida de su historia.
Julio de 1984. Dio llevaba apenas un año en el mercado con "Holy Diver", uno de los debuts más sólidos del heavy metal, y ya tenían el sucesor listo. "The Last in Line" salió el 2 de julio de 1984 y se convirtió en el álbum más exitoso de la banda, alcanzando el número 4 en el Reino Unido y el número 23 en EE.UU.
La canción que da título al disco es pura filosofía Dio. En las notas del recopilatorio "Stand Up and Shout" de 2003, Ronnie explicó que la canción tenía muchas interpretaciones posibles: ser el último en la fila puede significar que ya no queda nada bueno, o puede significar ser el último superviviente, el más fuerte. Para él siempre fue esto último: la perseverancia ante los desafíos de la vida.
Fue el único tema de Dio en entrar en el Top 10 del Billboard Album Rock Tracks.
El videoclip es una joya aparte. Lo dirigió Don Coscarelli, el cineasta de culto detrás de la saga "Phantasm". Coscarelli ha contado que fue Ronnie quien añadió profundidad a su concepto original de "adolescentes en el infierno", diciéndole: "Desde el nacimiento hasta la muerte, todos estamos en una fila. Imagina que eres el último."
Versión que vale la pena:
Tenacious D versionó la canción para el álbum tributo "This Is Your Life" (2014), y ganó el Grammy a la Mejor Actuación de Metal en 2015 con ella. Jack Black era fan declarado de Ronnie James Dio desde siempre.
GENER8ION es el proyecto del productor francés Surkin (Benoît Heitz), con una larga asociación artística con el director de cine Romain Gavras. Juntos han firmado algunas de las colaboraciones más salvajes de la última década: M.I.A., Justice, 070 Shake...
STORM I & II fue lanzado el 24 de abril de 2026 bajo el sello Iconoclast Music, con Yung Lean —el rapero y cantante sueco Jonatan Leandoer— como protagonista absoluto.
Pero aquí lo que importa tanto como la música es el vídeo. Siete minutos y medio de fiebre adolescente en un internado de élite, dirigido por Romain Gavras —el autor de "Athena" y de vídeos que definieron una era para M.I.A., Justice y Jamie xx—, con una coreografía brutal de Damien Jalet. Ambientado en Leeds en el año 2034, Yung Lean interpreta al estudiante dominante que gobierna el internado a base de intimidación y carisma. Sin diálogos. Solo tensión, movimiento y un desenlace coreográfico que parte la pantalla. Musicalmente, las dos partes de "Storm" son un híbrido electro-rock que complementa perfectamente lo que Yung Lean ha estado haciendo en los últimos meses.
Un comentario en YouTube lo resume bien: "AI, buena suerte intentando hacer algo así."
STORM I — Letra
I got, got, got
I-I-I
You got a death wish
Got a death wish
Someone said: "Hey, you got a death wish"
It's on my hit list
I'm on the blacklist
On the Forbes list
Put it on my lip
I take another one
And you won't die for some
If you don't stand for none
So just go ahead and run
Run, run, run, run, run
Just go ahead and run
Run, run, run, just go a-
If you won't die for some (If you won't die for some)
If you don't stand for none (If you don't stand for none)
Got a death wish
It's on my hit list
I'm on the blacklist
On the Forbes list
STORM II — Letra
Like an empty fire
Like your desire
Like an empty fire
Stand tall, go higher
And on and on and on and on and on
And I say...
We stay united through the storm (Hey, hey, hey, hey, hey)
Lay all your love right on my door (Hey, hey, hey, hey, hey)
I never fall, I'm standing tall (Hey, hey, hey, hey, hey)
Go take the darkness out my heart (Hey, hey, hey, hey, hey)
Ihlo nació en 2016 cuando el guitarrista Phil Monro encontró a Andy Robison —vocalista y teclista— a través de grupos de memes de Facebook. Así de raro y así de actual. Los dos empezaron a colaborar en remoto antes de incorporar al batería Clark McMenemy en 2017.
"Triumph" es el quinto corte de su debut "Union" (2019), un álbum que alcanzó el número 1 en las listas de Progressive Metal de Bandcamp y que se ha convertido en algo así como un disco de culto. Su sonido mezcla metal progresivo, elementos electrónicos e influencias del pop, con referencias declaradas como Porcupine Tree, Devin Townsend y TesseracT.
Una curiosidad: la banda se llamó en origen proyecto de estudio, sin intención de tocar en directo. Hoy son teloneros de Leprous y Between the Buried and Me. No está nada mal para empezar por memes.
En 2024 "Union" fue remasterizado por Acle Kahney de TesseracT y editado en vinilo por primera vez, con dos grabaciones en directo del ProgPower Europe 2023 como bonus.
"Triumph" (Versión Instrumental) (2020) publicada en Bandcamp.
Vale la pena escucharla para apreciar el trabajo de las capas electrónicas sin la voz encima.
Un australiano, una traición real y un gancho que no puedes sacarte de la cabeza.
Jude York es el nombre artístico de Jeremy Beamish, nacido en Toowoomba, Queensland, en una familia musical: su madre, cantante de ópera; su padre, compositor de jingles. En 2022 compitió en la selección australiana para Eurovisión con "I Won't Need to Dream". Desde entonces ha construido su carrera a golpe de TikTok y Spinnin' Records, acumulando millones de streams con su pop cinematográfico y nostálgico.
"Camilla" se publicó el 24 de abril de 2026 y es, sin rodeos, una canción sobre la traición de Carlos y Diana. El tema arranca con un eco musical de la legendaria entrevista de Diana en el Panorama de la BBC de 1995, cuando dijo que en su matrimonio eran tres y la cosa era un poco abarrotada. York canta aparentemente desde la perspectiva de la persona traicionada, con Camilla como presencia que acecha en el espejo.
La curiosidad: la canción circuló meses antes en TikTok como un simple tease — el famoso "Ca-Ca-Ca-Camilla" — y los fans llevaban semanas rogándole que la lanzara de una vez. Funcionó: el día del lanzamiento ya era viral.
Little, little kisser, like to keep it all discreet
Lipstick on your collar from the shadow on the street
Bite my tongue, know nothing, tryna...
And if I'm too late, how do I compete?
I thought I'd be the last man standing
But when I close my eyes, then who is she?
You swore it'd be just us crash-landin'
Ah-ah, woah, woah
Then there were three
I see her face in the back of the mirror
Ca-Ca-Ca-Ca-Camilla, Ca-Ca-Camilla
I hate the taste on my tongue, it's so bitter
Ca-Ca-Ca-Ca-Camilla, Ca-Ca-Camilla
Oh, I see her face in the back of the mirror
Ca-Ca-Ca-Ca-Camilla, Ca-Ca-Camilla (Ooh)
I hate the taste on my tongue, it's so bitter (Ah)
Dominic Sanderson tiene 26 años y ya es una de las voces más interesantes del prog rock contemporáneo. Sus referencias declaradas son Van der Graaf Generator y King Crimson, pero las toma como punto de partida para construir algo propio, con resultados sorprendentes.
From the Weeping Cradle abre su segundo álbum, Blazing Revelations (2025), con una duración de 12 minutos. Arranca con un clavinet girador y un riff de guitarra disonante, que dan paso a una sección más directa, con bajo y batería empujando con urgencia y flauta añadiendo otra textura.
Curiosidades:
El álbum fue grabado y mezclado en una radio abandonada a lo largo de 10 meses durante 2024.
Andy Frizell, el saxofonista de la banda, fue el profesor de música de Dominic. Es el único miembro que no es "ridículamente joven".
La canción abre con un motivo de clavinet, algo que ya de entrada marca las intenciones del disco.
Versión en directo que merece la pena:
En febrero de 2026 Sanderson publicó Live Revelations, grabado en el Birmingham Symphony Hall, sin click, sin pistas de apoyo y sin retoques digitales: prog rock de la vieja escuela en estado puro.
Perched in the throne room of naivety
The wine is plentiful and the trumpets sing
But to no avail, as dusk sprints away and dawn thinks again
And as he climbs up from his stool, he wails, carrying the burden of gain
He calls out and the echo returns
And rising from his stupor, he opens the doors
Emerald green scales the heights of pageantry
And crystals, clear and pure, line the rocks beneath
As the building behind him crumbles and rots in the face of longevity
The song he hears cannot be scored, named or replicated by tethered souls
Bleary-eyed and drooling, he calls out once more
And seeing the mighty oak stir, he knows what to do
And he climbs, rung by rung as his robe is carefully dismantled by a hundred hands
And he climbs, rung by rung as another golden captive dares to freefall into further entrapment
And he climbs, rung by rung as the sap cleanses and heals the brand of misguided worship on his palms
And he climbs, rung by rung encased in an arbour of spiralling jade
And as he reaches for the final rung, the sacrifice can begin under the watch of tangerine regality
What is this glow that radiates with majesty and casts its blessings far and wide for all to see?
Eating away at me is a pounding revelation never felt before that overwhelms and humbles my cause
Rising from its feet, my judgement slaps its lips and belches forth its hazy diatribes in a roaring whirlwind
Gong nació en París en 1967 de la mano de Daevid Allen, uno de los fundadores de Soft Machine. Tras décadas de psicodelia espacial, jazz y rock progresivo, Allen falleció en marzo de 2015, pero antes dejó encargado al guitarrista y cantante Kavus Torabi de continuar con la banda.
My Sawtooth Wake pertenece al álbum The Universe Also Collapses (2019), su primera entrega para el sello Kscope. Un épico de casi 13 minutos que captura a la banda en plena forma, con un vídeo que hace juego con la locura sonora.
Kavus Torabi describe el disco como el intento de hacer "el álbum de rock psicodélico definitivo", queriendo poner a Gong de vuelta en el corazón de la psicodelia más pura.
Curiosidad: en los créditos del álbum, Kavus da las gracias expresamente a Dan Chudley "por la cola de sirena que se escucha chapoteando en las aguas tranquilas cerca del final de My Sawtooth Wake". Ese detalle dice mucho del universo sonoro de Gong.
Torabi considera The Universe Also Collapses el punto de partida de la trilogía donde esta versión de Gong "realmente encontró su sonido".
Y la versión en directo, del álbum Pulsing Signals (2022), grabada en la gira de 2019 — la última antes de que la pandemia lo detuviera todo:
Granada, 1996. Todo empezó de una manera tan simple como explosiva: los hermanos Antonio y Jesús Arias, líderes de Lagartija Nick, le muestran a Morente el poema "La niña ahogada en un pozo" de Lorca musicalizado sobre "Helter Skelter" de The Beatles. Morente vio la luz. A partir de ahí, la idea se mezcló con un proyecto que el cantaor ya tenía en marcha: un homenaje a Leonard Cohen. El resultado fue "Omega", publicado por El Europeo Música, un álbum que funde poemas de "Poeta en Nueva York" de Federico García Lorca con canciones del cantautor canadiense, con la participación de artistas como Vicente Amigo, Tomatito, Estrella Morente o Cañizares.
La canción que abre y da título al disco es esta: casi once minutos de flamenco y rock distorsionado construidos sobre el "Poema para los muertos" de Lorca. Guitarra flamenca de Miguel Ángel Cortés, palmas y coros, y Lagartija Nick desplegando una toxicidad thrash que crece junto a la voz de Morente. Ponerla al principio fue un acto de valentía o de inconsciencia —o de las dos cosas a la vez.
La presentación del disco, en marzo de 1996 en el Teatro Albéniz de Madrid, fue histórica: sala llena para ver al maestro cantaor, y de repente aparece con una banda de rock. La que se montó fue considerable.
La grabación fue tan visceral que terminó quemando a todos: Lagartija Nick se disgregaron días antes de comenzar la gira. Aun así, el disco sobrevivió a sus creadores. Rockdelux lo eligió el mejor álbum nacional de la temporada 1997.
Como la noche es interminable
cuando se apoya en los enfermos.
Y hay barcos que buscan ser mirados
para poder hundirse tranquilos.
Si cada aldea tuviera una sirena
mi corazón tendría la forma de un zapato.
No solloces. Silencio, que no nos sientan.
Espera. ¡Las hierbas!
Se cayeron las estatuas
al abrirse la gran puerta.
¡¡Las hierbaaas!!
(Poema original: Federico García Lorca)
Directo del FIB 2008, donde Morente y Lagartija Nick resucitaron el disco doce años después:
Diablo Blvd nació en 2005 en Amberes (Bélgica), fundada por el guitarrista Dave Hubrechts y por Alex Agnew, conocido humorista de stand-up y el primer belga en ganar el prestigioso Festival de Cabaret de Leiden (Países Bajos) en 2003. Sí, el cantante de una banda de metal era la mayor estrella de la comedia del Benelux.
El nombre del grupo viene de una canción de Corrosion of Conformity.
Sing From The Gallows es uno de los dos singles adelanto de su cuarto y último álbum, Zero Hour (2017, Nuclear Blast). Ese disco fue su declaración política más contundente, inspirada en el clima de división global del momento. Guerra fría emocional, muros que vuelven a levantarse, políticos con la marca de Caín... el tema suena tan vigente hoy como entonces.
El videoclip forma parte de un concepto visual junto al otro single, Animal: en ambos aparece Alex Agnew caracterizado como una especie de presidente o canciller.
La banda se disolvió en 2018 tras 13 años de carrera. Un último concierto en el AB de Bruselas y telón.
Mongolia, 2018. Cuatro músicos formados en el Conservatorio Estatal de Música y Danza de Ulán Bator publican su primer vídeo en YouTube y el mundo se para un momento. El sonido es imposible de clasificar: canto difónico mongol, morin khuur (violín de cabeza de caballo), tovshuur y guitarras eléctricas. Ellos lo llaman "Hunnu Rock".
"Yuve Yuve Yu" significa literalmente "¿Qué extraño, qué extraño?" y la letra es una denuncia: la generación actual vive de espaldas a los valores y la herencia de sus ancestros mongoles. Hay referencias directas a Gengis Khan y un grito final —"¡Traidor, arrodíllate!"— que no deja indiferente a nadie.
Algunos datos curiosos:
- El nombre "The HU" viene de la raíz mongola de "ser humano". De ahí también la palabra "huno".
- La banda fue el primer grupo mongol en entrar en el "Billboard Hard Rock Digital Song Sales".
- En 2019 fueron recibidos por el "presidente de Mongolia" y recibieron la Orden de Gengis Khan por promover la cultura del país.
Versión con Danny Case (From Ashes to New):
En 2019, con motivo de la gira norteamericana, publicaron una versión con voz añadida en inglés. Curiosamente, la parte vocal en inglés encaja perfectamente con los cánticos mongoles, lo que dice mucho de la universalidad de la canción.
SIXSTRINGS es una banda de hard rock de la zona de Barcelona, proyecto personal de Jose Salvador, guitarrista y vocalista que lo empezó todo en solitario grabando, componiendo y produciendo él mismo su primer disco, "Cries of the Soul" (2019). Con el tiempo la banda tomó forma con David Sáez a la batería y Ricard Fernández al bajo, y en 2022 publicaron "No Future", un álbum que recibió un 9/10 en Mariskal Rock y elogios en medios como La Heavy. Sus influencias van de Van Halen y Mötley Crüe a Airbourne, con ese sabor a hard rock clásico de toda la vida.
Hoy publican "Ride on Steel", nuevo single y adelanto de su próximo trabajo "World is on Fire", previsto para el 22 de mayo de 2026. Una curiosidad: Jose Salvador tiene en su haber haber grabado un solo de guitarra invitado en el álbum "Hands Without Shadows II: Voices" de Michael Angelo Batio, una de las leyendas de la guitarra shred. No está nada mal para un proyecto que empezó como algo completamente casero.
Hoy toca una canción que tiene una referencia directa a la festividad: The Tipu House tiene una línea que habla de "el día de los libros y las rosas cerrado firmamente a la puerta" — una imagen amarga y perfecta para el día en que precisamente celebramos exactamente eso.
The Tipu House es el segundo single del álbum Curious Ruminant (2025), el 24.º disco de estudio de Jethro Tull, publicado a través de InsideOut Music.
Ian Anderson la describe como "una canción de aspiración en la adversidad". La idea nace de sus paseos por la ciudad de Barcelona, cámara en mano, observando las diferencias entre viviendas humildes y mansiones, y preguntándose qué vidas y sueños se esconden dentro.
Su reflexión: que nuestras sociedades están llenas de personas que han ascendido desde la pobreza relativa hasta posiciones de grandeza, y que sus éxitos son un faro de esperanza para los demás.
Con apenas tres minutos y medio, la canción recupera las raíces folk-rock del grupo, incluido un solo de flauta. El álbum también incorpora acordeón, mandolina, guitarras acústicas y tenor, un recordatorio sutil de la herencia de Tull de los años 70.
El vídeo oficial está dirigido por Costin Chioreanu, que ya trabajó en los singles anteriores del grupo.
Que nadie os cierre la puerta de los libros y las rosas. 🌹📚
In the tipu house live all kinds of people
Old ladies up the back stairs, young lives dreamt away
Their useless husbands drink through the long hot evening:
Maybe I could be one, with some practice and a prayer
All God's children play in that toxic city garden
Stealing from their brethren a saucy view or more
Of domestic incidents and guilty copulation
The day of books and roses shown firmly to the door
In the tipu house you feel for your neighbour
Trade rice and greasy vegetables, shoulders on which to cry
You don’t feel so good about them quite all of the time
And someone has to fix the plumbing, or at least give it a try
All God's children play in that toxic city garden
Stealing from their brethren a saucy view or more
Of domestic incidents and guilty copulation
The day of books and roses shown firmly to the door
In the tipu house there’s a quiet insistent babble
Marital possibilities, grow fecund in the air
Secret forbidden dowries for joining better families
Whispered promises in the hubbub of the market square
All God's children play in that toxic city garden
Stealing from their brethren a saucy view or more
Of domestic incidents and guilty copulation
The day of books and roses shown firmly to the door
In the tipu house there are forever changes
Young gladiators, nourished by the football terrace beat
Aspire to vie in the moneylenders' temples of Madrid
Dream hungry dreams in smooth Brioni, turning up the heat
Dos músicos, una idea radical: fundir el prog-fusion con la música de cámara y orquestal. Eso es *Chemical Reactions* (2020), el álbum que abre precisamente con *Transmutation Circle*.
En este tema, batería y bajo eléctrico dialogan con un cuarteto de cuerda, mientras Harrison añade partes ocasionales de marimba. El resultado es tenso, preciso y completamente hipnótico.
Gavin Harrison es conocido mundialmente por su trabajo con Porcupine Tree, King Crimson y The Pineapple Thief. Antoine Fafard, bajista de origen canadiense afincado en el Reino Unido, lleva más de 20 años colaborando con algunos de los bateristas más respetados del mundo: Vinnie Colaiuta, Gary Husband, Simon Phillips, Todd Sucherman y Dave Weckl.
En 2024 publicaron un segundo álbum juntos, *Perpetual Mutations*, con la intención declarada de no repetir las mismas texturas sonoras del primero e incorporar nuevos instrumentos como guitarra clásica y piano.
*Transmutation Circle* es música instrumental, así que no hay letra. Solo escucha.
1981 Foreigner acaba de reducirse de seis a cuatro miembros, y esa nueva amplitud en el sonido abre la puerta a algo que nunca habían hecho: una balada de verdad. El productor Mutt Lange llega al proyecto con una visión muy enfocada en la radio, y cambia por completo la dirección del álbum 4.
La canción la escriben Mick Jones y Lou Gramm. Jones diría años después que la compuso casi en trance, sin saber muy bien de dónde venía.
El sintetizador del intro, esa marca inconfundible, no lo toca ningún miembro de la banda: lo interpreta un jovencísimo Thomas Dolby, entonces prácticamente desconocido, al que Mutt Lange había llamado después de escuchar su maqueta.
Durante la grabación de la voz, Lou Gramm cuenta en su autobiografía que apareció una mujer misteriosa en la sala de control que le inspiró para dar la mejor interpretación de su vida. Nunca supo quién era.
Curiosidad: Llegó al #2 del Billboard Hot 100 y se quedó ahí 10 semanas seguidas. No llegó al #1 porque Olivia Newton-John con "Physical" y luego Hall & Oates con "I Can't Go for That" se lo impidieron. Es la canción que más tiempo ha estado en el #2 sin llegar al #1 en la historia del Billboard Hot 100
Lo que la hace especial:
1. El sonido: Fue un cambio para Foreigner. Venían de un hard rock más duro y aquí apostaron por algo más suave, con teclados envolventes y la voz de Lou Gramm en plan melódico total
2. La letra: Habla de ese sentimiento de haber buscado mucho tiempo y por fin encontrar a "la persona". Muy directo, muy romántico, sin metáforas raras. _“I’ve been waiting for a girl like you to come into my life”_
3. El intro: Ese sintetizador que va subiendo es instantáneamente reconocible. Si suena en la radio, sabes qué canción es en 2 segundos.
So long, I've been looking too hard
I've been waiting too long
Sometimes I don't know what I will find
I only know it's a matter of time
When you love someone
When you love someone
It feels so right, so warm and true
I need to know if you feel it too
Maybe I'm wrong
Won't you tell me if I'm coming on too strong?
This heart of mine has been hurt before
This time I want to be sure
I've been waiting for a girl like you to come into my life
I've been waiting for a girl like you, you're a love that will survive
I've been waiting for someone new to make me feel alive
Yeah, waiting for a girl like you to come into my life
You're so good
When we make love it's understood
It's more than a touch or a word we'd say
Only in dreams could it be this way
When you love someone
Yeah, I really love someone
Now, I know it's right
From the moment I wake up 'til deep in the night
There's nowhere on earth that I'd rather be than holding you tenderly
I've been waiting for a girl like you to come into my life
I've been waiting for a girl like you, you're a love that will survive
I've been waiting for someone new to make me feel alive
Yeah, waiting for a girl like you to come into my life
I've been waiting, waiting for you, ooh
Ooh, I've been waiting
(Waiting) I've been waiting, yeah
(I've been waiting for a girl like you, I've been waiting)
Canadá, 2003. Tres chicos de Norwood, Ontario, llevan años trabajando un demo sin conseguir que ningún sello les haga caso. El productor Gavin Brown escucha el material, selecciona lo mejor y les pide más. Con Brown en producción, la banda crea "I Hate Everything About You", que despierta el interés de varias discográficas y les consigue el fichaje con Jive Records. La canción que les abre las puertas es también, veinte años después, su legado más duradero.
Adam Gontier siempre fue directo sobre su significado: para él era sobre reconocer algo en tu vida en lo que estás perdiendo el tiempo, ya sea una persona, una relación o cualquier otra cosa. Aunque muchos la leyeron como una canción de amor tóxico, otros la interpretaron como una metáfora de la adicción a las drogas —y ambas lecturas tienen su lógica, porque Gontier desarrolló una dependencia al OxyContin por aquella época.
La canción estuvo 46 semanas en el chart Mainstream Rock y 45 en el Modern Rock, convirtiéndose en la más longeva de la banda en ambas listas. En junio de 2025 superó los mil millones de streams en Spotify.
Versión
Vitamin String Quartet es un proyecto de Los Ángeles especializado en versionar rock y pop con cuarteto de cuerda, aplicando —según sus propias palabras— actitud rock and roll a técnica clásica. Su versión de esta canción forma parte del álbum *VSQ Performs Three Days Grace*, publicado en 2006. El resultado es inquietante y elegante a partes iguales: la rabia del original se convierte en algo más oscuro y contenido, casi cinematográfico.
Every time we lie awake
After every hit we take
Every feeling that I get
But I haven't missed you yet
Every roommate kept awake
By every sigh and scream we make
All the feelings that I get
But I still don't miss you yet
Only when I stop to think about it
I hate everything about you
Why do I love you?
I hate everything about you
Why do I love you?
Every time we lie awake
After every hit we take
Every feeling that I get
But I haven't missed you yet
Only when I stop to think about it
I hate everything about you
Why do I love you?
I hate everything about you
Why do I love you?
Only when I stop to think about you, I know
Only when you stop to think about me, do you know?
Jan Hammer nació el 17 de abril de 1948 en Praga. Llegó a la fama como teclista de la Mahavishnu Orchestra a principios de los 70, antes de convertirse en el compositor de la banda sonora de Miami Vice.
Cuando la invasión del Pacto de Varsovia interrumpió sus estudios en Praga en 1968, emigró a Estados Unidos gracias a una beca en el Berklee College of Music.
Crockett's Theme es un instrumental compuesto para la serie de la NBC. La primera versión apareció en el episodio "Calderone's Return: Part 1 – The Hit List", emitido el 19 de octubre de 1984, y distintos arreglos se fueron usando a lo largo de la serie. La primera edición comercial llegó en el álbum Miami Vice II a finales de 1986, y el single con una mezcla ligeramente diferente se publicó en 1987.
El tema fue número uno en Bélgica y los Países Bajos, y llegó al número dos en Irlanda y el Reino Unido.
Al menos ocho versiones oficiales han sido publicadas a lo largo de los años. En 1991 fue relanzado en el Reino Unido tras aparecer en una serie de anuncios del banco NatWest.
