Ska-P - El vals del obrero

"El vals del obrero" da título al segundo álbum de Ska-P, publicado el 21 de marzo de 1996 con RCA. Es el disco que los lanzó a nivel internacional. La banda se formó en Madrid en 1994 y mezcla ska, punk y denuncia social.

Curiosidades:

- La portada de "El vals del obrero" muestra a un patrón enfundado en oro y dinero, con un águila fascista, manejando a un obrero como si fuera una marioneta.

- Aunque el single más conocido del disco fue "Cannabis", esta canción se convirtió en un himno de la clase trabajadora y se sigue tocando al final de sus conciertos.

- La selección femenina española de baloncesto la cantaba a coro antes de los partidos del Mundial de Canarias, donde ganó la medalla de bronce.

Significado de la letra: es un canto de orgullo obrero. Habla de pertenecer a la clase trabajadora y de lo que cuesta salir adelante mientras otros se benefician de ese trabajo. Llama a la unión entre compañeros y a no rendirse, con un estribillo que gira en torno a la palabra "resistencia".

Videoclip: 

Letra: 

Orgulloso de estar (orgulloso de estar)

Entre el proletariado (entre el proletariado)

Es difícil llegar a fin de mes y tener que sudar y sudar

Pa' ganar nuestro pan

Este es mi sitio, esta es mi gente

Somos obreros, la clase preferente

Por eso, hermano proletario, con orgullo yo te canto esta canción

Somos la revolución

Sí señor, la revolución

Sí señor, sí señor, somos la revolución

Tu enemigo es el patrón

Sí señor, sí señor, somos la revolución

Viva la revolución

Estoy hasta los cojones de aguantar a

Sanguijuelas, los que me roban mi dignidad

Mi vida se consume soportando esta rutina

Que me ahoga cada día mas

Feliz el empresario, más callos en mis manos

Mis riñones van a reventar

No tengo un puto duro pero sigo cotizando

A tu estado del bienestar, ¡arriba!

¡Resistencia!

¡Resistencia!

¡Resistencia!

Baila hermano el vals del obrero

Este es mi sitio, esta es mi gente

Somos obreros, la clase preferente

Por eso, hermano proletario, con orgullo yo te canto esta canción

Somos la revolución

Sí señor, la revolución

Sí señor, sí señor, somos la revolución

Tu enemigo es el patrón

Sí señor, sí señor, somos la revolución

Viva la revolución

En esta democracia hay mucho listo que se lucra

Exprimiendo a nuestra clase social

Les importa cuatro huevos si tienes catorce hijos

Y la abuela no se puede operar

Somos los obreros, la base de este juego

En el que siempre pierde el mismo "pringao"

Un juego bien pensado en el que nos tienen callados

Y te joden si no quieres jugar

¡Resistencia!

¡Resistencia!

¡Resistencia!

¡Resistencia!

Ska, ska, ska, ska

¡Resistencia!

¡Resistencia!

¡Resistencia!

Resistencia, resistencia, resistencia

¡Resistencia!

Insistimos

¡Resistencia!

¡Resistencia!

¡Resistencia!

Resistencia, resistencia, de-so-be-dien-cia

Miguel Bosé - Si tú no vuelves

"Si tú no vuelves" fue el primer single de "Bajo el signo de Caín", el disco con el que Bosé abrió una nueva etapa a principios de los 90. Salió a finales de 1992 y la firmó junto a Lanfranco Ferrario y Massimo Grilli. Para la edición internacional del álbum grabó también una versión en italiano, "Se tu non torni", y otra en inglés, "They're only words".

Curiosidades:

- Mucha gente piensa que es una canción de desamor, pero Bosé ha contado que nació a raíz de una pérdida dolorosa y repentina en su entorno. Reconoce que se pueda leer como una canción de amor, e incluso como un chantaje, porque "hay mucho amor ahí dentro".

- Amaral junto a Chetes hicieron su propia versión en 2005.

- Este mismo año se ha vuelto a poner de moda por una razón inesperada. El exfutbolista chileno Mauricio Pinilla la cantó en el programa "Fiebre de Canto" con un resultado que se hizo viral. Bosé respondió en TikTok con un vídeo junto a sus perros usando el audio de Pinilla, guiño directo al verso "junto a mi perro".

Significado de la letra: el narrador se queda solo y habla de lo que pasará si la otra persona no regresa. Los mares se secarán, la tierra quedará convertida en un desierto y su voluntad se hará pequeña. Todo el paisaje se vacía sin esa persona, y él se queda esperando con su perro, mirando el horizonte. Es una canción sobre la ausencia y sobre la imposibilidad de aceptar que alguien no va a volver.

Videoclip: 

En 2007 Bosé la regrabó a dúo con Shakira para el disco "Papito", y fue un éxito en España e Italia. Ella entra para cerrar la canción en un crescendo final.

Versión con Shakira: 

Letra: 

Si tú no vuelves

se secarán todos los mares

y esperaré sin ti

tapiado al fondo de algún recuerdo

Si tú no vuelves

mi voluntad se hará pequeña...

Me quedaré aquí

junto a mi perro espiando horizontes

Si tú no vuelves

no quedarán más que desiertos

y escucharé por sí

algún latido le queda a esta tierra

que era tan serena cuando me querías

había un perfume fresco que yo respiraba

era tan bonita, era así de grande

no tenía fin...

Y cada noche vendrá una estrella

a hacerme compañía

que te cuente como estoy

y sepas lo que hay.

Dime amor, amor, amor

estoy aquí ¿no ves?

Si no vuelves no habrá vida

no sé lo que haré

Si tú no vuelves

No habrá esperanza ni habrá nada

Caminaré sin ti

Con mi tristeza bebiendo lluvia

Que era tan serena cuando me querías

Había un perfume fresco que yo respiraba

Era tan bonita, era así de grande

No tenía fin...

Y cada noche vendrá una estrella

A hacerme compañía

Que te cuente como estoy

Y sepas lo que hay.

Dime amor, amor, amor

Estoy aquí ¿no ves?

Si no vuelves no habrá vida

no sé lo que haré

HamaSaari - Frames

"Frames" es el single que abrió el camino a "Pictures", el segundo álbum de los franceses HamaSaari, publicado el 23 de enero de 2026 con Klonosphere. Cuenta con la voz invitada de Christelle Ratri, bajista y cantante del grupo Kristel. Con casi siete minutos, es la canción más larga del disco. Empieza suave, con la percusión muy presente, y va creciendo hasta un tramo central más pesado y tenso, con giros que recuerdan a Tool.

HamaSaari son de Le Mans y nacieron de las cenizas de su anterior banda, Shuffle. Su debut fue "Ineffable" (2023). Citan a Karnivool como su gran influencia común, y en su sonido también se oyen Porcupine Tree y Pink Floyd.

Una curiosidad: en una entrevista contaron que querían un invitado externo que aportara emociones desde otro ángulo. A Christelle apenas le dieron indicaciones, grabó sus voces y les llegó directamente. En el tema, su voz acentúa el aire de trance.

Significado: la letra habla de un miedo interior que acecha como una sombra. El narrador oye voces lejanas, se queda paralizado y no consigue explicar lo que siente. Al final, esa angustia se disuelve en una imagen de liberación, entre cielo y tierra. Encaja con el concepto de "Pictures": los marcos que ponemos a lo que sentimos y lo que queda fuera de ellos.

Videoclip: 

También merece la pena la versión en directo, grabada en Le Petit Bain, la sala flotante sobre el Sena en París, durante la gira como teloneros de Gazpacho. Era el tema con el que abrían sus conciertos en esa gira.

Versión en directo (Le Petit Bain, París): 

Letra: 

 

I can hear their singing

From far away Sometimes

I can feel their shadows

When I'm Shivering At Nights

What Steers my mind

When I'm cruising At see

Every time I say it's nothing

I hear a sound

There's a voice in my head, telling me

To stay still, furtive

Spellbound mind capsized

With hollowed fears

I'm waiting for

An end here, where the days are coming from

And how fears drew the lines at time darkness comes

There's something more that I can't share with those words

But spare me please from blaming

Shadows

Shadows from my heart

Dark clouds

Time goes with thoughts and shapes

Then shadows

I feel my spirit out with fire

And then again, the tide goes out

My dust flying, over a field of breathing

Touching both sky and ground

Shines and oceans

Echolyn - Tiny Star

Pensilvania, 1989. Cuatro músicos forman Echolyn — siempre en minúscula, por decisión propia — y durante más de tres décadas construyen en silencio uno de los catálogos más honestos del prog rock americano. Sin grandes sellos, sin grandes campañas, sin grandes ruidos. Solo música.

En marzo de 2025 publicaron simultáneamente dos álbumes, TimeSilentRadio vii y TimeSilentRadio II, coincidiendo además con el 30 aniversario de su mítico As The World.  (REZONATZ) La crítica especializada los ha recibido como la colección de canciones más madura y mejor sonando de toda su carrera.

"Tiny Star" cierra el primero de los dos discos. Arranca con piano y guitarra acústica radiantes, con voces celestiales y percusión luminosa, y va creciendo hasta hacerse cada vez más terapéutica y sofisticada.  (Loudwire) La letra es un abrazo directo al oyente: entre tu esperanza y tu desesperanza, eres una pequeña estrella. Todo lo que necesitas.

Lyrics:

I've wanted to say something more

But can't find the time between broken lines

Of comet tails that burn across our sky

The angry word that we spoke today

Lingers on as we're running to stay

It's a ripping tide, that pulls us all astray

The harder things that we're learning to try

They're taking time as we're learning to fly

Are they worth the time?

Are they worth the time we're giving?

Every moon rises differently

It all depends on your galaxy

Between your hope and hopelessness

You are a tiny star

Ever wonder just how you are?

Would you travel just as far

To find the place you want to be

To be a tiny star?

We don't really have to rise to find

On the eve of something less inviting

All the movements are the same

The rain don't care that it's falling

All the voices tell me to ignore it

But my own won't let it be

The air don't care whose lungs it's filling

So on we blur, so on we blur

Every moon rises differently

It all depends on your galaxy

Between your hope and hopelessness

You are a tiny star

Ever wonder just how you are?

Would you travel just as far

To find the place you want to be

To be a tiny star?

All you need

All you need

All you need

Is to be a tiny star

Messa - The Dress

Hoy toca doom con mucho misterio. Messa son una banda italiana de Cittadella (Véneto), formada en 2014. Ellos mismos llaman a su sonido "scarlet doom", porque mezclan el doom con jazz, blues, dark wave y ambient. "The Dress" está en su cuarto disco, "The Spin" (2025, Metal Blade Records).

Dura casi ocho minutos y empieza como una combustión lenta, con armonías vocales muy cuidadas y guitarras densas. En la segunda mitad se va a un jazz en toda regla, con un solo de trompeta de Michele Tedesco. Es uno de los temas más largos del disco.

Curiosidades: para este disco la banda se fue a los años 80 y al goth rock más primitivo, con influencias como Sisters of Mercy, The Sound o Killing Joke. La cantante, Sara Bianchin, contó que para grabarlo "cedió parte de su cordura" y que, durante la gira por Estados Unidos, releyó libros de Cormac McCarthy. Dijo que quería unas letras más desnudas y directas que en los discos anteriores.

Significado: según la propia banda, la canción nace "del lugar más oscuro y del vacío insondable de uno mismo". El dolor da vueltas, aparece con violencia y vuelve a hundirse, y eso se refleja en el riff, una escala descendente que no deja de repetirse. El vestido es la puerta de entrada a un crucifijo personal construido con autodesprecio y desesperación.

Versión en directo: en junio de 2026 tocaron el tema en el Freak Valley Festival y lo grabó Rockpalast, el gran archivo de conciertos europeos. Lo han publicado como vídeo oficial en directo y vale la pena verlo.

Videoclip: 

Directo en Freak Valley (Rockpalast): 

Letra: 

Mind drifting

To one direction

Exhaustion here

Uncertainty blessing

I'm trapped like

A wasp in a beer glass

Don't even know

Myself anymore

Shape shifting

To one inception

Lunar piece

Corroded jawbreaker

I'm trapped inside

A nice velvet, blue dress

Don't even love

Myself anymore

All my monsters

Ready to feed

Coming over

Eating my heart

Coming over

Eating my heart

They're feasting

With no exception

Corpses here

Fragile as rice paper

I wonder how

How all this could happen

Don't even look

At myself anymore

Veil lifting

With my rejection

Golden beast

Of anger repressing

And I'm captive like

A ghost in my own flesh

Don't even cope

With myself anymore

All my monsters

Ready to feed

Coming over

Eating my heart

Coming over

Eating my heart

All my monsters

Ready to feed

Coming over

Eating my heart

Coming over

Eating my heart

Emily Jane White - Rupturing

"Rupturing" es la quinta canción de "They Moved in Shadow All Together", el quinto álbum de Emily Jane White, publicado en 2016 por el sello francés Talitres. El título del disco viene de la primera frase de la novela "Outer Dark" de Cormac McCarthy, que describe a un grupo de viajeros inquietantes bajando una colina de los Apalaches. Esa atmósfera oscura recorre todo el álbum.

El piano es el protagonista del disco, y "Rupturing" es una de las baladas más serenas, con el chelo de Shawn Alpay como acompañamiento. Emily Jane White nació en Fort Bragg (California) y vive en Oakland. Es cantautora, poeta y una de las voces del folk oscuro actual. Empezó a actuar con su propio nombre en 2003 y debutó en 2007 con "Dark Undercoat".

Sobre la letra: habla de la pérdida de la inocencia. De joven creías que serías eterno, y con los años se apaga el brillo de tus ojos y descubres que el camino está lleno de robos y delitos. Las plumas arrancadas una a una te dejan desnudo ante el viento, y Dios mira desde algún sitio, con las luces bajas, sin intervenir. Lo único que te queda es tu propia mano. Y detrás de todo hay algo que te arrebatan y que no ves, y que rompe el alma por dentro. Es una canción sobre el paso del tiempo, la soledad y un dolor que no sabes nombrar.

Vídeo: 

Letra: 

When you were young, you were taken by time

You thought you'd always be alive

And now the dwindling sparkle in your eye

You know the road is full

Of crime and thievery, truth be told

And to the mystery

Of something pulled away from me

And the soul rupturing

By something that I cannot see

One by one, feathers plucked from your skin

And there you lay, bare in the wind

And god is watching somewhere

With the lights dimmed

And the only hand you hold is

Your very own of gold

And to the mystery

Of something pulled away from me

And the soul rupturing

By something that I cannot see

Sami & Q-byk & Ruboy - Danita 7/17

Hoy toca makina del bueno. "Danita" es obra del dúo Sami & Q-byk (DJ Sami y DJ Qbyk), con Ruboy detrás, y sale por el sello Ruboy Records.

Curiosidades: el tema apareció primero en vinilo de 12 pulgadas dentro del EP "Msk Makina – Friends EP Vol. 1", publicado por Makina Station a finales de 2021. En 2022 salió como single en Ruboy Records, y en noviembre de 2023 llegó a las plataformas la versión "Short Edit", que es la que dejo hoy: dura poco más de tres minutos y lleva el título ampliado a "Danita 7/17".

Ruboy es Rubén Moreno, un productor que lleva sacando makina desde 1997 y que ha firmado trabajos con un montón de seudónimos y colaboradores. Sami & Q-byk ya habían pasado antes por su sello con "Mistake 101" (2021), otro tema que merece una escucha.

Significado de la letra: no tiene, es un tema instrumental. Aquí manda el bombo, el ritmo y la melodía.

Sofia Isella - Everybody Supports Women

Sofia Isella es una cantautora estadounidense nacida en Los Ángeles en 2005. Empezó tocando el violín de niña y escribió su primera letra a los ocho años. Su estilo mezcla dark pop, art pop e industrial, y es muy teatral en directo: suele actuar con ropa holgada y cubierta de barro.

"Everybody Supports Women" se publicó como single el 1 de septiembre de 2023. El estribillo ya circulaba por TikTok semanas antes del lanzamiento, y una crítica de la época cuenta que mucha gente se lo sabía de memoria antes de que saliera. Ese tirón la llevó a abrir conciertos de Melanie Martinez, Tom Odell y, en 2024, de Taylor Swift en el estadio de Wembley dentro del Eras Tour. La propia Sofia ha comentado que cree que esta canción pudo llamar la atención de Swift. En 2026 ha publicado su primer álbum, "Something Is a Shell".

El videoclip es tan inquietante como la canción. Alterna escenas de Sofia en un avión destrozado rodeado de maniquíes desmembrados con otras en blanco y negro en un almacén.

El significado: la letra es una sátira oscura sobre la hipocresía con la que se trata a las mujeres. Todo el mundo apoya a las mujeres y quiere que te quieras a ti misma, hasta que una de ellas triunfa o de verdad se quiere. Entonces empiezan la envidia, el cotilleo y las ganas de verla caer. La canción también retrata la misoginía interiorizada, con ese "yo no soy como las demás chicas" que usan unas mujeres para separarse de otras. Y señala cómo la cultura de las redes sociales las enfrenta entre sí, porque ver a otra mujer triunfar nos hace sentir peor con nuestra propia vida.

Letra: 

Everybody supports women until a woman's doing better than you

Everybody wants you to love yourself until you actually do

It was something about her hair, so perfectly fallen

She was nice, and smart, and funny, and got everything she wanted

And she does charity, isn't that the most obnoxious thing you've heard?

Her popularity, she's too pretty for her own good

She's probably self-centered, we hate her and she's nothing

If everybody leaves her, then she had it coming

Is there anything you'd like to put on the record

You know, while everyone is listening?

I would like it to be known that I'm not like her

I'm mocking her 'cause I'm not like her

I'm not like those girls who are not like those girls

I love doing makeup, I don't mock women like her, I'm not like her

As soon as she hits it, I'm kicking her out

She's had enough of the love, and I'm bringing her down

Everyone together on the count of three

One, two, you're mundane, we agree

Your ambition is swallowable if you tell the story right

Say that you hate yourself and self criticize

But if we smell desperation on your neck and face

We'll drag you across your own public stage

We burn her name in the back

Anything with her name attached

Her newspaper's in the trash

I just keep thinking man

What a waste

What a shame

I was starting to like her, but now she got great

We'd never hate her to her face

But I hope she knows

She knows, she knows, she knows

Hmm

I don't like your tone

I don't like how much you've grown

It's so boring to not be yanking muscle off of a woman's bone

Everybody hates the-, everyone hates the unrelatable

And I love to place two of 'em in the arena of the public's eye

And try and get 'em to fight about something dumb and we pick sides

'Cause staring at her too long made our life look like muted pastels

We'll love you if you just make us feel better about ourselves

And what a waste

What a shame

I was starting to like her, but now she got great

We'd never hate her to her face

But I hope she knows

She knows, she knows, she knows

And what a pain

I watch us spit her name while she's turned the other side

We never told it to her face

But I think she knows

She knows, she knows, she knows

Everybody supports women until a woman's doing better than you

Everybody wants you to love yourself until you actually do

It was something about her hair, so perfectly fallen

She was nice, and smart, and funny, and got everything she wanted

And she does charity, isn't that the most obnoxious thing you've heard?

Her popularity, she's too pretty for her own good

She's probably self-centered, we hate her and she's nothing

If everybody leaves her, then she had it coming

Everybody supports women until a woman's doing better than you

Everybody wants you to love yourself until you actually do

It was something about her hair

Mishima - Tornaràs a tremolar

Mishima es una banda de Barcelona liderada por David Carabén. Su nombre es un homenaje al escritor japonés Yukio Mishima. Empezaron cantando en inglés y dieron el salto al catalán en 2005, con "Trucar a casa. Recollir les fotos. Pagar la multa".

"Tornaràs a tremolar" abre la segunda mitad del disco "Ordre i aventura" (2010), grabado con Paco Loco, igual que "Set tota la vida". Es cortísima: dura menos de dos minutos y aun así se ha convertido en uno de sus temas más queridos. Años después, en la gira de "L'amor feliç", abrieron el concierto de presentación en el Auditori de Girona con ella y entusiasmó a un millar de personas.

En directo casi siempre la enlazan con "La forma d'un sentit", y esa unión ya es un clásico de sus conciertos. Aquí tienes la versión en directo de "Ara i aquí" (2019): 

La letra habla de salir del bloqueo emocional. Las sonrisas forzadas y los sollozos fingidos no sirven de nada, son palabras al viento. La canción promete que volverás a sentir, a llorar, a ver y a vivir, y que volverás a temblar. Es decir, que algún día volverás a estar vivo de verdad.

Letra: 

Si no hi ha res etern, ni els calés ni la feina,

ni els amics ni els amants,

els somnis somiats, els moments viscuts,

són com fulles al vent,

se les emporta enllà i capriciós les fa tornar, tornaràs a sofrir, tornaràs a plorar, tornaràs a sentir, tornaràs a somriure, tornaràs a somiar,

i la lletra de l'himne, sobreviurà a la cançó,

els petons robats, els tresors perduts,

els oblidats, són com fulles que el vent s'emporta enllà i capriciós les fa tornar,

tornaràs a mentir, tornaràs a pregar, t

ornaràs a creure, tornaràs a fer-ho veure, tornaràs a volar.

Si no hi ha res etern, la ressaca de dia i la botella de nit,

els somriures forçats, els sanglots fingits, són com paraules al vent,

malentesos passats que arreglaràs qui sap quan,

tornaràs a sentir, tornaràs a plorar, tornaràs a veure,

tornaràs a viure, tornaràs a tremolar.

The Pineapple Thief - New World Order

Abre "Far and Wide", el decimosexto álbum de estudio de The Pineapple Thief, publicado el 9 de octubre de 2026 con su nuevo sello, InsideOut Music. Se estrenó como single en agosto, junto al anuncio del disco, con un videoclip dirigido por George Laycock, colaborador habitual de la banda.


La banda la formó en 1999 Bruce Soord en Yeovil, Somerset. Hoy son cuatro: Soord (voz y guitarras), Jon Sykes (bajo), Steve Kitch (teclados) y Gavin Harrison (batería). Harrison, que también ha tocado en King Crimson y Porcupine Tree, entró en 2017, y este disco celebra una década de su llegada.

Con este álbum quisieron sonar más como una banda de rock y trasladar al estudio la energía del directo. Soord cuenta que se dieron cuenta de que no hacían falta más de dos guitarras a la vez, y eso se nota: la canción suena directa y contundente, con un groove marcado, sin perder la atmósfera de siempre.

La letra habla de la inquietud ante el estado del mundo. Soord avisa de que se está desmontando ante nuestros ojos todo lo que dábamos por sentado. Su voz suave contrasta con el ritmo agresivo de fondo, y eso aumenta la sensación de agitación. Encaja con el tono de su disco anterior, "It Leads To This" (2024), donde ya le preocupaba el mundo que heredarán las nuevas generaciones.

Letra: 

Confined to the dark

They're coming in to daylight

They're coming after everything we've ever known to be

Right in front of your eyes

I know it makes no sense

I know you won't believe me

Watching as it falls

Oh, it's so hard, it's so hard

Everything you thought was right is no more

They're coming in, they're coming in

They're coming in, they're coming in

They're coming in, they're coming in

They're coming in, they're coming in

Everywhere you look

Moving in the shadows

Just obeying orders

This is a new world order

Now it's come to this

Yeah, what do you think of this?

Yeah, what do you think of this?

Oh, it's so hard, it's so hard

They're coming in, they're coming in

They're coming in, they're coming in

They're coming in, they're coming in

Oh, what have we done?

It's all in a mess

Completely

You know what's been going on?

Completely

Can someone say what the hell's been going on?

What do you have to say?

I know it makes no sense

They're walking out in daylight

I know you can't believe me

But, what do you have to say?

You know it makes no sense

They're walking out in daylight

I know you can't believe me

So, what do you have to say?

I know it makes no sense

They're walking out in daylight

I know you won't believe me

So, what do you have to say?

I know it makes no sense

They're walking out in daylight

I know won't believe me

Oh, what have we done?

It's all a mess

Completely

You know what's been going on?

Completely

Just say what the hell's been going on

What do you have to say?

We're coming in, we're coming in

What do you have to say?

We're coming in, we're coming in

What do you have to say?

We're coming in, we're coming in

What do you have to say?

David Bowie - Blue Jean

"Blue Jean" fue el single que Bowie lanzó en 1984 para adelantar su álbum "Tonight", el sucesor del exitoso "Let's Dance". Es uno de los dos temas del disco escritos íntegramente por él y, para muchos, lo mejor de un álbum bastante flojo. Es un rock and roll sencillo, de aire cincuentero, ligeramente inspirado en Eddie Cochran y con un aire a "The Jean Genie". Fue un éxito en Reino Unido y Estados Unidos.

La letra cuenta cómo el narrador se queda prendado de una chica llamada Blue Jean, a la que ve como alguien fascinante y fuera de su alcance, y la persigue. Es una canción de flirteo y deseo sin mayor profundidad. El propio Bowie la describió años después, medio en broma, como "rock and roll sexista".

Curiosidades: para promocionarla se rodó "Jazzin' for Blue Jean", un cortometraje de 21 minutos dirigido por Julien Temple, en el que Bowie interpreta a dos personajes: Vic, un tipo normal que intenta impresionar a una chica, y Screaming Lord Byron, la estrella de rock engreída. Ese corto ganó el Grammy al mejor vídeo musical de formato corto en 1985, el único Grammy que Bowie recibió en vida. El videoclip "normal" es simplemente el fragmento donde Byron canta el tema, y existe una tercera versión rodada unos días después en el Wag Club de Londres.

Vídeo: 

Versión que merece la pena: el cortometraje completo "Jazzin' for Blue Jean", que cuenta la historia entera y es una pequeña joya de los 80.

Letra: 

Blue Jean, I just met me a girl named Blue Jean

Blue Jean, she got a camouflaged face and no money

Remember they always let you down when you need 'em

Oh, Blue Jean, is Heaven any sweeter than Blue Jean?

She got a police bike

She got a turned up nose

Sometimes I feel like (oh, the whole human race)

Jazzin' for Blue Jean (oh, and when my blue jean's blue)

Blue Jean can send me (oh, somebody send me)

Somebody send me (oh, somebody send me)

One day I'm gonna write a poem in a letter

One day I'm gonna get that faculty together

Remember that everybody has to wait in line

Oh, Blue Jean, look out world, oh, you know I've got mine

She got Latin roots

She got everything

Sometimes I feel like (oh, the whole human race)

Jazzin' for Blue Jean (oh, and when my blue jean's blue)

Blue Jean can send me (oh, somebody send me)

Somebody send me (oh, somebody send me)

Sometimes I feel like (oh, the whole human race)

Jazzin' for Blue Jean (oh, and when my blue jean's blue)

Blue Jean can send me (oh, somebody send me)

Somebody send me (oh, somebody send me)

Somebody, somebody (oh, somebody send me)

Somebody send me (oh, somebody send me)

Van Halen - When It's Love

Esta sí que es una balada de las de 1988: sintetizadores, estribillo enorme y un solo de guitarra de Eddie Van Halen. "When It's Love" es del disco "OU812" y fue el segundo single, tras "Black and Blue". Salió en junio de 1988 y llegó al número 5 del Billboard Hot 100.

Fue la primera canción que se compuso para el disco. Eddie y Alex le enseñaron a Sammy Hagar una base de teclado y batería, y Sammy cuenta que se le puso la piel de gallina. Él mismo ha dicho que la desarrollaron "al estilo Genesis". Lo curioso es que el primer tema que escribieron para un disco de Van Halen no fue un rockazo, sino una balada.

Eddie dijo que el solo de guitarra es un homenaje a Eric Clapton. La canción acabó en la lista de las 25 mejores power ballads de VH1.

Otra ironía es que Sammy escribió esta letra tan romántica justo cuando su matrimonio con Betsy se estaba rompiendo, porque ella sufría problemas de ansiedad y salud mental.

El título del álbum también tiene su historia. Iba a llamarse "Bone", pero Sammy vio un camión con la matrícula "OU812" ("oh you ate one too") y les hizo gracia. De paso, sonaba a pullita a David Lee Roth, el anterior cantante.

El videoclip se grabó en un bar entre fechas de gira. La banda toca mientras una pareja baila lento, y en un momento dado Michael Anthony le planta un beso en la mejilla a Eddie.

Significado de la letra: la pregunta de siempre, cómo saber cuándo es amor de verdad. La canción distingue entre una atracción pasajera y algo más profundo, y dice que cuando lo es, simplemente lo sabes.

Letra: 

Everybody's lookin' for somethin'

Somethin' to fill in the holes

We think a lot but don't talk much about it

'Til things get out of control

Oh, how do I know when it's love

I can't tell you but it lasts forever

How does it feel when it's love

It's just something you feel together

When it's love

You look at every face in a crowd

Some shine and some keep you guessin'

Waiting for someone to come into focus

Teach you your final love lesson

How do I know when it's love

I can't tell you but it lasts forever

How does it feel when it's love

It's just something you feel together

Oh oh oh oh

Oh when it's love

Oh oh oh oh

You can feel it yeah

Oh oh oh oh

Nothing's missing, yeah

Oh oh oh oh

Yeah, you can feel it

Oh oh oh oh

Oh when it's love

Oh oh oh oh

Nothing's missing

How do I know when it's love

I can't tell you but it lasts forever

Uh, how does it feel when it's love

It's just something you feel together

Hey, how do I know when it's love

I can't tell you but it lasts forever

When it's love

Uh, when it's love

Hey it lasts forever

(Na, na, na, na, na) when it's love

(Na, na, na, na, na)

(Na, na, na, na, na)

(Na, na, na, na, na) give it up

We're gonna feel this thing together (na, na, na, na, na)

When it's love, oh (na, na, na, na, na)

When it's love, baby (na, na, na, na, na)

(Na, na, na, na, na)

You can feel it, yeah

(Na, na, na, na, na)

(Na, na, na, na, na)

We'll make it last forever

(Na, na, na, na, na)

(Na, na, na, na, na)

Oh, it's love

Iron Maiden - Hell On Earth

Hell On Earth cierra "Senjutsu" (2021), el decimoséptimo álbum de estudio de Iron Maiden, grabado en París y publicado en plena pandemia. Con más de 11 minutos, es una de las composiciones largas de Steve Harris, que firma la canción en solitario. Empieza con un arranque suave y casi melancólico, va creciendo poco a poco y acaba en un final épico y muy heavy, marca de la casa. Es un cierre de disco que parece una despedida.

Curiosidad: Hell On Earth es la tercera pieza de más de diez minutos del disco y de las que mejor funcionan en directo. Ha estado en el repertorio de la gira "Future Past" y sonó en el último concierto de Nicko McBrain con la banda, en São Paulo en diciembre de 2024, antes de que se retirara de las giras.

Significado de la letra: habla del horror de la guerra y de sus víctimas. Menciona a niños armados, a gente que lucha en nombre de un dios y a la propaganda de las batallas. También habla de quienes sobrevivieron, de lo que han visto y de lo que han perdido. El mensaje final deja un rayo de esperanza, pero sin quitar peso a la tragedia.

Versión en directo (São Paulo, 2024, último concierto con Nicko McBrain):

Letra:

Beginning of a sunrise bores a big hole in the sky

Not to reason why that armed children are in this world

And fighting in the name of God's way

Mourning bleak and utter waste

The vanity of the world is assured now

Prey upon the weak no more

The spirits of those who are gone

Propaganda of the battles

That are lost or won

And count your blessings still alive

Of those who managed to survive

Inside oblivion of that hell on Earth

All you have been, all you have seen

Lost in somewhere in your dreams

How the angels they have fallen

All is nothing what it seems

And the voices that you hear now

And the voices in your head

Now are thinking of a lifetime

You can never feel again

I wish I could go back

I'll never be the same again

Bled for all upon this hell on Earth

And when I leave this world

I hope to see you all again

On the other side of hell on Earth

Upon the eyes of good

I'm following the light again

In between the dark of hell on Earth

On the other side, I'll see again in heaven

So far away from this hell on Earth

You dance on the graves who bled for us

Do you really think they'll come for us?

Knowledge and virtue, taken by lust

Live on the edge of those that you trust

You think that you have all the answers for all

In your arrogant way only one way to fall

Burning a lamp that is fire in your hands

Taking you further from these lands

Love in anger, life in danger

Lost in anger, life in danger

Love in anger, life in danger

Lost in anger, life in danger

Gabrielle Aplin - Waking Up Slow (Piano Version)

Una canción de despertar lento, de esas mañanas en las que el mundo todavía no te ha pedido nada. Gabrielle Aplin la publicó como single el 1 de septiembre de 2017 y fue el adelanto de su EP "Avalon", que salió en octubre de ese año. La escribió junto a Peter Rycroft y la producción es de Lostboy. La versión original suena a pop electrónico con aire ochentero, y el videoclip sigue esa línea, con Gabrielle paseando por la calle con ropa de los 80 en un ambiente de ensueño.

La versión de piano llegó poco después y es la que traemos hoy. Quita todo el brillo y deja la voz y las teclas, y la canción gana intimidad. Es la misma canción, pero más desnuda.

Una curiosidad: Gabrielle empezó subiendo versiones acústicas a YouTube con apenas 11 o 12 años, y de ahí pasó a firmar con Parlophone en 2012. Esta versión de piano es un poco volver a sus orígenes. Además, Popjustice la incluyó entre las mejores canciones pop de 2017.

La letra habla de una relación en la que se está bien sin prisas. Es esa sensación de despertarse junto a alguien sin necesidad de nada más, de quedarse en la cama y dejar que el día llegue despacio. Es una canción sobre la calma de querer y sentirse querida.

Versión piano:

Versión original:

Letra: 

Heaven help me

My mind changes like the wind

Please excuse me

I don't know where to begin

But I didn't think I cared

I could be your friend

But I'm unprepared

Oh, I've never felt like this

I was unaware

That you were lighting flares

Now I'm running scared

Oh, how did it come to this?

You know I've never been so lonely on my own

And it shows

'Cause I don't see you like I used to

Now I'm going back on the things that I know

Oh, all my nights taste like gold

Yeah, when I'm with you it's like everything glows

And all my days, we can lay low

Yeah, when we're waking up, we're waking up slow

I could rearrange

Would you do the same?

I don't wanna change

But you're just too good to miss

'Cause I'm intertwined

And I'm running blind

But I don't mind

I'm so glad it came to this

You know I've never been so lonely on my own

And it shows

'Cause I don't see you like I used to

Now I'm going back on the things that I know

Oh, all my nights taste like gold

Yeah, when I'm with you it's like everything glows

All my days, we can lay low

Yeah, when we're waking up, we're waking up slow

It's a little bit clearer now

I love you like the sun came out, oh

We're waking up, we're waking up slow

It's like I never had a doubt

I love you like the sun came out

We're waking up, we're waking up

Like I told ya

Don't look backwards

'Cause now I see you here

Nothing else matters

Like I told ya

Don't look backwards

'Cause now I see you here

I'm going back on the things that I know

All my nights taste like gold

Yeah, when I'm with you it's like everything glows

All my days, we can lay low

Yeah, when we're waking up, we're waking up slow

It's a little bit clearer now

I love you like the sun came out, oh

We're waking up, we're waking up slow

It's like I never had a doubt

I love you like the sun came out

We're waking up, we're waking up

Journey - Lights

"Lights" abre "Infinity" (1978), el primer álbum de Journey con Steve Perry como cantante. Perry entró en el grupo en octubre de 1977 para sustituir a Robert Fleischman, y el disco, producido por Roy Thomas Baker, cambió el rumbo de una banda que hasta entonces tocaba una fusión más instrumental y no acababa de vender. La firman Steve Perry y Neal Schon, y salió como single en 1978.

Tiene una anécdota muy buena: Perry la escribió casi entera en Los Ángeles y hablaba de Los Ángeles. El verso decía "el sol brilla sobre L.A." y no le convencía, así que la dejó aparcada. Cuando se mudó a San Francisco para unirse a Journey, cambió L.A. por "la bahía" y la canción encajó. Según contó, la idea le vino viendo amanecer en el Observatorio Griffith mientras las luces de la ciudad se apagaban. Schon la terminó con él en unos 20 minutos.

Al principio solo llegó al puesto 68 de la lista Billboard, pero con los años se ha vuelto uno de los temas más reconocibles de la banda, con doble platino en Estados Unidos. Es casi un himno de San Francisco y suena en los partidos de los Giants, incluso con Perry cantándola en las Series Mundiales de 2010, 2012 y 2014. Desde 2017, Schon la dedica a Perry en los conciertos.

La letra habla de añorar tu ciudad y querer volver a ella, con el amanecer sobre la bahía como imagen. Es una canción de nostalgia y de pertenencia, sin dramatismo.

Este año ha vuelto a sonar gracias a la versión de Donna Missal para la película de Netflix "Voicemails for Isabelle" (2026), que se publicó el 19 de junio de 2026 y abre su banda sonora. La película está ambientada en San Francisco y la canción aparece en una escena de concierto en directo. Es una versión más íntima y contenida que la de Journey, que cambia el brillo del rock por un tono más melancólico.

Letra: 

When the lights go down in the city

And the sun shines on the bay

Ooh, I wanna be there, yeah, in my city

Oh, whoa, oh

Oh, oh, oh, whoa, oh

So you think you're lonely

Well, my friend, I'm lonely, too

I wanna get back to my city by the bay

Oh, oh, oh, whoa, oh

It's sad

Oh, there's been mornings out on the road without you

Without your charms

Oh, whoa, oh

My, my, my, my, my, my

Oh, oh, oh, whoa, oh

When the lights go down in the city

And the sun shines on the bay

Ooh, I wanna be there, yeah, in my city

Oh, whoa, oh

Oh, oh, oh, whoa, oh

When the lights go down in the city

And the sun shines on the bay

Ooh, I wanna be there, yeah, in my city

Oh, whoa, oh

Oh, oh, oh, whoa, oh

Mm

Oh, oh, oh, whoa, oh

Genesis - Follow You Follow Me

"Follow You Follow Me" se publicó el 24 de febrero de 1978 como primer single de "...And Then There Were Three...", el primer disco de Genesis tras la marcha de Steve Hackett. Ya convertidos en trío (Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford), les dio su primer gran éxito: número 7 en Reino Unido y número 23 en Estados Unidos.

Nació de un riff de guitarra de Rutherford, al que Banks añadió acordes y Collins dio forma. Banks la describe como su único tema compuesto de verdad entre los tres. El sonido de la intro es de un pedal flanger MXR, y se grabó en los estudios Relight, en Países Bajos.

Rutherford escribió la letra en unos diez minutos (aunque insiste en que "no tanto"), pensando en su mujer, Angie, a la que veía poco por las giras. Dice que le pareció que no podía ser buena, pero que ahí estaba el encanto. Además, la banda quería llegar a más público femenino, y según Rutherford lo consiguió: después de este tema, los chicos podían decirle a sus novias "esta es la canción que te gusta".

La letra es una declaración de amor sencilla: la promesa de acompañar a la persona amada y de estar siempre a su lado, pase lo que pase. Fue la primera canción de amor tan directa de la banda, que hasta entonces se movía entre historias largas y fantasías.

El videoclip es una actuación mimada de la banda grabada en los Shepperton Studios. Collins aparece con una especie de shaker mientras canta, pero también se grabó por separado tocando la batería.

Vídeo:

Merece la pena la versión en directo de Londres de 1980, con la banda ya más rodada y Collins en plena forma:

Letra: 

Stay with me

My love, I hope you'll always be

Right here by my side if ever I need you

Oh, my love

In your arms

I feel so safe and so secure

And everyday is such a perfect day to spend

Alone with you

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year

With the dark

Oh, I see so very clearly now

All my fears are drifting by me so slowly now

Fading away

I can say

The night is long, but you are here

Close at hand, oh, I'm better for the smile you give

And while I live

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year there will be

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year

I will follow you, will you follow me?

All of the days and nights that we know will be

I will stay with you, will you stay with me?

Just one single tear in each passing year

Queen - Who Wants to Live Forever

Brian May compuso este tema para la película "Highlander" (1986) después de ver imágenes de la escena en que el protagonista, inmortal, ve morir de vejez a su esposa. La canción apareció ese mismo año en el álbum "A Kind of Magic" y se publicó como single, pero solo llegó al puesto 24 en las listas del Reino Unido. Con el tiempo se ha convertido en una de las baladas más queridas de la banda.

Detalles que merecen mención: la grabación cuenta con la National Philharmonic Orchestra, dirigida y arreglada por Michael Kamen junto a May. En la versión del álbum cantan tanto May como Freddie Mercury, mientras que en la película es Mercury quien canta todas las partes. El videoclip, dirigido por David Mallet, muestra a la banda con la orquesta rodeada de velas. Roger Taylor es el único que no va vestido para la ocasión, y contó que bebió bastante durante el rodaje y no recordaba sus partes. En 2025 volvió a sonar en el tráiler de la última temporada de "Stranger Things".

La letra habla de lo efímero del amor y de la vida. Se pregunta quién querría vivir para siempre si eso significa perder a quien amas, y reclama que lo único que tenemos es el tiempo que nos toca. Es una mezcla de dolor, resignación y aceptación, y escuchada con Freddie Mercury cantándola, el mensaje pesa todavía más.

Vídeo: 

En 1996 la banda alemana Dune convirtió esta balada en un tema de eurodance, y fue un gran éxito de ventas. Cambia por completo el tono del original, pasando de la solemnidad orquestal a los ritmos de pista de baile, pero la melodía sigue siendo inconfundible. Si quieres comprobar hasta dónde aguanta una gran canción, aquí la tienes.

Versión de Dune:

Letra: 

There's no time for us

There's no place for us

What is this thing that builds our dreams, yet slips away from us

Who wants to live forever

Who wants to live forever

Oh ooo oh

There's no chance for us

It's all decided for us

This world has only one sweet moment set aside for us

Who wants to live forever

Who wants to live forever

Ooh

Who dares to love forever

Oh oo woh, when love must die

But touch my tears with your lips

Touch my world with your fingertips

And we can have forever

And we can love forever

Forever is our today

Who wants to live forever

Who wants to live forever

Forever is our today

Who waits forever anyway?

Antoine Fafard - The Seventh Extinction

Hoy toca un tema instrumental de bajista canadiense afincado en Londres. "The Seventh Extinction" es el cuarto corte de "Borromean Odyssey" (2019), el sexto álbum en solitario de Antoine Fafard, y dura 5:28. Es un rock progresivo con mucho aire de jazz fusion, de los que tienen un groove sólido y mucha técnica.

Fafard tocó todo el bajo y las guitarras, y en la batería está Todd Sucherman (el batería de Styx) y en los teclados Gary Husband. Antoine empezó con la banda de rock progresivo Spaced Out en los 2000 y desde 2011 publica discos con su nombre, siempre rodeado de grandes baterías como Vinnie Colaiuta, Dave Weckl, Simon Phillips o Gavin Harrison. De hecho, en 2025 sacó "Circle of Eight", un vinilo recopilatorio con ocho temas que destacan a ocho baterías con los que ha grabado, y "The Seventh Extinction" es el tema de Sucherman.

Al no tener letra, el significado queda en el título. Mi lectura es que alude a una hipotética nueva extinción masiva, la que vendría después de la sexta que muchos científicos dicen que ya estamos viviendo, y la música le pone la tensión y el dramatismo.

Merece la pena ver también la versión en directo que Todd Sucherman tocó en el UK Drum Show 2025 junto a Gary Husband. Se nota todavía más lo que se le exige a la batería en este tema:

Green Lung - Ozymandias

Green Lung son una banda londinense de rock oculto y doom formada en 2017, famosa por mezclar folklore británico, terror de la Hammer y riffs de la vieja escuela. "Ozymandias" es el séptimo tema de "Necropolitan", su cuarto álbum, publicado el 11 de septiembre de 2026 con Nuclear Blast. Lo grabaron en Rockfield con Tom Dalgety como productor.

El disco es una carta de amor a la Londres gótica: cementerios victorianos, el tren de los muertos y fantasmas. Dentro de ese ambiente, "Ozymandias" se sale del tiesto porque parte de un poema de verdad, el soneto de Percy Bysshe Shelley de 1818. La crítica la señala como una de las mejores del álbum. Tiene riffs a lo Iommi, un toque funky, coros a lo Iron Maiden y un órgano Hammond protagonista. Dura 5:35 y va creciendo hasta un final muy teatral.

Curiosidades:

- El poema de Shelley nació de la fama de una estatua fragmentada de Ramsés II, que llegó a Londres en 1821, años después de escribirse.

- Shelley lo escribió casi en un duelo con su amigo Horace Smith, que publicó su propio soneto sobre el mismo tema.

- Tom Templar, el vocalista, es el responsable de unas letras llenas de referencias y guiños literarios.

Significado de la letra: habla de la vanidad del poder. Un rey que se creía eterno solo deja una estatua rota en medio del desierto, con su "Look on my Works, ye Mighty, and despair!" convertido en ironía. Los imperios caen y la naturaleza se queda. Encaja con el resto del álbum, que reflexiona sobre cómo lo natural acaba sobreviviendo al dominio humano.

Letra: 

A traveller from an antique land

Wandering alone

Told me he found a ruin in the sand

Two vast legs of stone

The pharaoh's statue lay there

Three thousand years undisturbed

A pedestal loomed, monumental

Upon it were written these words

My name is Ozymandias, King of Kings

Look on my works, ye Mighty, and despair

Yeah, Ozymandias, King of Kings

He rules a desert boundless and bare

Yeah

The traveller stared at the face of the king

Shattered in the sand

Under the crown of the cobra coiled

He sneered with cold command

His kingdom once had been endless

Like that of Ashurbanipal

Now he looked out at a desert

One day all empires must fall

My name is Ozymandias, King of Kings

Look on my works, ye Mighty, and despair

Yeah, Ozymandias, King of Kings

He rules a desert boundless and bare

Yeah

Look on my works, ye Mighty, and despair

Look on my works, ye Mighty, and despair

My name is Ozymandias, King of Kings

Look on my works, ye Mighty, and despair

Yeah, Ozymandias, King of Kings

He rules a desert boundless and bare

Yeah

My name is Ozymandias, King of Kings

My name is Ozymandias, King of Kings

Jean-Michel Jarre - Revolution, Revolutions

"Revolution, Revolutions" es el tema que da título al noveno álbum de Jean-Michel Jarre, "Revolutions", publicado en septiembre de 1988 y lanzado como primer sencillo. Fue un disco de cambio de rumbo: Jarre dejó el sonido más etéreo de "Oxygène" y "Équinoxe" por algo más rítmico, urbano y cercano al synth-pop.

La canción mezcla sintetizadores y cajas de ritmos con instrumentos de la tradición árabe. Aparece el ney, la flauta turca, a cargo de Kudsi Erguner, y en el disco también hay un canto de muecín y un conjunto de música clásica árabe. Es uno de los primeros encuentros entre la música electrónica y los sonidos del mundo árabe.

Otra curiosidad es que las "voces" no son cantantes. Son voces de ordenador creadas con vocoder por el propio Jarre y por Michel Geiss, su colaborador habitual.

El tema fue el centro de la presentación del álbum en directo, "Destination Docklands". Fueron dos conciertos, el 8 y el 9 de octubre de 1988, en los muelles de Londres, con unas 100.000 personas cada noche. El escenario era una barcaza flotante de 1.000 toneladas sobre el Támesis. El álbum está inspirado en la historia industrial de esa zona. En el Reino Unido llegó al puesto 52 de las listas.

Sobre la letra, es mínima. Las voces robóticas repiten la idea de "revolución" como un cántico. La palabra juega con los dos sentidos del término: las vueltas que da una máquina y los grandes cambios históricos. El tema funciona como un himno a la era industrial y tecnológica, y a cómo las máquinas han marcado la forma de vivir y de pensar.

Letra: 

Revolution!

Human, Not Human

Freedom, No Freedom

Change, No Change

Revolution!

Employment, No Employment

Choice, No Choice

Memory, No Memory

Revolution!

Revolution!

Sex, No Sex

TV, No TV

Furture, No Future

Revolution!

Computer, No, No Computer

Sex; No, No, No Sex

Memory, No, No, No Memory

Revolution!

Choice, No Choice

Freedom, No, No Freedom

TV, No, No, No TV

Change, No, No Change

Revolution!

Andrea McArdle - Tomorrow

"Tomorrow" es el gran número del musical "Annie" (Broadway, 1977), con música de Charles Strouse y letra de Martin Charnin. Annie la canta en un momento bajo, cuando acaba de escaparse del orfanato y le habla a un perro callejero de los días mejores que vendrán. Más tarde se repite en el número del gabinete de Roosevelt y en el final del musical. La versión original la cantó Andrea McArdle, que hacía de Annie con 13 años.

Curiosidades:

- Strouse la tenía guardada en un cajón: es una versión reciclada de una canción suya anterior llamada "Replay".

- La historia se sitúa en plena Gran Depresión. El guionista Thomas Meehan la ambientó ahí porque el ánimo de los años 70 (Vietnam, la crisis de Nueva York) era igual de sombrío.

- "Annie" estuvo en cartel 2.377 funciones y ganó siete premios Tony, entre ellos Mejor Musical.

- McArdle empezó siendo la suplente de Annie en las pruebas y acabó quedándose con el papel antes del estreno en Broadway. 

Significado de la letra: es un himno al optimismo. Habla de aguantar hoy porque mañana saldrá el sol, y de afrontar los días grises y solitarios con la barbilla en alto y una sonrisa. Dentro del musical funciona como una pequeña terapia para un país hundido por la Depresión.

Versiones que merecen la pena:

La de la película de 1982, con Aileen Quinn como Annie. Es la que muchos conocen, y la de 2014, con Quvenzhané Wallis, la moderniza.

La de Sydnie Christmas, de su álbum debut "My Way" (2024). Con esta canción consiguió el Golden Buzzer de Amanda Holden en su audición de "Britain's Got Talent" 2024, un programa que acabó ganando. Su audición acumula más de 40 millones de visualizaciones en redes. Ella cuenta que "Tomorrow" fue la primera canción que cantó de verdad, subida a un banco en el patio del colegio con solo cuatro o cinco años.

Videoclip (Andrea McArdle, Broadway): 

Versión película 1982 (Aileen Quinn): 

Versión Sydnie Christmas (audición BGT): 

Letra: 

The sun'll come out

Tomorrow

Bet your bottom dollar

That tomorrow

There'll be sun!

Just thinkin' about

Tomorrow

Clears away the cobwebs

And the sorrow

'Til there's none!

When I'm stuck with a day

That's grey

And lonely

I just stick out my chin

And grin

And say

Oh!

The sun'll come out

Tomorrow

So ya gotta hang on

'Til tomorrow

Come what may

Tomorrow, tomorrow!

I love ya tomorrow!

You're always

A day

Away!

When I'm stuck with a day

That's grey

And lonely

I just stick out my chin

And grin

And say

Oh!

The sun'll come out

Tomorrow

So ya gotta hang on

'Til tomorrow

Come what may

Tomorrow, tomorrow!

I love ya tomorrow!

You're always

A day

Away!

Tomorrow, tomorrow!

I love ya tomorrow!

You're always

A day

Away!